Großer Tapa Holz Neuguinea XX Jhd

Öl auf Leinwand. Die große Stilszene greift die Bildkompositionen des 17. und 18. Jahrhunderts auf, die sogenannten architektonischen Launen, die alte architektonische Strukturen, oft in Trümmern, in eine von populären Figuren belebte italienische Landschaft stellten. Dasselbe Thema findet sich auf dieser großen Leinwand mit starker dekorativer Wirkung wieder. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Tempera auf Leinwand. Mitte 1900. Die vier großen dekorativen Paneele sind so geformt, dass sie das zentrale Loch für den Kronleuchter begrenzen. Sie sind mit einem Blattgirlandenmotiv mit Früchten und Bändern verziert, das in den zusammengebauten Paneelen eine Krone bildet; Auf jeder Tafel erscheint ein Putto, der darauf bedacht ist, auf der Girlande zu spielen. Der Grund ist neoklassisch. Die Gesamtdekoration misst 350 x 240 cm.

Öl auf Leinwand. Oben links signiert. Weitere Signatur, Ort Rom und Datum auf der Rückseite. Domenico Morelli und wurde im Klima der Romantik gebildet. Er war Landschaftsmaler und Genremaler, schuf aber auch wertvolle Stillleben, mit leuchtenden Farben und einer präzisen und realistischen Zeichnung. In dieser Komposition liegt in der Mitte ein großer Hummer zwischen einer Gruppe von Fischen auf der linken Seite und etwas Gemüse auf der rechten Seite, unter denen einige Rüben besonders hervorstechen; weiter hinten ein grüner Keramikkrug und aromatische Pflanzen, deren dunkelgrüne Farbe sich in den polierten Hintergrund einfügt. Das Gemälde wird in einem geschnitzten Holzrahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Truthähne

Öl auf Sperrholz. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite befindet sich ein Schriftfeld mit der Angabe N.9 und dem Titel. Giovanni Lomi, ein Künstler aus Livorno der Labronico-Gruppe, widmete sich der Produktion von Figuren und Landschaften und drückte vor allem in den Jachthäfen eine starke Lyrik aus. Er war auch ein diskreter Bariton und verstand es, die Liebe zur Musik mit der zur Malerei zu verbinden. Auf dem Land in einer Familie aus ärmlichen Verhältnissen aufgewachsen, entwickelte er eine Liebe zur Natur und zu Tieren, die oft Gegenstand seiner Werke waren. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

Farblithografie auf Velinpapier. Der Titel unten links. Auf dem Passepartout der Name und der Schriftzug "Originallithographie". Es ist Planche Nr. 10 der Serie „Amour“, die 1899 von dem französischen Künstler geschaffen wurde und von den Liebesgedichten inspiriert ist, die Denis für seine zukünftige Frau Marthe Meurier schrieb. Einige Repliken der ersten Serie wurden hergestellt, darunter die auf Seidenpapier von 1911. Maurice Denis, französischer Maler, wurde künstlerisch geformt im Zusammenhang mit der Geburt der symbolistischen Bewegung, die ihn stark beeinflusste und sich durch seine Einfachheit und seine durchsetzte Philosophie einer Kunst, die eine Synthese zwischen der Außenwelt und der Spiritualität des Künstlers war. In seinen frühesten Werken war der Bildstil naturalistisch und neoimpressionistisch, tendierte jedoch im Laufe der Zeit zu einem reinen Dekorativismus, der durch Flächen mit flächigen Farben und klaren Umrissen gekennzeichnet war. 1888 gründete Maurice Denis an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Pierre Bonnard und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. An den Nabis-Treffen, die meist in der Redaktion der Zeitschrift „Revue Blanche“ oder an der Ranson Academy stattfanden, schätzte Denis besonders das mystische Klima, den esoterischen Jargon und den Spitznamen, den jeder Maler von der Gruppe erhielt: Denis hieß „the Nabi bei den schönen Bildern". Als "Nabi" malte Maurice Denis intime, rätselhafte Bilder und die Themen seiner Malerei, religiöser Natur oder Situationen des täglichen Lebens, wurden in eine ideale und unwirkliche Dimension gebracht, in einer Atmosphäre von warmer und gelassener Intimität, die mit einem extrem erreicht wurde heikles Merkmal. Eine Konstante in seinem Leben war das Bekenntnis zum katholischen Glauben, das für ihn immer eine vorrangige Rolle spielte. Er erhielt zahlreiche Aufträge für die Dekoration von Kirchen und dies veranlasste ihn, zur großen Tradition der Wandmalerei zurückzukehren, indem er feierliche Fresken von monumentaler Struktur aufführte, die von einem literarischen Katholizismus inspiriert waren. Der religiöse Eifer veranlasste Maurice Denis, 1919 die Ateliers d'Art Sacré zu gründen und viel Zeit dem Gebet zu widmen, so sehr, dass er Tertiär von San Domenico wurde, ohne ihn von der Welt zu isolieren, für die er sich engagierte im damaligen gesellschaftlichen Leben. Neben seiner umfangreichen Produktion als Maler war Denis ein großartiger Zeichner und Illustrator. Bis zu seinem Tod malte Maurice Denis weiterhin in einer modernen Interpretation der großen antiken Malerei, unterstützt von seiner starken künstlerischen Ader, die ständig von seinen Reisen angeheizt wurde, viele davon in Italien, die ihn in direkten Kontakt mit den Präraffaeliten brachten und die Neoklassik.

