G. Gheduzzi Öl auf dem Tisch Italien XX Jhd - Piemontesische Landschaft

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite befinden sich weitere Schrift in kyrillischen Schriftzeichen und ein Etikett. Wunderschönes Werk des russischen Künstlers, der die kompositorische Modalität des Trompe l'oeil des '600 und' 700 aufgreift und in eine russische ländliche Umgebung einfügt. Es stellt eine Ecke der Wand mit einem Blumenmuster Wandteppich bedeckt, auf das ein Regal mit einem gestickten Platzdeckchen abgedeckt angebracht ist, auf dem Rest ein Bündel von Ohren, Metall Urnen, Puppen in Trachten und mehr Gläsern, Körben, Reisig , Kerzenstummel; über dem Regal ein Bilderrahmen. Das Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

La femme au chien, 1924

Farbige Aquatinta. Unten links und rechts mit Bleistift signiert; Seriennummer 160/200 unten links. Pierre Bonnard, französischer Maler, Grafiker und Fotograf, begann während seines Jurastudiums in Paris zu malen, gab aber bald die Kunst der Forensik auf, um sich nur noch der Malerei zu widmen. 1888 gründete Pierre Bonnard an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Maurice Denis und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. 1891 schuf Pierre Bonnard sein erstes Etikett für eine Weinfirma, einige Lithografien für „La Revue Blanche“ (wo sich die Nabis trafen) und entwarf auch Möbel und Dekorationsprojekte für Bildschirme mit Toulouse-Lautrec mit der dekorativen Qualität seiner Gemälde und seiner Person Verwendung von Farbe. 1892 stellte er einige seiner dekorativen Tafeln im Salon des Indépendants aus und begann, Kunstkritiker zu interessieren. Nach und nach verabschiedete sich der Maler von den akademischen Grautönen und erlebte begeistert die Begegnung der Kunst mit der Welt der bunten Alltäglichkeiten. Seine Arbeiten, die bald an den schillernden Farben, den hellen Linien und der offenen Perspektive erkennbar sind, wurden weithin geschätzt. 1896 veranstaltete er seine erste Einzelausstellung und sein Ruhm verbreitete sich mit Ausstellungen in Schweden und Norwegen nach Europa. Bonnard, der unter dem Einfluss der Strömung des Jugendstils stand, interessierte sich für japanische Drucke, die Ende des 19. japanische Nabi". Mit seinem Freund Edouard Vuillard entwickelte er auch ein neues Interesse an den Szenen intimer häuslicher Innenräume, einem Genre, das als "Intimismus" bekannt wurde und das die Pariser Welt in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg prägte. 1910 entdeckte Pierre Bonnard Südfrankreich und begann damit, leuchtende Landschaften zu malen. In den letzten zwanzig Jahren seiner künstlerischen Laufbahn malte er weiter, in allen Sujets und in allen ihm sympathischen Techniken, schuf dekorative Gemälde, aber auch zahlreiche Skizzen und Zeichnungen, lithographische Arbeiten in Farbe oder in Schwarz-Weiß, Plakate, Illustrationen für Bücher und Zeitschriften, die die moderne Kunst beeinflusst haben. Die hier vorgestellte Aquatinta ist Teil einer großen Inszenierung aus den 1920er Jahren zu diesem Sujet, der „Frau mit Hund“, das in vielen Variationen angeboten wird. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

