Spiegel Glas - Italien XX Jhd

La femme au chien, 1924

Farbige Aquatinta. Unten links und rechts mit Bleistift signiert; Seriennummer 160/200 unten links. Pierre Bonnard, französischer Maler, Grafiker und Fotograf, begann während seines Jurastudiums in Paris zu malen, gab aber bald die Kunst der Forensik auf, um sich nur noch der Malerei zu widmen. 1888 gründete Pierre Bonnard an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Maurice Denis und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. 1891 schuf Pierre Bonnard sein erstes Etikett für eine Weinfirma, einige Lithografien für „La Revue Blanche“ (wo sich die Nabis trafen) und entwarf auch Möbel und Dekorationsprojekte für Bildschirme mit Toulouse-Lautrec mit der dekorativen Qualität seiner Gemälde und seiner Person Verwendung von Farbe. 1892 stellte er einige seiner dekorativen Tafeln im Salon des Indépendants aus und begann, Kunstkritiker zu interessieren. Nach und nach verabschiedete sich der Maler von den akademischen Grautönen und erlebte begeistert die Begegnung der Kunst mit der Welt der bunten Alltäglichkeiten. Seine Arbeiten, die bald an den schillernden Farben, den hellen Linien und der offenen Perspektive erkennbar sind, wurden weithin geschätzt. 1896 veranstaltete er seine erste Einzelausstellung und sein Ruhm verbreitete sich mit Ausstellungen in Schweden und Norwegen nach Europa. Bonnard, der unter dem Einfluss der Strömung des Jugendstils stand, interessierte sich für japanische Drucke, die Ende des 19. japanische Nabi". Mit seinem Freund Edouard Vuillard entwickelte er auch ein neues Interesse an den Szenen intimer häuslicher Innenräume, einem Genre, das als "Intimismus" bekannt wurde und das die Pariser Welt in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg prägte. 1910 entdeckte Pierre Bonnard Südfrankreich und begann damit, leuchtende Landschaften zu malen. In den letzten zwanzig Jahren seiner künstlerischen Laufbahn malte er weiter, in allen Sujets und in allen ihm sympathischen Techniken, schuf dekorative Gemälde, aber auch zahlreiche Skizzen und Zeichnungen, lithographische Arbeiten in Farbe oder in Schwarz-Weiß, Plakate, Illustrationen für Bücher und Zeitschriften, die die moderne Kunst beeinflusst haben. Die hier vorgestellte Aquatinta ist Teil einer großen Inszenierung aus den 1920er Jahren zu diesem Sujet, der „Frau mit Hund“, das in vielen Variationen angeboten wird. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Weibliches Gesicht 2001

Ölgemälde auf Leinwand. Rückseitig datiert und signiert. Der in Seregno geborene Danilo Martinis wurde bei Osvaldo Minotti ausgebildet. Als Maler und Designer hat er prestigeträchtige Residenzen auf der ganzen Welt eingerichtet, seine Werke werden besonders in den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Russland geschätzt. Er liebt es, seine Gedanken durch grafisch-figurative Bilder auszudrücken, die durch geometrische Effekte und chromatische Spiele wiedergegeben werden, wobei er hauptsächlich weibliche Figuren als Interpreten verwendet. In dieser Arbeit schlägt er eine Nahaufnahme eines weiblichen Gesichts vor, das seine Ausdruckskraft durch das Farbspiel in den Bereichen Gelb verstärkt.

Frankreich Ende des 19. Jahrhunderts Anfang des 20. Jahrhunderts

Bronzestatue, die eine weibliche Figur mit einem Blumenstrauß darstellt. Die Statue ruht auf einem runden Sockel aus vergoldeter und gemeißelter Bronze mit Pflanzenmotiven und wird von drei Füßen mit Blattvoluten getragen. Die Skulptur trägt die Signatur der Incussa-Manufaktur „Moreau“.