Frauenportrait 1950

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert (1-5-1950). Geboren in Bologna, aber künstlerisch an der Brera-Akademie in Mailand ausgebildet, studierte er Anfang des 20. Jahrhunderts in Paris, wo er die Malerei der großen Meister der Vergangenheit bewundern und mit großem Interesse die neuen Bildtrends verfolgen kann, die im Klima der allgemeine Erneuerung, die das neue Jahrhundert brachte. Tatsächlich finden sich in seinen Gemälden der ersten Jahrzehnte des zwanzigsten Jahrhunderts Einflüsse von Themen wie Symbolik und Divisionismus, aber Mascarini lässt sich nicht von den neuen Strömungen gehen, die die Dekonstruktion der Form bejubeln, und bleibt in der Einschließung von sein Atelier, um die ihm am nächsten stehenden Zuneigungen und Blicke des Alltags zu malen. Seine Bildsprache greift den lombardischen Naturalismus des späten 19. Jahrhunderts auf, seine Malerei ist in eine nüchterne und ausgewogene Zeichnung eingefasst. Als Landschafts- und Porträtmaler schlägt er zarte und ruhige Szenarien vor, wie die Gletscher, die er beim Klettern in der Stille der hohen Berge malt, die er sehr liebt, und Porträts mit Gesichtern, die von sanften Pinselstrichen harmonisch umrahmt sind und intime Gefühle ausdrücken. Das hier vorgestellte Porträt einer Dame schlägt eine Figur vor, die, obwohl elegant in ihrem Abendoutfit, in ihrem Gesicht und ihrer Pose eher Gelassenheit, Ruhe, Intimität als Weltlichkeit ausdrückt. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Bäume am Ufer des Sees

