'Urteil des Paris' Domenico Lupini zugeschrieben

Das Modell stammt von einem Stich von Marcantonio Raimondi nach einer Zeichnung Raffaels, die speziell für das grafische Werk angefertigt wurde und von einem Gemälde stammt, das in der Stanza della Segnatura (1513-1515) platziert wurde. Dieses Modell wurde von Hans von Aachen in einem Gemälde aus dem Jahr 1588 aufgegriffen und verändert, das heute im Museum der Kartause von Douai aufbewahrt wird, das wiederum in einem Stich des folgenden Jahres von Raphael Sadeler im Kabinett für Zeichnungen und Drucke aufgegriffen wurde der ‚Accademia Carrara Bergamo. Die fragliche Leinwand ist von dieser letzten Version abgeleitet, die dieselben Änderungen aufweist, die in Bezug auf das raffaelische Original vorgenommen wurden. Im Mittelpunkt der Szene, die sich inmitten einer natürlichen Landschaft abspielt, stehen die drei Göttinnen, die um den Titel der Schönsten wetteiferten: Juno mit dem Pfau, ihrem Symboltier, Venus mit Amor und Minerva daneben Helm, Speer und Schild. Paris überreicht von hinten unter den Augen von Richter Merkur der Liebesgöttin den goldenen Apfel, der den Sieger bestimmt. Zwei Putten umschwirren die Protagonisten, während im Vordergrund, immer von hinten, eine männliche Figur zu sehen ist. Auf dem hinteren Rasen findet ein Landinternat statt. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle belegt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, für den man jedoch den Umfang seiner Tätigkeit zwischen Bergamo und Venedig vermuten kann. Die einzigen zwei signierten Werke sind eine "bekehrte Magdalena" und eine "Verkündigung", aber andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Diese Gemälde weisen einen warmen und raffinierten Chromatismus auf, der zusammen mit der Eleganz der Charaktere und der kompositorischen Modalität auf einen venezianischen Aufenthalt von Lucini hindeutet, der an die Atmosphäre von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Präsentiert in einem vergoldeten Rahmen aus dem 17. Jahrhundert, restauriert und doubliert.

Erzengel Michael besiegt den Teufel Öl auf Leinwand Italien XVII Jhd

Öl auf Leinwand. Das Werk ist eine Kopie des berühmten Gemäldes von Guido Reni (1575-1642), das zwischen 1635 und 1636 entstanden ist und derzeit in der Kirche Santa Maria della Concezione dei Cappuccini in Rom aufbewahrt wird. Die Ikonographie des Werkes basiert auf der Vision des Heiligen Johannes des Evangelisten, die in der Apokalypse beschrieben wurde, in der er erschien "... ein Engel, der mit dem Schlüssel des Abgrunds und einer großen Kette in der Hand vom Himmel kam [. .. welche ...] den Drachen packte, die alte Schlange - das ist der Teufel, satan ist, - und kettete ihn ...“. Das Werk im stark barocken Original von großer Intensität und Kraft wird hier mit Treue und guter Wiedergabe aufgenommen, wenn auch die Farben weniger brillant und die Dimensionen reduziert sind, zu Lasten der großen Flügel des Erzengels und des Hintergrunds der Felslandschaft der Unterwelt. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Martyrium des Hl. Jakobus des Älteren

Öl auf dem Tisch. Sowohl der äußere rechteckige Rahmen als auch ein weiterer innerer Rahmen, der das Gemälde einschreibt, sind in den Tisch geschnitzt. Die Szene schlägt das Martyrium des heiligen Jakobus von Zebedäus, des Apostels namens Major, vor, um ihn von dem anderen gleichnamigen Apostel, Giacomo di Alfeo, genannt Minor, zu unterscheiden. Jakobus der Ältere war der erste Apostelmärtyrer und erlitt den Tod durch Enthauptung. Die gemalte Szene schlägt das Martyrium vor, das römischen Soldaten zugefügt wurde, aber in einen zeitgenössischen Lebensraum für den Maler eingefügt. Es ist Teil einer Gruppe von kleinen Tellern, die das Martyrium verschiedener Heiliger erzählen und wahrscheinlich zu Anschauungszwecken für das einfache Volk hergestellt wurden.