Farblithografie auf Velinpapier. Der Titel unten links. Auf dem Passepartout der Name und der Schriftzug "Originallithographie". Es ist Planche Nr. 10 der Serie „Amour“, die 1899 von dem französischen Künstler geschaffen wurde und von den Liebesgedichten inspiriert ist, die Denis für seine zukünftige Frau Marthe Meurier schrieb. Einige Repliken der ersten Serie wurden hergestellt, darunter die auf Seidenpapier von 1911. Maurice Denis, französischer Maler, wurde künstlerisch geformt im Zusammenhang mit der Geburt der symbolistischen Bewegung, die ihn stark beeinflusste und sich durch seine Einfachheit und seine durchsetzte Philosophie einer Kunst, die eine Synthese zwischen der Außenwelt und der Spiritualität des Künstlers war. In seinen frühesten Werken war der Bildstil naturalistisch und neoimpressionistisch, tendierte jedoch im Laufe der Zeit zu einem reinen Dekorativismus, der durch Flächen mit flächigen Farben und klaren Umrissen gekennzeichnet war. 1888 gründete Maurice Denis an der Julianischen Akademie in Paris mit Paul Sérusier, Pierre Bonnard und Paul Ranson die Malergruppe Nabis (Propheten), eine Gruppe, die sich in ihren ästhetischen Idealen auf die Werke und Poetik von Paul Gauguin stützte. für die Überwindung des impressionistischen Naturalismus durch eine Rückbesinnung auf primitive und japanische Kunst. An den Nabis-Treffen, die meist in der Redaktion der Zeitschrift „Revue Blanche“ oder an der Ranson Academy stattfanden, schätzte Denis besonders das mystische Klima, den esoterischen Jargon und den Spitznamen, den jeder Maler von der Gruppe erhielt: Denis hieß „the Nabi bei den schönen Bildern". Als "Nabi" malte Maurice Denis intime, rätselhafte Bilder und die Themen seiner Malerei, religiöser Natur oder Situationen des täglichen Lebens, wurden in eine ideale und unwirkliche Dimension gebracht, in einer Atmosphäre von warmer und gelassener Intimität, die mit einem extrem erreicht wurde heikles Merkmal. Eine Konstante in seinem Leben war das Bekenntnis zum katholischen Glauben, das für ihn immer eine vorrangige Rolle spielte. Er erhielt zahlreiche Aufträge für die Dekoration von Kirchen und dies veranlasste ihn, zur großen Tradition der Wandmalerei zurückzukehren, indem er feierliche Fresken von monumentaler Struktur aufführte, die von einem literarischen Katholizismus inspiriert waren. Der religiöse Eifer veranlasste Maurice Denis, 1919 die Ateliers d'Art Sacré zu gründen und viel Zeit dem Gebet zu widmen, so sehr, dass er Tertiär von San Domenico wurde, ohne ihn von der Welt zu isolieren, für die er sich engagierte im damaligen gesellschaftlichen Leben. Neben seiner umfangreichen Produktion als Maler war Denis ein großartiger Zeichner und Illustrator. Bis zu seinem Tod malte Maurice Denis weiterhin in einer modernen Interpretation der großen antiken Malerei, unterstützt von seiner starken künstlerischen Ader, die ständig von seinen Reisen angeheizt wurde, viele davon in Italien, die ihn in direkten Kontakt mit den Präraffaeliten brachten und die Neoklassik.

La Loi Divine 1927

Tusche auf Papier. Unterschrift, Datum und Titel unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel 1930

Tusche auf Papier. Unterschrift und Datum unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Le Prophète 1927

Tusche auf Papier. Unterschrift, Datum und Titel unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Tusche auf Papier. Unterschrift, Datum und Titel unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Frauenportrait 1950

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert (1-5-1950). Geboren in Bologna, aber künstlerisch an der Brera-Akademie in Mailand ausgebildet, studierte er Anfang des 20. Jahrhunderts in Paris, wo er die Malerei der großen Meister der Vergangenheit bewundern und mit großem Interesse die neuen Bildtrends verfolgen kann, die im Klima der allgemeine Erneuerung, die das neue Jahrhundert brachte. Tatsächlich finden sich in seinen Gemälden der ersten Jahrzehnte des zwanzigsten Jahrhunderts Einflüsse von Themen wie Symbolik und Divisionismus, aber Mascarini lässt sich nicht von den neuen Strömungen gehen, die die Dekonstruktion der Form bejubeln, und bleibt in der Einschließung von sein Atelier, um die ihm am nächsten stehenden Zuneigungen und Blicke des Alltags zu malen. Seine Bildsprache greift den lombardischen Naturalismus des späten 19. Jahrhunderts auf, seine Malerei ist in eine nüchterne und ausgewogene Zeichnung eingefasst. Als Landschafts- und Porträtmaler schlägt er zarte und ruhige Szenarien vor, wie die Gletscher, die er beim Klettern in der Stille der hohen Berge malt, die er sehr liebt, und Porträts mit Gesichtern, die von sanften Pinselstrichen harmonisch umrahmt sind und intime Gefühle ausdrücken. Das hier vorgestellte Porträt einer Dame schlägt eine Figur vor, die, obwohl elegant in ihrem Abendoutfit, in ihrem Gesicht und ihrer Pose eher Gelassenheit, Ruhe, Intimität als Weltlichkeit ausdrückt. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Das blaue Coccoma, 1960