Öl auf Leinwand. rechts unten signiert. Auf der Rückseite befinden sich: Stempel der Galleria Annunziata in Mailand und Etikett der Teilnahme an der Ausstellung an derselben, weitere Ausstellungskartusche von 1951 in der Art Gallery the Skyscraper of Legnano, zwei weitere Stempel weiterer Kunstgalerien. Dem Gemälde liegt eine Authentifizierung auf Foto mit Stempel des allgemeinen Werkverzeichnisses von A. Del Bon und Katalognummer bei. Der in Mailand geborene und an der Brera Academy als Schüler von di Alciati ausgebildete Angelo Del Bon debütierte 1924 in Monza auf der Frauenporträtausstellung. 1926 nahm er an der zweiten italienischen Ausstellung des 20. Jahrhunderts teil, verließ jedoch sofort diese Bewegung und ihre Schwere und statische Natur, suchte eher nach einer größeren Leichtigkeit der Farbtöne und verlagerte das Interesse von der Form auf die Farbe, um zu einer im Wesentlichen chromatischen Definition zu gelangen des Bildes. , auch auf die Anregungen des Postimpressionismus. Ab 1930, dem Jahr seiner erneuten Präsenz auf der Biennale in Venedig, begann der Dialog mit der Natur und die klare Beschreibung der lombardischen Landschaft mit dem Ziel einer klareren und helleren Definition des umgebenden Raums. Ab 1932 erreichte er eine vollständige Nullung der Oberflächenwerte, führte große weiße Flecken ein und definierte seine eigene eigentümliche Technik, die darin bestand, eine gleichmäßige Schicht Zinkweiß auf die Leinwand aufzutragen und anschließend mit reinen Farbmischungen fortzufahren und zu kratzen die Zubereitung kommt von unten heraus. Del Bon erhält Werke von absoluter Klarheit und Helligkeit, akzentuiert durch die Verwendung von Pastellfarben, die seine Gemälde ab 1933 prägen. Er malte hauptsächlich lombardische Landschaften; ab 1941 begann er mit der Serie der Stillleben und Blumen. 1940 gründete er mit seinem Freund Grossetti die Galerie Annunciata, der Del Bon exklusiv seine gesamte Produktion übergab. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Stilleben 1948

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Giovan Francesco, ein Mailänder Künstler, der von einem Kadettenzweig der Gonzaga-Adligen von Mantua abstammte, nahm als Zwanzigjähriger mit der Kavallerie von Savoyen am Zweiten Weltkrieg teil und nahm mit dem Geschwader „Fantasma“ an Patrouillenaktionen in der russischen Steppe teil . Die Monate, die er während des Krieges in engem Kontakt mit dem Pferd verbrachte, entfachten in ihm eine echte Leidenschaft für Pferde, die zum bevorzugten Thema zahlreicher Gemälde, Skulpturen und Gedichte wurde. Als autodidaktischer Künstler erklärte er „Die Natur ist mein wahrer Lehrer“ und widmete sich ihr treu nach Pferden hauptsächlich Landschaften und Stillleben, die er immer „en plein air“ darstellte. Vittorio Sgarbi schrieb über ihn: „Die Weisheit von Giovan Francesco Gonzaga liegt in der Gestaltung, die stark und entschieden ist … Die Bilder vibrieren vor Unruhe, im Zeichen des Kampfes des Menschen gegen sich selbst, in der Hölle einer Geschichte das scheint immer dasselbe Drama zu wiederholen.Aber wenn die vorbereitende Zeichnung bewundernswert ist, hat die Farbe dieses Künstlers eine Majestät und eine Sensibilität, die von einer musikalischen Wahrnehmung der Farbe herrührt, wo die Palette in plötzlichen Variationen und Rhythmen zum Ausdruck kommt ". Seine Werke erscheinen in verschiedenen Museen, darunter dem der Pinerolo-Kavallerie, dem Historischen Museum der Guardia di Finanza in Rom, dem Tel Aviv Museum, dem Art Museum of Los Angeles, in öffentlichen und privaten Sammlungen in Italien, Frankreich, Spanien, Luxemburg , Indonesien, China, Japan, Singapur und Amerika. In diesem Stillleben erscheinen die Elemente eines Moments des Alltagslebens auf einem Tisch, dem eines Nachmittagstees: zwei silberne Teekannen, die Tasse mit dem Löffel und der Spitzenserviette, eine Untertasse mit Zitrone, die auf einigen Fotos ruht; an der roten hintergrundwand ein gerahmter druck. Die intensive Farbigkeit und die Ausdruckskraft der Elemente stechen hervor. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel

