Öl auf Leinwand Andrea Scacciati, Umfang von XVII Jhd - Kompositionen mit Blumen und Früchten

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 18. Jahrhunderts. Es ist eine große Hügellandschaft, reich an Vegetation und von einem kleinen Bach durchzogen, an dem zwei Männer, in der Mitte der Szene unten, aus einem Wasserbecken fischen. Über ihnen ein Himmel voller Wolken, die in der Ferne verschwinden und an bevorstehende Regenfälle erinnern. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem vergoldeten Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Öl auf dem Tisch. Norditalienische (venezianische?) Schule des 18. Jahrhunderts. Die Form des Tisches deutet darauf hin, dass das Gemälde Teil einer Einrichtungsgarnitur war, die zusammen mit anderen mythologisch-allegorischen Szenen in eine zusammengesetzte Wandstruktur eingefügt wurde. Das Gemälde stellt eine mythologische Episode dar, die in Ovids Metamorphosen erzählt wird: Merkur bereitet sich darauf vor, Argus mit den überzeugenden Melodien seiner Flöte einzuschläfern, und tötet ihn dann auf Befehl von Jupiter. Argos, der Hirte mit den hundert Augen und mit großer Kraft ausgestattet, war von Juno beauftragt worden, über die junge Io zu wachen, die von Jupiter geliebt und von ihm in eine Färse verwandelt wurde. In dieser Darstellung, die sich in einer idyllischen Landschaft befindet, kann Merkur mit seinem Hut und den geflügelten Schuhen identifiziert werden, während er auf seiner Flöte spielt, und Argus, der sitzt und die weiße Färse hinter sich beobachtet: wie in vielen Darstellungen dieses Mythos, auch in Werken von großem Ruhm , Argo wird als einfacher Hirte dargestellt, ohne hundert Augen und ohne besondere Gaben. Die eher bukolische als dramatische Dimension unterstreicht die dekorative Absicht der Tafel, die eher Leichtigkeit als Pathos hervorrufen möchte. Das Werk ist in gutem Zustand.

Öl auf Leinwand. Die Szene schlägt die Anbetung des Jesuskindes vor, das oben in der Mitte von einigen großen Heiligen platziert wurde, vor allem von Mutter Maria, die sich in einer kontemplativen Haltung des Sohnes befindet, der wie er auf einer Wolke sitzt; weiter unten links ist die heilige Veronica Giuliani zu erkennen, mit ihrem Herzen in der Hand, einer jungen Heiligen, die von einem Pfeil durch das Herz gestochen wurde, einer gekrönten Heiligen mit königlichen Gewändern und der Palme des Martyriums in der Hand, die der Weihnachtsmann sein könnte Barbara und schließlich St. Lucia, die ihre Augen auf eine Untertasse lenkt. Sie sind daher alle heilige Märtyrer, die Christus in der Herrlichkeit des Himmels anbeten. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19./frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die Szene, die nachts im Garten einer Villa spielt, von der Sie rechts die reich verzierte Fassade sehen können und in der der von Putten sprudelnde Brunnen hervorsticht, unter einem dunklen Himmel und weiter von schweren Wolken verdeckt, schlägt zwei Figuren vor, die unterhalten einander im Gespräch: ein bescheiden gekleideter älterer Mann ermahnt streng einen sitzenden jungen Mann, reich gekleidet, der stattdessen mit der Hand die Geste des mea culpa zu machen scheint. Die Physiognomie und die Gesten der beiden Charaktere, zusammen mit dem Stil der Kleidung, würden sich auf den Philosophen Aristoteles beziehen, der an den Hof von Mazedonien berufen wurde, um der Erzieher des jungen Alexander zu sein, des zukünftigen Königs, der damals als Alexander der Große bekannt war : Nach dem, was Plutarch in seinen „Parallel Lives“ erzählt, war der junge Alexander ein brillanter Schüler, so sehr, dass er auch in die tiefgründigsten und esoterischsten aristotelischen Lehren eingeweiht wurde, aus denen die Aura des Mysteriums und der tiefen Innerlichkeit erstrahlt in der hier vorgestellten Arbeit durch. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen. Das Gemälde, restauriert

