Das Mönche-Mittagessen Öl auf Leinwand Italien XVIII Jhd - Das Fraticelli-Mittagessen

Öl auf Leinwand. Die Szene spielt sich in der Nähe eines Militärlagers ab: Vor einem Zelt auf der linken Seite nimmt ein Heerführer, wahrscheinlich ein Grieche, Opfergaben von einer Gruppe armer und zerlumpter Männer entgegen, die sich vor dem neuen Herrn niederwerfen; der erste hält ein paar Brote hin, ein anderer holt etwas aus einem Sack, der dritte zeigt die Wunden an seinem Körper und bittet um Gnade; Hinter ihnen nähern sich weitere Bettlerfiguren, die eine vereinzelte Linie auf dem Weg bilden und rechts in der Ferne verschwinden. Im Hintergrund links ist das geschäftige Leben im Militärlager zu sehen. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Das große Gemälde stellt als Thema ein bekanntes alttestamentarisches Thema dar, nämlich den Reichtum König Salomos, der im Ersten Buch der Könige beschrieben wird: „König Salomo übertraf daher an Reichtum und Weisheit alle Könige der Erde. In jedem.“ Teil der Erde, um sich Salomo zu nähern, um auf die Weisheit zu hören, die Gott in sein Herz gelegt hatte. Jeder brachte ihm jedes Jahr Opfergaben aus Silber und Gold, Kleidern, Waffen, Gewürzen, Pferden und Maultieren. Auf dem Gemälde hört der König, reich gekleidet mit königlichen Symbolen (Krone, Zepter, Hermelinmantel), im Stehen den Postulanten zu, die zu ihm kommen, um den von seiner sprichwörtlichen Weisheit diktierten Rat zu erhalten, und im Gegenzug bringen sie ihn Opfergaben, die ihrer gesellschaftlichen Rolle angemessen sind: Einige Bauern bringen Säcke voller Getreide als Geschenke, die Früchte ihrer Arbeit auf den Feldern, ein anderer hebt einen Becher in die Höhe, um die Aufmerksamkeit des Königs zu erregen. Die Farben und der Bildstil des Gemäldes beziehen sich auf die norditalienische, insbesondere venezianische Produktion. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Anhänger von Peter Paul Rubens

Öl auf Leinwand. Das Gemälde geht auf das Werk von Rubens (1577–1640) zurück, das im Prado-Museum in Madrid aufbewahrt wird und in einem Stich von Paulus Pontius (1603–1658) reproduziert wurde, wie es auch in dieser Version erscheint. Die Figur Mariens nimmt die vertikale Mitte der Szene ein, deren Gesicht von dem von Isabel Brandt inspiriert wurde, der ersten Frau des flämischen Malers, die 1626 im Alter von nur 35 Jahren starb. Die Madonna hält das Jesuskind in ihren Armen, das ihr zärtlich, aber ernst in die Augen blickt, während eine kleine Hand auf die nackte Brust seiner Mutter gelegt wird, von der es gerade Nahrung erhalten hat; Hinten, stehend, umarmt die heilige Anna die Schultern ihrer Tochter und ihres Enkels in einer zärtlichen und beschützenden Umarmung und lächelt selbstgefällig: Auf der linken Seite, ein wenig getrennt und im Dunkeln, schaut Joseph nachdenklich und besorgt zu: die einzige menschliche Figur, die das nicht tut Treten Sie ein in das Licht, das vom Gesicht des Kindes ausgeht und auf das Gesicht Mariens und durch Reflexion auch auf das Gesicht der Heiligen Anna strahlt. Im Vergleich zum Werk des Meisters wird die Zusammensetzung der Figuren respektiert, einige Details weichen jedoch ab, insbesondere in der Kleidung der Heiligen Anna, Mariens und in der Drapierung, die die Hüften des Kindes umgibt, was die Hypothese stützt, dass es sich um ein Werk handelt ein Anhänger des flämischen Meisters. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde ist in gutem Zustand und weist lediglich einen Farbkratzer oben in der Mitte auf.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die ungewöhnliche und besondere Darstellung zeigt auf der linken Seite die drei Figuren der Heiligen Familie, wobei Jesus bereits ein Kind ist, am Tisch sitzt und das einfache Mahl segnet, das sie gerade zu sich nehmen werden (bestehend aus Obst und Brot); Die Szene, ein Thema, das eher selten dargestellt wird und im Allgemeinen aufgrund der Anwesenheit von Engeln, die der Familie Essen servieren, einen eher heiligen Charakter hat, hat hier stattdessen den Beigeschmack einer ganz normalen und einfachen häuslichen Intimität. Stattdessen sticht alles rund um die Heilige Familie majestätisch hervor, der Blick auf eine Renaissance-Stadt mit hohen Gebäuden mit Loggien und Kolonnaden, dargestellt in einem wunderschönen perspektivischen Effekt, der unten rechts zu den Eingangsmauern eines reichen Gebäudes führt Stadt mit Türmen, wahrscheinlich Jerusalem. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