Martyrium-Szene

Öl auf dem Tisch. Sowohl der äußere rechteckige Rahmen als auch ein weiterer innerer Rahmen, der das Gemälde einschreibt, sind in den Tisch geschnitzt. Die Szene schlägt das Martyrium eines Heiligen durch Steinigung vor; Obwohl der berühmteste Heilige, der dieser Verurteilung ausgesetzt war, Stephanus war (aber er starb, als er noch jung war, im Gegensatz zu dem hier vorgeschlagenen Märtyrer), waren viele Christen, die diese Form des Martyriums erlitten, weil die Steinigung die vom Mosaik vorgesehene Strafe war Gesetz für die Verbrechen als ernster, wie Gotteslästerung. Die gemalte Szene schlägt Figuren vor, die nach alter Art gekleidet sind, aber für den Maler in einen zeitgenössischen Lebensraum eingefügt sind. Es ist Teil einer Gruppe von kleinen Tellern, die das Martyrium verschiedener Heiliger erzählen und wahrscheinlich zu Anschauungszwecken für das einfache Volk hergestellt wurden.

Heiliger Märtyrer

Öl auf dem Tisch. Sowohl der äußere rechteckige Rahmen als auch ein zusätzlicher innerer Rahmen, der das Gemälde einschreibt, sind in den Tisch geschnitzt. Die Szene zeigt einen christlichen Heiligen, der zu Gott betet und sich weigert, an dem Opfer teilzunehmen, das die Priester einer heidnischen Gottheit bringen; links weist ihn ein Mann auf den römischen Soldaten hin und beschuldigt ihn. Die Szene ist ein Vorspiel zum Martyrium des Menschen; Die Kostüme der Figuren und der heidnische Altar entsprechen der historischen Periode des Märtyrers, aber die Landschaft ist die des Künstlers. Es ist Teil einer Gruppe von kleinen Tellern, die das Martyrium verschiedener Heiliger erzählen und wahrscheinlich zu Anschauungszwecken für das einfache Volk hergestellt wurden.

Martyrium des heiligen Jakobus des Minderjährigen

Öl auf dem Tisch. Sowohl der äußere rechteckige Rahmen als auch ein zusätzlicher innerer Rahmen, der das Gemälde einschreibt, sind in den Tisch geschnitzt. Die Szene schlägt das Martyrium des Heiligen Jakobus von Alfeo vor, des Apostels namens Minor, um ihn von dem anderen gleichnamigen Apostel Giacomo di Zebedeo, genannt Major, zu unterscheiden. Der Überlieferung nach wurde Jakobus der Jüngere, der durch Steinigung zum Tode verurteilt worden war, stattdessen von einem Wäscher mit einem Schlag auf den Kopf getötet. Die gemalte Szene schlägt die Figuren vor, die in der alten Mode ihrer Zeit gekleidet sind, aber dem Maler in einen zeitgenössischen Lebensraum eingefügt sind. Es ist Teil einer Gruppe von kleinen Tellern, die das Martyrium verschiedener Heiliger erzählen und wahrscheinlich zu Anschauungszwecken für das einfache Volk hergestellt wurden.

Sic Transit Gloria Mundi

Ölgemälde auf Leinwand. Französische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die Szene spielt vor einem offenen Bogen in einer Steinstruktur, die den Zugang zu unbewohnten und kahlen Räumen ermöglicht. Zwei Figuren, eine Frau und ein Putto, sind erfreut mit verschiedenen Instrumenten: sie spielt eine Mandoline und auf dem Boden verstreut, gibt es eine Palette von Farben, Büchern, Schmuck, Rüstungen und Waffen, anderen Musikinstrumenten und einem Globus auf. auf dem der Putto steht und Seifenblasen produziert; auf dem Boden in der Mitte erwähnt eine Kartusche den Spruch "Sic transit gloria mundi". Dies ist eine berühmte lateinische Phrase, die auf Italienisch bedeutet „So die Herrlichkeit der Welt passiert“, verwendet , um den ephemeren Wert der Dinge des Lebens zu betonen, symbolisiert durch verschiedene Objekte (Kunst, Literatur, Reichtum ...), dazu bestimmt, verschwinden wie Seifenblasen. Die ganze Szene hat daher eine starke allegorische / symbolische Bedeutung: Selbst der Sonnenuntergang, der links zu sehen ist, drückt das gleiche Konzept aus, alles auf der Welt ist dazu bestimmt, zu enden. Das in der Kunst stets präsente Thema der Vergänglichkeit des Lebens erlebte seine höchste Entfaltung im 17. Jahrhundert, eng verbunden mit dem Gefühl der Prekarität, das den europäischen Kontinent nach dem Dreißigjährigen Krieg und der Ausbreitung von Pestepidemien erfasste. Mit allegorischen Szenen wie dieser statt mit Vanitas oder Memento Mori oder Szenen oder Stillleben mit symbolischen Elementen, die auf das Thema der Vergänglichkeit des Lebens anspielen (Schädel, verzehrte Kerze, Uhr, zerbrochene Blume), wir wollten gerade den ephemeren Zustand der Existenz zu unterstreichen, des Menschen und irdischen Gütern. Auf der Rückseite des Werkes befindet sich eine Kartusche, die eine wahrscheinliche Zuschreibung an Simon Vouet aussagt. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem neu angepassten antiken Rahmen präsentiert.