Mischtechnik auf Papier. Oben links signiert. Das Werk besteht aus drei mit Bleistiften und Aquarellfarben gezeichneten Blättern, die asymmetrisch angeordnet sind, um die amüsante Szene eines Mannes zu zeichnen, der von einer Leiter fällt. Der ironische, verspielte Theaterkünstler Aldo Spoldi ist Maler, Bildhauer, Musiker, Schriftsteller, Professor an der Brera-Akademie und Mitglied der Pataphysics Society, die von ihrem Schöpfer, dem französischen Schriftsteller und Dramatiker Alfred Jarry, ursprünglich als Wissenschaft der imaginären Lösungen definiert wurde und wird oft als eine Logik des Absurden, ein exzentrisches metaphysisches Schema und eine Parodie der Metaphysik angesehen. Spoldis Inszenierung folgt in all ihren Formen dieser pataphysischen Vision der Realität und reift ihre Variationen im Zuge der Veränderungen der Zeit. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Zitadelle 2001

Skulptur in Mischtechnik: Eisen, Holz und Fotografien. Ein international renommierter Designer, Pierluigi Rolando, studierter Textilingenieur und im Familienunternehmen vor allem in der Kaschmir-Textilindustrie etabliert, kreiert Kleidungsstücke, die er selbst als „Kaschmirskulpturen nach dem Vorbild des menschlichen Körpers“ definiert. Anfang der 1970er Jahre wechselte er mit Kollektionen für den aktiven Sport zum Design und trug zur Geburt der Fila bei. In seiner Freizeit wechselt er bildhauerische mit bildnerischen Interessen ab; er erfindet Figuren aus Styropor und Collagen aus Holz, Pappe und verschiedenen Materialien. Aber Skulptur ist seine große Leidenschaft immer: für 40 Jahre Kunst wurde „lebte hysterisch in der Freizeit“, aber seit 1993 hat Rolando gewählt , sich ihr zu widmen verschiedenen Materialien wie Terrakotta, Recycling - Eisen, Holz schlägt. verschiedene Themen, mit Fratzen mit angespannt und Leiden Ausdrücke, stark und karikiert Hände, Symbole der alten und Heldentaten einer fernen Epoche, Zeichen der Religionen und Mythologie. Seine visionäre Universum von Krieger, Führer und Kaiser bevölkert, Pferde Totems und . imaginäre Wesen seine Kunst ist suggestiv, märchen, verzaubert die Zitadelle hier vorgestellt, die auch diese Leidenschaft zum Ausdruck bringen sehr unterschiedliche Materialien zum Mischen, wurden nach dem tragischen Einsturz des Twin Towers von New York, im September 2001 erstellt: die beiden Türme, Symbole der Moderne, stehen noch intakt in einer verdrehten Metallplatte des Verfalls und des Verfalls, geschaffen durch eine verdrehte Metallplatte. Die Skulptur wird in einem Plexiglaskasten präsentiert.

Quadrat der Malerei, 1990

Acryl an Bord. Rückseitig signiert und datiert. Mit Authentifizierung auf handsigniertem Foto des Autors, mit Stempel der Galerie Verlato in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der reichhaltigen Werkserie, die der Künstler Cristalli aufgrund des Verweises auf die Geometrien dieser Mineralien nennt, die er als Energie- und Lichtbehälter betrachtet. Auf einem dreidimensional geformten Brett mit asymmetrischen vorstehenden Punkten, die an die Struktur eines Kristalls erinnern, malt Jori Elemente, die aus dem Hintergrund hervortreten, mit chromatischen Entscheidungen, die sich alle auf denselben Bereich beziehen, aber mit unterschiedlichen Farbtönen, um die Reflexionen des Lichts nachzuahmen. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung.

Pferd und Esel

Öl auf Karton. Unten links signiert. Tito Pellicciotti, ursprünglich aus den Abruzzen, wurde an der Akademie der Schönen Künste in Neapel unter der Leitung von F. Palizzi ausgebildet, von dem er seine Aufmerksamkeit für Tierfiguren erhielt, die er sowohl in der Ruhe des Stalls als auch frei und grasend reproduzierte. Daneben malte er Landschaften, Genrebilder, besonders intensiv Bauernköpfe und ab 1920, nach einem Aufenthalt in Nordafrika, auch arabische Sujets. Seine Malerei zeichnet sich auch durch die Wahl leuchtender Farben aus. Auch in diesem kleinen Gemälde erscheinen die Tiere als Protagonisten der Szene, frei zum Grasen reproduziert. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.