D. Lupini Attr.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde stellt eine Episode der römischen Mythologie dar und bezieht sich auf die junge römische Heldin Clelia, die zusammen mit anderen Mädchen während der Friedensverhandlungen mit der Stadt dem etruskischen König Porsenna als Geisel gegeben wurde; Clelia gelang jedoch die Flucht, indem sie über den Tiber schwamm. Porsenna forderte ihre Rückgabe an die Römer, die ihr zustimmten, aber bewundert von ihrem Heldentum, beschloss er, sie zu befreien und erlaubte ihr, andere Gefangene mitzubringen, die Clelia unter den Jüngsten auswählte. Der im Gemälde dargestellte Moment ist genau der der Überquerung des Flusses, dessen Personifikation rechts im Vordergrund in der Figur des grauhaarigen alten Mannes zu sehen ist, begleitet von einer jungen Frau mit dem Füllhorn. Die Szene ist sehr dynamisch, wobei Clelia und die anderen Mädchen eine große und lebhafte Gruppe um das Pferd bilden, auf dem die Protagonistin reitet, wie einige Versionen der Geschichte erinnern; dahinter die Zelte des Lagers des etruskischen Königs mit einigen Soldaten. Auf der anderen Seite des Flusses befindet sich eine weitere Gruppe von Frauen, die die Überfahrt bereits geschafft haben, während im Hintergrund die klassisch anmutende kapitolinische Stadt zu sehen ist. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle bezeugt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis aber zwischen Bergamo und Venedig vermutet werden kann. Die einzigen beiden signierten Werke sind eine „Bekehrte Magdalena“ und eine „Verkündigung“, aber auch andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Das Gemälde weist eine warme und raffinierte Chromatik auf, die zusammen mit der Eleganz der Figuren und der Kompositionsmethode für Lucini an einen venezianischen Aufenthalt denken lässt, der an die Atmosphären von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Das Gemälde weist Restaurierungs- und Unterfütterungsspuren auf.