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Giovan Francesco, ein Mailänder Künstler, der von einem Kadettenzweig der Gonzaga-Adligen von Mantua abstammte, nahm als Zwanzigjähriger mit der Kavallerie von Savoyen am Zweiten Weltkrieg teil und nahm mit dem Geschwader „Fantasma“ an Patrouillenaktionen in der russischen Steppe teil . Die Monate, die er während des Krieges in engem Kontakt mit dem Pferd verbrachte, entfachten in ihm eine echte Leidenschaft für Pferde, die zum bevorzugten Thema zahlreicher Gemälde, Skulpturen und Gedichte wurde. Als autodidaktischer Künstler erklärte er „Die Natur ist mein wahrer Lehrer“ und widmete sich ihr treu nach Pferden hauptsächlich Landschaften und Stillleben, die er immer „en plein air“ darstellte. Vittorio Sgarbi schrieb über ihn: „Die Weisheit von Giovan Francesco Gonzaga liegt in der Gestaltung, die stark und entschieden ist … Die Bilder vibrieren vor Unruhe, im Zeichen des Kampfes des Menschen gegen sich selbst, in der Hölle einer Geschichte das scheint immer dasselbe Drama zu wiederholen.Aber wenn die vorbereitende Zeichnung bewundernswert ist, hat die Farbe dieses Künstlers eine Majestät und eine Sensibilität, die von einer musikalischen Wahrnehmung der Farbe herrührt, wo die Palette in plötzlichen Variationen und Rhythmen zum Ausdruck kommt ". Seine Werke erscheinen in verschiedenen Museen, darunter dem der Pinerolo-Kavallerie, dem Historischen Museum der Guardia di Finanza in Rom, dem Tel Aviv Museum, dem Art Museum of Los Angeles, in öffentlichen und privaten Sammlungen in Italien, Frankreich, Spanien, Luxemburg , Indonesien, China, Japan, Singapur und Amerika. In diesem Stillleben sind die Farben besonders hervorgehoben: Die drei Elemente - der blaue Coccoma, dh ein emaillierter Krug, eine angeschnittene Zitrone und ein Glas Milch - heben sich gut voneinander entfernt und in kontrastierenden Farben von den beiden Farbtönen ab Grün des Hintergrunds. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Weibliches Porträt

Mischtechnik (Farbstifte und Tempera) auf Karton. Oben links signiert. Die aus Alessandria stammende und an der Albertina Academy of Fine Arts in Turin ausgebildete Künstlerin widmete sich hauptsächlich Landschaften, Figuren und vor allem Porträts und fertigte sie von verschiedenen Persönlichkeiten aus der Welt der Unterhaltung und des italienischen Kinos an. Dina Bellotti ist auch als „Malerin der Päpste“ bekannt. Ab der ersten Hälfte der siebziger Jahre fertigte er einige Porträts von Paul VI. und später von Johannes Paul II. an, die im Vatikan aufbewahrt und als offizielle Bilder der Päpste verwendet wurden. Das hier vorgeschlagene Porträt ist das einer raffinierten Dame, die sich in einer lässigen und trägen Pose porträtieren lässt: Das Weiß mit Blautönen der Bluse der Frau hebt sich vom beigefarbenen Monochrom des Hintergrunds, des Rocks, des Sessels ab, die kontrastlos sogar in der Hautfarbe verblassen. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

S. Lucia Blumenmarkt

Öl auf dem Tisch. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite der Titel in Bleistift. Es ist ein lebendiger und intensiver Blick auf den Pallonetto di S. Lucia, die bekannte neapolitanische Terrassengasse, die zusammen mit denen von San Liborio und Santa Chiara die drei Pallonetti von Neapel bildet; Auffallend und eigenartig die Kontraste von Licht und Farben Oscar Ricciardi war ein produktiver neapolitanischer Maler, der von einigen als das Oberhaupt des neapolitanischen Impressionismus angesehen wurde; Als Hauptthemen malte er Marine, Strände, Einblicke, Landschaften und neapolitanische Bräuche und Traditionen seiner Stadt. In seinen Werken offenbaren der intensive Chromatismus, das Studium des Lebens, der Verzicht auf das Zeichnen und das klare und klare Licht, das die Szenen durchdringt, das Wissen des Impressionismus aufgrund der Anwesenheit von Giuseppe De Nittis in Neapel. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Gelbe Blumen in Vase mit Rahmen, 1947

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Komposition aus gelben Gänseblümchen in Vase, mit Fotorahmen dahinter. Noel Quintavalle, (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), in Ferrara geboren, aber in Mailand aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; zwischenzeitlich übte er auch literarische Aktivitäten durch die Herausgabe verschiedener Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) aus und experimentierte auch mit Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten lagen ihm das Porträt (mit einer Vorliebe für bestimmte weibliche Figuren wie Tänzerinnen) und die Landschaft. Seine Produktion floraler Motive geht auf die 1940er Jahre zurück, verbunden mit der Zeit, in der er das Bedürfnis nach Innerlichkeit wiedererlangte und sich den ästhetischen Konzepten der Kunst des "20. Jahrhunderts" annäherte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.