Öl auf Leinwand Italien 1903 - La Thuile 1903

Frauenportrait 1950

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert (1-5-1950). Geboren in Bologna, aber künstlerisch an der Brera-Akademie in Mailand ausgebildet, studierte er Anfang des 20. Jahrhunderts in Paris, wo er die Malerei der großen Meister der Vergangenheit bewundern und mit großem Interesse die neuen Bildtrends verfolgen kann, die im Klima der allgemeine Erneuerung, die das neue Jahrhundert brachte. Tatsächlich finden sich in seinen Gemälden der ersten Jahrzehnte des zwanzigsten Jahrhunderts Einflüsse von Themen wie Symbolik und Divisionismus, aber Mascarini lässt sich nicht von den neuen Strömungen gehen, die die Dekonstruktion der Form bejubeln, und bleibt in der Einschließung von sein Atelier, um die ihm am nächsten stehenden Zuneigungen und Blicke des Alltags zu malen. Seine Bildsprache greift den lombardischen Naturalismus des späten 19. Jahrhunderts auf, seine Malerei ist in eine nüchterne und ausgewogene Zeichnung eingefasst. Als Landschafts- und Porträtmaler schlägt er zarte und ruhige Szenarien vor, wie die Gletscher, die er beim Klettern in der Stille der hohen Berge malt, die er sehr liebt, und Porträts mit Gesichtern, die von sanften Pinselstrichen harmonisch umrahmt sind und intime Gefühle ausdrücken. Das hier vorgestellte Porträt einer Dame schlägt eine Figur vor, die, obwohl elegant in ihrem Abendoutfit, in ihrem Gesicht und ihrer Pose eher Gelassenheit, Ruhe, Intimität als Weltlichkeit ausdrückt. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Das blaue Coccoma, 1960

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Giovan Francesco, ein Mailänder Künstler, der von einem Kadettenzweig der Gonzaga-Adligen von Mantua abstammte, nahm als Zwanzigjähriger mit der Kavallerie von Savoyen am Zweiten Weltkrieg teil und nahm mit dem Geschwader „Fantasma“ an Patrouillenaktionen in der russischen Steppe teil . Die Monate, die er während des Krieges in engem Kontakt mit dem Pferd verbrachte, entfachten in ihm eine echte Leidenschaft für Pferde, die zum bevorzugten Thema zahlreicher Gemälde, Skulpturen und Gedichte wurde. Als autodidaktischer Künstler erklärte er „Die Natur ist mein wahrer Lehrer“ und widmete sich ihr treu nach Pferden hauptsächlich Landschaften und Stillleben, die er immer „en plein air“ darstellte. Vittorio Sgarbi schrieb über ihn: „Die Weisheit von Giovan Francesco Gonzaga liegt in der Gestaltung, die stark und entschieden ist … Die Bilder vibrieren vor Unruhe, im Zeichen des Kampfes des Menschen gegen sich selbst, in der Hölle einer Geschichte das scheint immer dasselbe Drama zu wiederholen.Aber wenn die vorbereitende Zeichnung bewundernswert ist, hat die Farbe dieses Künstlers eine Majestät und eine Sensibilität, die von einer musikalischen Wahrnehmung der Farbe herrührt, wo die Palette in plötzlichen Variationen und Rhythmen zum Ausdruck kommt ". Seine Werke erscheinen in verschiedenen Museen, darunter dem der Pinerolo-Kavallerie, dem Historischen Museum der Guardia di Finanza in Rom, dem Tel Aviv Museum, dem Art Museum of Los Angeles, in öffentlichen und privaten Sammlungen in Italien, Frankreich, Spanien, Luxemburg , Indonesien, China, Japan, Singapur und Amerika. In diesem Stillleben sind die Farben besonders hervorgehoben: Die drei Elemente - der blaue Coccoma, dh ein emaillierter Krug, eine angeschnittene Zitrone und ein Glas Milch - heben sich gut voneinander entfernt und in kontrastierenden Farben von den beiden Farbtönen ab Grün des Hintergrunds. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Paris Rue Norvins 1957