Ausstellungsplakat von Andy Warhol 1996

Achtfarbig bedrucktes Faltplakat der Ausstellung "Vanitas: Skulls and self-portraits 1976-1986", die von November 1985 bis Januar 1996 in der Anthony d'Offay Gallery in London stattfand. Auf der Vorderseite eine Komposition aus acht "Schädeln". präsentiert von Warhol, das Symbol der Vergänglichkeit des Lebens,. in schwarz und weiß, der Titel der Ausstellung, einer kritischen Überprüfung und Katalog Andy Warhols Arbeiten an den beiden Themen Schädel und Selbstporträts auf der Rückseite. Abmessungen der offenen Broschüre: 83, 8 x 53,2 cm.

Adriano Bogoni

Vase mit Blumen 1952

Öl auf Hartfaser. Rechts unten signiert. Rückseitig weitere Signatur mit Datum und Widmung. Geboren in Monteforte d'Alpone (Verona) , wo er künstlerisch geschult, die Cignaroli Akademie besucht und dann das Studio von Angelo Dall'Oca Bianca, Adriano Bogoni später nach Mailand bewegt (wo er bis zu seinem Tod blieb), wo er seit der aktiv war Ende des Ersten Weltkriegs. Seine anfängliche Malerei war analytischer und insbesondere in Porträts versuchte der Künstler, die starke psychologische und introspektive Aufladung des Porträtierten wiederzugeben. In den fünfziger Jahren widmete er sich Stillleben und Landschaften, fasziniert vor allem vom ligurischen Meer, übertrug seine Leidenschaft für die Analyse von Emotionen und Gefühlen auf diese neuen Themen und erschuf sie durch die Farben und Schattierungen der Natur. Bogoni gewann mehrere nationale und internationale Preise; Seine Werke befinden sich in Privatsammlungen und in den Galerien für Moderne Kunst in Rom, Mailand, Berlin, München, Barcelona und New York. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf dem Tisch von Oscar Ricciardi - Italien XIX Jhd

S. Lucia Blumenmarkt

Öl auf dem Tisch. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite der Titel in Bleistift. Es ist ein lebendiger und intensiver Blick auf den Pallonetto di S. Lucia, die bekannte neapolitanische Terrassengasse, die zusammen mit denen von San Liborio und Santa Chiara die drei Pallonetti von Neapel bildet; Auffallend und eigenartig die Kontraste von Licht und Farben Oscar Ricciardi war ein produktiver neapolitanischer Maler, der von einigen als das Oberhaupt des neapolitanischen Impressionismus angesehen wurde; Als Hauptthemen malte er Marine, Strände, Einblicke, Landschaften und neapolitanische Bräuche und Traditionen seiner Stadt. In seinen Werken offenbaren der intensive Chromatismus, das Studium des Lebens, der Verzicht auf das Zeichnen und das klare und klare Licht, das die Szenen durchdringt, das Wissen des Impressionismus aufgrund der Anwesenheit von Giuseppe De Nittis in Neapel. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Sperrholz von Emilio Vacchetti - Italien 1956

Blumenvase 1956

Öl auf Sperrholz. Unten links signiert und datiert. Der piemontesische Maler Emilio Vacchetti widmete sich hauptsächlich Blumenarrangements in Vasen und Landschaften, Einblicke in die piemontesische Bergwelt. Die Arbeit in warmen und schattierten Farben wird in einem Rahmen präsentiert

Öl auf Karton von Francesco Sartorelli - Italien XIX Jhd

Landschaft

Öl auf Karton. Unten links signiert. Auf dem rückseitigen Papieretikett mit der Biographie des Künstlers. Nach einer ersten Zeit, die der Musik gewidmet war, wählte Francesco Sartorelli den Weg der Malerei und bildete sich als Autodidakt weiter. Als Landschaftsmaler zunächst traditioneller Art näherte er sich dann der pointillistischen Malerei und definierte schließlich seinen eigenen Stil aus fließenden und lockeren Pinselstrichen. Das kleine Gemälde wird in einem stilisierten Rahmen präsentiert.