Augen 1995

Ölgemälde auf Leinwand. Rückseitig datiert und signiert. Der in Seregno geborene Danilo Martinis wurde bei Osvaldo Minotti ausgebildet. Als Maler und Designer hat er prestigeträchtige Residenzen auf der ganzen Welt eingerichtet, seine Werke werden besonders in den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Russland geschätzt. Er liebt es, seine Gedanken durch grafisch-figurative Bilder auszudrücken, die durch geometrische Effekte und chromatische Spiele wiedergegeben werden, wobei er hauptsächlich weibliche Figuren als Interpreten verwendet. In dieser Arbeit schlägt er eine sehr Nahaufnahme eines weiblichen Gesichts vor, insbesondere um die Augen zu umrahmen.

Vor einer Stunde 2000

Öl auf dem Tisch. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Galleria Marescalchi in Bologna mit dem Titel, dem Datum, den technischen Daten des Werkes und der Katalognummer (Kat. 91). Der in Viareggio geborene Alessandro Tofanelli absolvierte zunächst das Kunstinstitut Lucca und zog dann von 1977 bis 1980 nach Mailand, um die Brera Academy in Mailand zu besuchen, wo er in diesen Jahren als Illustrator für mehrere von Rizzoli und Mondadori herausgegebene Zeitschriften arbeitete. Es begann sich sofort zu etablieren und gewann nationale Preise; seine bildnerischen Werke werden in bedeutenden italienischen und ausländischen Kunstgalerien ausgestellt und sind Teil bedeutender privater und öffentlicher, nationaler und internationaler Sammlungen. Tofanelli hat seine bildnerische Tätigkeit immer als professioneller Fotograf und Videodokumentarist kombiniert. Zahlreiche seiner Videoarbeiten, die von den RAI-Netzwerken ausgestrahlt werden, sowie seine fotografischen Dienste wurden in Fachzeitschriften veröffentlicht. In all seinen künstlerischen Formen drückt Tofanelli die starke Verbundenheit mit der Natur aus: Eingebettet in sie, eine freundliche Natur, lebt er sie, atmet sie, macht sie zu seinem, interpretiert sie, gibt ihr eine Stimme und malt sie, verwandelt sie in Poesie und stellt sie dar eine Welt, die imaginär erscheint, aber eher eine Welt ist, die war, eine Welt für sich, eine an Träume grenzende Realität, ein Eden, in dem das Leben einfach und vom langsamen Rhythmus der täglichen Gesten geprägt ist und sich in Gegenständen des Alltags identifiziert Leben, in dem die Anwesenheit des Menschen wahrgenommen werden kann, der sein Leben und seine Geschichte erzählt, ohne ihn jemals darzustellen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Schiefer. Auf eine dicke Schieferplatte gemalt, stellt die Szene den dramatischen Moment dar, in dem Maria, umgeben von einer Gruppe frommer Frauen, über den vom Kreuz abgenommenen Leichnam ihres Sohnes weint: Sie gibt sich dramatisch in den Armen der beiden Frauen hin hinter ihr, während an ihrem Schoß der leblose Körper des Sohnes ruht, an dessen Hand eine dritte Frau weint; oben nimmt eine Gruppe von Engeln, die aus dem offenen Himmel herausblicken, aus dem das göttliche Licht entspringt, an der Klage teil. Maria ist die einzige Figur, die bunte Kleidung trägt, die sich von der Wachsfarbe des auf ihrem Schoß ruhenden Leibes Christi abhebt, während die anderen Frauen Kleidung in matten Farben tragen, ebenso neutral sind die Körper der kleinen Engel. Die Figuren sind auf einem dunklen Hintergrund platziert, in dem die Öffnung des Grabes kaum zu erkennen ist: Die Farbwirkung wird auch durch den verwendeten Bildträger, den Schiefer, ein Stein, der auch als "Tafel" bekannt ist, am stärksten wiedergegeben Bedeutende Schieferbrüche befinden sich in der Nähe der Stadt Lavagna in Ligurien. Die Bildmodalität erinnert an die Werke des als Flamen bekannten Pietro Mera, eines ursprünglich aus Brüssel stammenden Malers, der zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert lebte: lange Zeit in Venedig tätig, von 1570 bis 1603 im Dienst des Kardinals d'Este tätig, Mera verwendete Schiefer in großem Umfang als Bildträger für einige seiner Werke. Das Material mit seiner charakteristischen dunklen Farbe ermöglichte es dem Künstler, intensive Lichtkontraste zu schaffen und die Figuren hervorzuheben, die mit einer hellen Farbpalette dargestellt und von brillanten Lichtakzenten beleuchtet werden. In gutem Zustand wird das Gemälde in einem antiken Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Garbe