Öl auf Karton. Unten rechts Initialen des Künstlers (MVM) und Datum. Auf der Rückseite befinden sich Etikett und Stempel der Galleria Ponte Rosso in Mailand mit den Daten des Werkes (Autor, Titel, Datum). In seiner Heimatstadt Modena künstlerisch ausgebildet, machte Vellani Marchi 1924 nach seinem Debüt auf der Biennale in Venedig mit einigen Lithografien und Radierungen von Landschaftsmotiven seinen ersten Aufenthalt in Burano, wohin er später auch zurückkehren wird, um mit Guido Tallone und anderen zusammenzuleben. Künstler zu einem Verein namens "Schule von Buranella". Von diesem Moment an werden die Landschaften, die Figuren und die charakteristischen Ansichten der Insel, die der Maler sehr liebt, ein wiederkehrendes Thema in seinem Schaffen sein. Anschließend zog er dauerhaft nach Mailand, wo er sich der Welt des Verlagswesens näherte, indem er mit Zeitungen und Zeitschriften zusammenarbeitete und sich als Maler, Zeichner und Illustrator etablierte und an den wichtigsten Ausstellungen, nicht nur national, teilnahm. Nach dem Krieg arbeitete er auch mit dem Teatro alla Scala zusammen und schuf zahlreiche Sets. Zu seiner Inszenierung der 1950er-Jahre gehören auch einige Einblicke in Pariser Straßen, wie hier in einer kleinen Gasse im Montmartre-Viertel. Das Werk ist stilvoll gerahmt.

Bäume am Ufer des Sees

Öl auf Leinwand. rechts unten signiert. Auf der Rückseite befinden sich: Stempel der Galleria Annunziata in Mailand und Etikett der Teilnahme an der Ausstellung an derselben, weitere Ausstellungskartusche von 1951 in der Art Gallery the Skyscraper of Legnano, zwei weitere Stempel weiterer Kunstgalerien. Dem Gemälde liegt eine Authentifizierung auf Foto mit Stempel des allgemeinen Werkverzeichnisses von A. Del Bon und Katalognummer bei. Der in Mailand geborene und an der Brera Academy als Schüler von di Alciati ausgebildete Angelo Del Bon debütierte 1924 in Monza auf der Frauenporträtausstellung. 1926 nahm er an der zweiten italienischen Ausstellung des 20. Jahrhunderts teil, verließ jedoch sofort diese Bewegung und ihre Schwere und statische Natur, suchte eher nach einer größeren Leichtigkeit der Farbtöne und verlagerte das Interesse von der Form auf die Farbe, um zu einer im Wesentlichen chromatischen Definition zu gelangen des Bildes. , auch auf die Anregungen des Postimpressionismus. Ab 1930, dem Jahr seiner erneuten Präsenz auf der Biennale in Venedig, begann der Dialog mit der Natur und die klare Beschreibung der lombardischen Landschaft mit dem Ziel einer klareren und helleren Definition des umgebenden Raums. Ab 1932 erreichte er eine vollständige Nullung der Oberflächenwerte, führte große weiße Flecken ein und definierte seine eigene eigentümliche Technik, die darin bestand, eine gleichmäßige Schicht Zinkweiß auf die Leinwand aufzutragen und anschließend mit reinen Farbmischungen fortzufahren und zu kratzen die Zubereitung kommt von unten heraus. Del Bon erhält Werke von absoluter Klarheit und Helligkeit, akzentuiert durch die Verwendung von Pastellfarben, die seine Gemälde ab 1933 prägen. Er malte hauptsächlich lombardische Landschaften; ab 1941 begann er mit der Serie der Stillleben und Blumen. 1940 gründete er mit seinem Freund Grossetti die Galerie Annunciata, der Del Bon exklusiv seine gesamte Produktion übergab. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Stilleben 1948

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Giovan Francesco, ein Mailänder Künstler, der von einem Kadettenzweig der Gonzaga-Adligen von Mantua abstammte, nahm als Zwanzigjähriger mit der Kavallerie von Savoyen am Zweiten Weltkrieg teil und nahm mit dem Geschwader „Fantasma“ an Patrouillenaktionen in der russischen Steppe teil . Die Monate, die er während des Krieges in engem Kontakt mit dem Pferd verbrachte, entfachten in ihm eine echte Leidenschaft für Pferde, die zum bevorzugten Thema zahlreicher Gemälde, Skulpturen und Gedichte wurde. Als autodidaktischer Künstler erklärte er „Die Natur ist mein wahrer Lehrer“ und widmete sich ihr treu nach Pferden hauptsächlich Landschaften und Stillleben, die er immer „en plein air“ darstellte. Vittorio Sgarbi schrieb über ihn: „Die Weisheit von Giovan Francesco Gonzaga liegt in der Gestaltung, die stark und entschieden ist … Die Bilder vibrieren vor Unruhe, im Zeichen des Kampfes des Menschen gegen sich selbst, in der Hölle einer Geschichte das scheint immer dasselbe Drama zu wiederholen.Aber wenn die vorbereitende Zeichnung bewundernswert ist, hat die Farbe dieses Künstlers eine Majestät und eine Sensibilität, die von einer musikalischen Wahrnehmung der Farbe herrührt, wo die Palette in plötzlichen Variationen und Rhythmen zum Ausdruck kommt ". Seine Werke erscheinen in verschiedenen Museen, darunter dem der Pinerolo-Kavallerie, dem Historischen Museum der Guardia di Finanza in Rom, dem Tel Aviv Museum, dem Art Museum of Los Angeles, in öffentlichen und privaten Sammlungen in Italien, Frankreich, Spanien, Luxemburg , Indonesien, China, Japan, Singapur und Amerika. In diesem Stillleben erscheinen die Elemente eines Moments des Alltagslebens auf einem Tisch, dem eines Nachmittagstees: zwei silberne Teekannen, die Tasse mit dem Löffel und der Spitzenserviette, eine Untertasse mit Zitrone, die auf einigen Fotos ruht; an der roten hintergrundwand ein gerahmter druck. Die intensive Farbigkeit und die Ausdruckskraft der Elemente stechen hervor. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Piemontesische Landschaft