D. Lupini Attr.

Öl auf Leinwand. Das Modell geht auf einen Stich von Marcantonio Raimondi zurück, der auf einer Zeichnung von Raffael basiert, die speziell für das grafische Werk angefertigt wurde, und basiert auf einem Gemälde in der Stanza della Segnatura (1513-1515) in den Vatikanischen Museen. Dieses Vorbild wurde später sowohl in gemalten Werken als auch in anderen Stichen aufgegriffen und variiert, insbesondere in dem von Raphael Sadeler aus dem Jahr 1589, der sich derzeit im Kabinett für Zeichnungen und Drucke der Accademia Carrara in Bergamo befindet: Das hier vorgeschlagene Gemälde zeigt tatsächlich die Dieselben Änderungen im Vergleich zum Raphaelesque-Original. Im Zentrum der mythologischen Szene, eingebettet in eine natürliche Landschaft, stehen die drei Göttinnen, die um den Titel der Schönsten wetteiferten: Juno mit dem Pfau, ihrem symbolischen Tier, Venus in Begleitung von Amor und Minerva, neben der der Helm steht. der Speer und der Schild. Paris überreicht der Göttin der Liebe von hinten den goldenen Apfel, der den Sieger verkündet, unter den Augen des Richters Merkur. Zwei Putten flattern um die Protagonisten herum, während im Vordergrund, stets von hinten, eine männliche Figur zu sehen ist. Auf der Wiese dahinter findet ein Landinternat statt. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle bezeugt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis aber zwischen Bergamo und Venedig vermutet werden kann. Die einzigen beiden signierten Werke sind eine „Bekehrte Magdalena“ und eine „Verkündigung“, aber auch andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Das Gemälde weist eine warme und raffinierte Chromatik auf, die zusammen mit der Eleganz der Figuren und der Kompositionsmethode für Lucini an einen venezianischen Aufenthalt denken lässt, der an die Atmosphären von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Das Gemälde weist Restaurierungs- und Unterfütterungsspuren auf.

Tempera auf Holz mit weiblicher Halbfigur; Sie trägt ein rotes Kleid über einer hellen Tunika, während ein grünes Tuch auf ihrer rechten Schulter ruht. Das rote Haar ist in einem Mittelscheitel gerafft und teilweise von einem weißen Kopfschmuck verdeckt; das volle gesicht hat einen versunkenen ausdruck: der nachdenkliche blick, die hochgezogenen augenbrauen und die leicht gerunzelten lippen. Präsentiert in einem Rahmen, der aus Teilen eines antiken Rahmens größerer Größe besteht.

Ölgemälde auf Leinwand. Emilianische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Hierbei handelt es sich um eine antike Kopie des berühmten Tafelgemäldes von Correggio mit dem Titel „Die Madonna von San Girolamo oder Il Giorno“, das aus der Zeit um 1528 stammt und heute in der Nationalgalerie von Parma aufbewahrt wird. Gegenstand der Darstellung ist die Präsentation des Heiligen Hieronymus vor Jesus über die Übersetzung der Bibel aus dem Hebräischen ins Volkslatein, ein Werk, das der Heilige im Auftrag von Papst Damasus durchführte und das er vollbrachte, indem er sich in der Einsamkeit in der Höhle von Bethlehem einschloss . Im Mittelpunkt des Gemäldes steht die sitzende Maria mit dem Jesuskind im Arm, um die sich im Halbkreis verschiedene Figuren gruppieren. Auf der linken Seite steht die mächtige Gestalt des alten Hieronymus, der das Kind anschaut, während er die Übersetzungsrolle in der Hand hält, während der Löwe, sein Einsiedlergefährte, zu seinen Füßen kauert. Auf der gleichen Seite hält ein Engel die Bibel und spricht lächelnd die Madonna mit Kind an. Auf der anderen Seite liegt Magdalena halb zurückgelehnt und umarmt liebevoll den Fuß des Babys, das wiederum ihr Haar streichelt, in einer intimen Geste, die die intensive Bindung zwischen den beiden Figuren unterstreicht. Hinter Magdalena rümpft ein kleiner Engel die Nase und schnüffelt am Salbglas des büßenden Heiligen. Die Szene befindet sich unter einem roten Vorhang, der den Blick auf eine große Landschaft freigibt. Correggios Gemälde war ein großer Erfolg, so dass zahlreiche Kopien und antike Nachbildungen existieren, darunter auch dieses hier vorgestellte. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Eine Komposition aus bunten Blumen in hellen Farbtönen steht in einer Vase, die wie der Hintergrund schwarz ist, auf einem Marmorsockel, von dem nur der Sockel zu unterscheiden ist, da er mit einem ebenfalls schwarzen Stoff überzogen ist, von dem nur der Sockel schwarz ist Die goldenen Verzierungen stechen hervor und sind bereit, ein Spiel mit Kurven zu schaffen. Auf beiden Seiten der Oberseite ruhen zwei Vögel, links eine große Taube, die im Schnabel einen aus der Komposition gestohlenen Zweig hält, und rechts ein Rotkopfspecht. Am linken Rand öffnet sich eine Landschaft mit einem hohen, gebogenen Baum unter einem dunklen Himmel und einer Stadt im Hintergrund. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Kupfer. Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Das Gemälde, das mündlich Frans Francken dem Jüngeren (1581–1642) zugeschrieben wird, zeigt eine von Jesus vollbrachte wundersame Heilung: Während er mit seinen Jüngern geht, trifft er auf seinem Weg auf einen kranken Mann, der wahrscheinlich an Lepra leidet, einer Krankheit, die damit verbunden ist Isolation und Vertreibung aus der Stadt; Der Mann ruft Christus an, der das Wunder vollbringt und ihn heilt. Das Gemälde platziert das Ereignis am linken Rand der Szene im Vordergrund, wo die im typischen Stil der Zeit Christi gekleideten Figuren durch ihre leuchtenden Farben hervorstechen; Darüber hinaus ist die Landschaft, die den Rest der Szene ausfüllt, eindeutig nordisch, mit einem Fluss voller Wasser, der in einer Landschaft voller Vegetation fließt, und einer Stadt im Hintergrund unter Berggipfeln. Die bildliche Beschreibung der Vegetation ist akribisch und präzise, ​​reichhaltig und detailliert im Detail: der gebrochene Stamm im Vordergrund, die Wedel des großen Baumes hinter den Figuren, die hoch am Himmel fliegenden Vögel, die kleinen Blumen am Ufer Die Nuancen des Wassers, in dem sich Pflanzen und Wolken spiegeln, sind mit einer für die flämische Malerei typischen malerischen Raffinesse gemalt, die im Stil dem des großen Antwerpener Künstlers ähnelt. Das Gemälde wird in einem umfunktionierten antiken Rahmen präsentiert.