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert G. Zocchi. Es handelt sich vermutlich um ein Spätwerk des Florentiner Malers Guglielmo Zocchi, der vor allem für seine lebendigen Genreszenen griechisch-römischer Vertonung bekannt ist und ihm vor allem im Ausland große Erfolge einbrachte. Landschaftsproduktion ist selten. Das Gemälde präsentiert sich in einem zeitgenössischen Rahmen mit Mängeln.

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

Farblithografie auf Velinpapier. Der Titel unten links. Auf dem Passepartout der Name und der Schriftzug "Originallithographie". Es ist Planche Nr. 10 der Serie „Amour“, die 1899 von dem französischen Künstler geschaffen wurde und von den Liebesgedichten inspiriert ist, die Denis für seine zukünftige Frau Marthe Meurier schrieb. Einige Repliken der ersten Serie wurden hergestellt, darunter die auf Seidenpapier von 1911. Maurice Denis, französischer Maler, wurde künstlerisch geformt im Zusammenhang mit der Geburt der symbolistischen Bewegung, die ihn stark beeinflusste und sich durch seine Einfachheit und seine durchsetzte Philosophie einer Kunst, die eine Synthese zwischen der Außenwelt und der Spiritualität des Künstlers war. In seinen frühesten Werken war der Bildstil naturalistisch und neoimpressionistisch, tendierte jedoch im Laufe der Zeit zu einem reinen Dekorativismus, der durch Flächen mit flächigen Farben und klaren Umrissen gekennzeichnet war. 1888 gründete Maurice Denis an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Pierre Bonnard und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. An den Nabis-Treffen, die meist in der Redaktion der Zeitschrift „Revue Blanche“ oder an der Ranson Academy stattfanden, schätzte Denis besonders das mystische Klima, den esoterischen Jargon und den Spitznamen, den jeder Maler von der Gruppe erhielt: Denis hieß „the Nabi bei den schönen Bildern". Als "Nabi" malte Maurice Denis intime, rätselhafte Bilder und die Themen seiner Malerei, religiöser Natur oder Situationen des täglichen Lebens, wurden in eine ideale und unwirkliche Dimension gebracht, in einer Atmosphäre von warmer und gelassener Intimität, die mit einem extrem erreicht wurde heikles Merkmal. Eine Konstante in seinem Leben war das Bekenntnis zum katholischen Glauben, das für ihn immer eine vorrangige Rolle spielte. Er erhielt zahlreiche Aufträge für die Dekoration von Kirchen und dies veranlasste ihn, zur großen Tradition der Wandmalerei zurückzukehren, indem er feierliche Fresken von monumentaler Struktur aufführte, die von einem literarischen Katholizismus inspiriert waren. Der religiöse Eifer veranlasste Maurice Denis, 1919 die Ateliers d'Art Sacré zu gründen und viel Zeit dem Gebet zu widmen, so sehr, dass er Tertiär von San Domenico wurde, ohne ihn von der Welt zu isolieren, für die er sich engagierte im damaligen gesellschaftlichen Leben. Neben seiner umfangreichen Produktion als Maler war Denis ein großartiger Zeichner und Illustrator. Bis zu seinem Tod malte Maurice Denis weiterhin in einer modernen Interpretation der großen antiken Malerei, unterstützt von seiner starken künstlerischen Ader, die ständig von seinen Reisen angeheizt wurde, viele davon in Italien, die ihn in direkten Kontakt mit den Präraffaeliten brachten und die Neoklassik.