Öl auf dem Tisch. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite dieses Etikett der Galleria Bolzani in Mailand, mit dem Titel der Arbeit. 1889 von dem Maler Ugo Gheduzzi in Crespellano (BO) geboren, erlernte Giuseppe bei ihm zusammen mit seinen Brüdern Cesare, Mario und Augusto die Grundlagen der Kunst. Nach seinem Debüt in Vignola 1907 mit dem Gemälde Alpenlandschaft verfeinerte Giuseppe Gheduzzi seine Ausbildung in Turin an der Albertina-Akademie als Schüler von Andrea Marchisio und Paolo Gaidano. Er verlässt die Akademie und arbeitet mit seinem Vater an der Realisierung der Szenografien des Teatro Regio. Giuseppe ist ein begabter Landschaftsmaler: Er malt venezianische Ansichten und Panoramen, Ansichten der Seen und Täler des Piemont und der ligurischen Riviera. Aber anders als sein Bruder Cesare zeichnet er sich auch durch Interieurmalereien mit Figuren und orientalistischen Themen aus: Seine Genreszenen und Gemälde, die Interieurs von Handwerksläden, Antiquitätenhändlern und Ställen darstellen, werden von Publikum und Kritik besonders geschätzt. Während seines Lebens nahm Giuseppe an vielen Rezensionen des Förderers der Schönen Künste in Turin und am Circolo degli Artisti in Turin teil und machte mehrere persönliche Ausstellungen. Er starb am 21. Mai 1957 in Turin. Diese Ansicht der piemontesischen Landschaft ist ebenfalls Teil seiner umfangreichen Landschaftsproduktion, mit einer einsamen Figur, die den Weg entlang geht. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

S. Lucia Blumenmarkt

Öl auf dem Tisch. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite der Titel in Bleistift. Es ist ein lebendiger und intensiver Blick auf den Pallonetto di S. Lucia, die bekannte neapolitanische Terrassengasse, die zusammen mit denen von San Liborio und Santa Chiara die drei Pallonetti von Neapel bildet; Auffallend und eigenartig die Kontraste von Licht und Farben Oscar Ricciardi war ein produktiver neapolitanischer Maler, der von einigen als das Oberhaupt des neapolitanischen Impressionismus angesehen wurde; Als Hauptthemen malte er Marine, Strände, Einblicke, Landschaften und neapolitanische Bräuche und Traditionen seiner Stadt. In seinen Werken offenbaren der intensive Chromatismus, das Studium des Lebens, der Verzicht auf das Zeichnen und das klare und klare Licht, das die Szenen durchdringt, das Wissen des Impressionismus aufgrund der Anwesenheit von Giuseppe De Nittis in Neapel. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Gelbe Blumen in Vase mit Rahmen, 1947

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Komposition aus gelben Gänseblümchen in Vase, mit Fotorahmen dahinter. Noel Quintavalle, (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), in Ferrara geboren, aber in Mailand aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten durch die Herausgabe verschiedener Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) aus und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten lagen ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Seine Produktion floraler Motive geht auf die 1940er Jahre zurück, verbunden mit der Zeit, in der er das Bedürfnis nach Innerlichkeit wiedererlangte und sich den ästhetischen Konzepten der Kunst des "20. Jahrhunderts" annäherte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Mohnblumen in Vase 1948

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Komposition aus Mohnblumen in Vase, mit Keramik Jungfrau an der Rückwand. Noel Quintavalle (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), gebürtiger Ferrara, aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet in Mailand, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten durch die Herausgabe verschiedener Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) aus und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten waren ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Seine Produktion floraler Motive geht auf die 1940er Jahre zurück, verbunden mit der Zeit, in der er das Bedürfnis nach Innerlichkeit wiedererlangte und sich den ästhetischen Konzepten der Kunst des "20. Jahrhunderts" annäherte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Blumenvase 1949