Kopie von Guido Reni

Ölgemälde auf Leinwand. Das Werk ist eine der zahlreichen Nachbildungen des berühmten Bologneser Malers Guido Reni (1574–1642) und seiner Werkstatt mit einigen Variationen. Die Komposition, in der die betende Jungfrau das schlafende Kind anbetet, gilt als eine Erfindung der brillanten Ader Renis, die nach dem großen Erfolg unter den damaligen Sammlern dann von anderen Autoren des 17. Jahrhunderts aufgegriffen wurde , unter denen der Name Giovan Battista Salvi, bekannt als „Il Sassoferrato“, hervorsticht. Die beiden berühmtesten Varianten dieser faszinierenden Szene zeigen die Jungfrau mit zum Gebet gefalteten Händen, die von Salvi übernommen wurde, oder die mit den Händen auf der Brust, wie diese, typischerweise von Reni. Andere Variationen betreffen die Position des Kopfes des schlafenden Christkindes, der wie in dieser Version nach oben gedreht und nicht zur Seite geneigt ist; Endlich ändern sich die Hintergrundstoffe. Doch auch in dieser Nachbildung sticht die Intensität der Szene hervor: Sie wird quer durch den ruhenden Körper des Kindes eingenommen, wo die göttliche Natur der menschlichen im Schlaf unterworfen ist; darüber, in einer schützenden und zugleich kontemplativen Geste geneigt, der Körper Mariens, der die ganze mütterliche Zärtlichkeit, aber auch in der Geste der Hände die Anbetung des fleischgewordenen Geheimnisses zum Ausdruck bringt, das der kleine Sohn darstellt. Die lebhaften Farben der Stoffe – das Kissen, auf dem Jesus liegt, der Vorhang dahinter, die Kleidung der Mutter – bringen die Helligkeit der Fleischtöne zur Geltung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.