Gouache auf Papier. Neapolitanische Schule des neunzehnten Jahrhunderts. Auf der Rückseite unten Etikett mit dem Titel. Die Gouache ist Teil der typischen Grand-Tour-Produktion, die den Golf von Neapel und die Ansichten des Vesuvs zu wiederkehrenden und privilegierten Sujets der Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts machte. Die rosa Töne des Himmels, die sich auf dem rauchenden Vulkan spiegeln, und das Blau des Himmels und des Meeres schaffen eine typisch romantische Atmosphäre. Die Szene wird durch zahlreiche Figuren von Bürgern und Fischerbooten belebt. Das Werk wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Gouache auf Papier. Neapolitanische Schule des neunzehnten Jahrhunderts. Auf der Rückseite unten Etikett mit dem Titel. Die Gouache ist Teil der typischen Grand-Tour-Produktion, die den Golf von Neapel und die Ansichten des Vesuvs zu wiederkehrenden und privilegierten Sujets der Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts machte. Die rosa Töne des Himmels, die sich auf dem rauchenden Vulkan spiegeln, und das Blau des Himmels und des Meeres schaffen eine typisch romantische Atmosphäre. Die Szene wird durch zahlreiche Figuren von Bürgern und Fischerbooten belebt. Das Werk wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des neunzehnten Jahrhunderts. Das Gemälde ist ein typisches Beispiel der Grand Tour-Malerei und bietet einen Blick auf den Golf von Neapel, der von zahlreichen Booten belebt wird, von denen im Vordergrund eines von Fischern zu sehen ist, die am Strand landen, wo ihre Frauen und Kinder auf sie warten. Im Hintergrund steht der rauchende Vesuv. Die Szene ist lebendig wegen der Vitalität, die sie ausdrückt, und wegen der Farben, obwohl die Rosatöne des Himmels und des Vesuvs an die romantische Note der damaligen Malerei erinnern. Die Leinwand hat kleine Farbtropfen. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule der Mitte des 18. Jahrhunderts. Das Gemälde schlägt den griechischen Mythos der Opferung von Iphigenie vor, der Tochter von König Agamemnon, dem Anführer der achäischen Expedition, die nach Troja aufbrechen sollte. Da die griechische Flotte wegen ungünstiger Winde nicht in See stechen konnte, prophezeite der Wahrsager Calcante, dass sie sich aufgrund eines Vergehens, das der König der Göttin Artemis zugefügt hatte, nun gegen ihre Abreise wehren würde, bis der König seine kleine Tochter nicht opferte auf dem Altar. Iphigenie nahm mutig das Opfer an und bestieg spontan den Altar, aber im letzten Moment tauschte Artemis sie aus Mitleid gegen ein Reh und nahm das Mädchen lebend mit nach Tauris, wo sie eine Priesterin der Göttin wurde, die sie gerettet hatte. Die große Szene außerhalb des griechischen Lagers am Meer (im Hintergrund links die verankerten Schiffe, rechts die Zelte) sieht in der Mitte die Göttin Artemis, die die junge und schöne Iphigenie gegen das Kitz tauscht, während die Priester Calcante hält bereits das Opfermesser; rechts die Verzweiflung von König Agamemnon und seiner Frau Klytämnestra. Das Gemälde steht in stilistischer Hinsicht in der Nähe des Schaffens von Fedele Fischetti (1732-1792), dem neapolitanischen Künstler, der sich vor allem in seinen ersten Werken ab den 1860er Jahren hauptsächlich allegorisch-mythologischen Szenen widmete. Das hier präsentierte Werk wurde im April 1998 bei Sotheby's versteigert. Restauriert und unterfüttert präsentiert es sich in einem stilvollen Rahmen.