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Komposition aus rosa Blumen in einer Vase, die sich im Rückspiegel widerspiegelt. Noel Quintavalle (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), in Ferrara geboren, aber in Mailand aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten durch die Herausgabe verschiedener Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) aus und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten waren ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Seine Produktion floraler Motive geht auf die 1940er Jahre zurück, verbunden mit der Zeit, in der er das Bedürfnis nach Innerlichkeit wiedererlangte und sich den ästhetischen Konzepten der Kunst des "20. Jahrhunderts" annäherte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Der Hafen von Livorno nach dem Krieg, 1947

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite dieser handschriftlichen Widmung des Autors und geschrieben vom Käufer, dem Malerkollegen Valsecchi, mit dem Titel und der Herkunftsregistrierung aus der "Ausstellung der toskanischen Maler" in der Lucas-Galerie. Cafiero Filippelli wurde in Livorno geboren und an der Akademie der Schönen Künste in Florenz künstlerisch ausgebildet, wo er mit Giovanni Fattori und dem Meister der Freiheitskunst Galileo Chini in Kontakt kam. Filippelli spezialisierte sich auf Innenräume mit künstlichem Licht, die eine intime Neigung verrieten, aber er wusste auch, wie er en plen air malen konnte: Seine Yachthäfen und Landschaften, die von hauptsächlich weiblichen Figuren wimmeln, zeigen eine ausgeprägte Neigung zum Porträtieren. Die präsentierte Arbeit bietet einen Blick auf den Hafen von Livorno, der von den beiden Frachtschiffen dominiert wird, deren Spiegelungen im Wasser darunter einen angenehmen und suggestiven Farbeffekt erzeugen. Im Rahmen.

Äthiopische Kunst, um 1935

Die Leinwand repräsentiert das tägliche Leben und seinen Fluss durch die Feldarbeit, ein zentrales Element des Überlebens. In der oberen Reihe sehen wir das erste Pflügen, gefolgt von einer zweiten Vorbereitung des Bodens nach dem Einsetzen des Regens. In der zweiten Reihe sehen wir die aus den Getreidespeichern gewonnenen Samen; sie werden in Säcken getragen und ausgesät, mit anschließender Hackenbedeckung; die Reihe schließt mit dem Keimen von Sämlingen. In der dritten Reihe wacht der Bauer über und schützt die Aussaat vor wilden Tieren; folgt die Szene der Ernte und des Dreschens, die mit der Ablage der Früchte der Arbeit im Kornspeicher endet. In der vierten Reihe bereitet eine Frau das Mehl zu und backt eine Focaccia; dann wäscht sie ihrem Mann die Füße und er erwidert, indem er ihr den ersten Bissen anbietet; die Szene endet mit der ganzen Familie im Bett. Es ist Teil einer Gruppe von sieben Werken, die Ende der 1930er Jahre nach Italien gelangten; sie wurden, wie wir aus der Korrespondenz und den Familienfotos rekonstruiert haben, direkt vor Ort vom Rechtsanwalt xxx, Großvater der Inhaber, der 1935 als gesetzlicher Vertreter einer italienischen Produktionsfirma nach Äthiopien entsandt wurde, gekauft und war von dort aus 1938 von General Graziani vertrieben , weil er Antifaschist betrachtet wurde. Die Leinwände verblieben in der Familiensammlung, im Familienpalast und werden nun in ihrer ganzen Ausdruckskraft neu angeboten. Äthiopien hat eine ganz besondere Geschichte: Zwischen Afrika und Asien sowie zwischen Mittelmeer und Indischem Ozean gelegen, war es ein Knotenpunkt und Treffpunkt verschiedener Kulturen, auch angeregt durch die ständigen und intensiven Handelsströme. Fünf Jahrhunderte v. Chr. wurde die Aksum-Dynastie gegründet; Unter dieser Herrschaft, im vierten Jahrhundert nach Christus, wurde das Christentum in seiner koptisch-orthodoxen Version als Staatsreligion etabliert. Die mittelalterlichen heiligen Texte sprechen aber auch von einer direkten Verwandtschaft mit einem der zehn jüdischen Stämme, die in Äthiopien Zuflucht suchten, von denen die königliche Linie durch die Königin von Saba abgeleitet wurde. Und tatsächlich lebt in Äthiopien noch heute die Falascià-Linie, schwarze Juden, deren erste historische Aufzeichnungen bis ins Jahr 600 n. Chr. zurückreichen. Äthiopien war daher ein jüdisch-christliches Bollwerk mit afrikanischen Einflüssen, aber fast als südlicher Rand der mediterranen Kultur zu betrachten.