Öl auf Leinwand. Die Komposition ist kein traditionelles Stillleben, da die Frucht (Trauben und Äpfel) und der Vogel in eine große Landschaft eingefügt sind, als deren hinzugefügte Elemente im Vordergrund stehen; Hinter ihnen öffnet sich eine grüne Landschaft mit einem Dorf auf dem Hügel. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Französische Schule des siebzehnten bis achtzehnten Jahrhunderts. Die Außenszene ist in zwei stark kontrastierende Teile gegliedert: Links, auf dem dunklen und düsteren Hintergrund einer Felswand, befinden sich einige antike Ruinen, Sockel und Säulenfragmente mit umgestürzten beschädigten Statuen; rechts dagegen öffnet sich die bergige Landschaft vor dem Hintergrund eines blauen und wolkengrauen Himmels zu einem Weg, aus dem einige Figuren hervortreten, eine lebhafte Frau, die einen Wäschekorb trägt und ein Kind an der Hand hält, ein Wanderer mit sein Bündel Schultern. Es scheint eine Metapher zwischen der Vergangenheit, die jetzt tot und dunkel ist, und der Gegenwart, lebendig und lebendig. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene in einer hügeligen Landschaft mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: Die Hirtenfamilie sitzt in der Mitte und beobachtet die Gefährtin, die das Kind hält ihre Arme in Windeln; ringsum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafe, Ziegen und Kühe, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der sich als bildnerische Modalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), des deutschen Malers, der als einer der besten Tiermaler gilt, bezieht in Italien im siebzehnten Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, das Vlies und das Aussehen von Tieren hervorzurufen. Das restaurierte und doublierte Werk wird in einem vergoldeten Stilrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18 Jahrhunderts. Das Porträt schlägt die Figur einer jungen Frau vor, die ein Alltagskleid trägt, aber mit gefleckten Pelzkanten verziert ist; merkwürdigerweise stellt sie mit dem erhobenen Arm einen Pelzmuff zur Schau, den sie über eine Hand gesteckt hat, wahrscheinlich eine Gewohnheit, um eine Mode der Zeit zu unterstreichen. Das Gemälde weist Restaurierungsspuren auf, wobei die Originalleinwand erhalten blieb, jedoch auf einen neuen Rahmen montiert wurde. Es ist in einem ovalen Rahmen aus der gleichen Zeit präsentiert, der jedoch von einem später hinzugefügten Holzfries überragt wird.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Angenehme Porträt einer jungen Frau in einem eleganten Abendkleid, das mit einer Perlenkette um den Hals verziert ist, erinnert an die malerischen Wege von Peter Lely (1618 -1680), dem niederländischen Maler, der sich hauptsächlich der Porträtmalerei widmete und am Hof wurde London und im ganzen Königreich von England die Nachfolgern in der Rolle des Porträtist, von Antoon van Dyck. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Blick auf den Hafen mit Figuren

Öl auf Leinwand. Ende des 18. Jahrhunderts. Toller Blick auf einen Hafen, der von einem Turm dominiert wird, in dessen Nähe sich die Werft befindet; im Vordergrund mehrere Männer- und Frauenfiguren, die auf dem Pier fischen wollen. Überall flattern ausgefallene Fahnen. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem historischen Rahmen präsentiert. Fantasie.

Papiergravuren. Fünf stammen aus Zeichnungen von Giuseppe Zocchi (1711-1767) und die anderen fünf stammen aus Zeichnungen von Jacopo Amigoni (1682-1752). Sie alle zeigen Episoden aus dem Alten Testament mit unterschiedlichen Charakteren und Episoden. Von Zocchi gibt es Szenen aus dem Leben von Tobias, von Jephthah, von Moses (dem brennenden Dornbusch), von Hagar und von Lot. Von Amigoni, Szenen aus dem Leben von Jakob, von David mit Abigail, von Abraham und zwei anderen von Moses (Moses rettete aus dem Wasser und Moses verteidigte die Töchter des Jerus am Brunnen). Der Deutsche Joseph Wagner wurde in Venedig zum Maler ausgebildet, in der Werkstatt des Rokoko-Malers Jacopo Amigoni, der ihn einlud, sich dem Kupferstichstichel zu widmen. 1739 gründete er in Venedig die Wagnersche Chalkographie, die schnell zum bedeutendsten Druckproduktionszentrum der Serenissima wurde; seine Werkstatt war bei vielen venezianischen Radierern (Volpato, Brustolon, Piranesi, um nur einige zu nennen) sehr beliebt. In der produktiven Werkstatt wurden die talentiertesten Graveure dieser Zeit mit der Herstellung von Hunderten von Drucken beschäftigt, die alle Arten der figurativen Lagunenkultur des 18. Rolle der Druck von Prototypen von Amigoni genommen, sind die wiederbelebt Szenen des Rokoko Geschmacks, Satz in einer sanften Natur dominierten Landschaften und durch die Anwesenheit von antiken Ruinen verschönerten und in anmutigem rocaille Rahmen eingefügt. Die Gravuren zeigen leichte Feuchtigkeitsverluste. Sie werden in zeitgenössischen vergoldeten Rahmen mit historischen Gläsern präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt das schöne Mädchen auf dem Rücken des Stiers, der sie entführt hat, wie sie zwischen den Wolken rennt, umgeben von Putten. Der griechische Mythos erzählt, dass Zeus die schöne Prinzessin zusammen mit ihren Mägden am Meeresufer bemerkte, wo Europa gerne badete und Blumen pflücken. Zeus verliebte sich sofort in sie und um die Mädchen nicht zu erschrecken, nahm er die Gestalt eines weißen Stiers an und begann das Gras der Wiese zu grasen. Die Mädchen, die ihn ruhig sahen, begannen ihn zu streicheln und sogar Europa stieg auf seinen Rücken. Dann sprang der Stier und begann einen langen Lauf, mit der erschrockenen Europa, die sich fest an ihn klammerte, zur Insel Kreta, wo sich der Gott offenbarte und seine Vereinigung mit dem Mädchen feierte. Das Werk hat eine starke szenische Wirkung, mit sehr lebhaften Figuren und lebendigen Farben, unter denen das Rot des Mantels hervorsticht, mit dem die Putten die Flucht bedecken, ein Symbol für die Liebe, die Zeus zum Handeln veranlasste. Restauriert und unterfüttert wird das Gemälde in einem historischen Rahmen präsentiert.