Öl auf Leinwand Historisches Subjekt England XIX Jhd

Arabischer Kaffee

Öl auf dem Tisch. unten links signiert. Ein orientalistisches Thema, das den arabischen Kaffee als Ort vorschlägt, an dem auch die Wasserpfeife geraucht wird, eine Aktivität, an der zwei Männer beteiligt sind: Die Szene spielt im Freien, vor dem gewölbten Eingang des Raums, mit dem Minarett im Hintergrund. Das Werk ist Teil der charakteristischsten Produktion von Fabio Fabbi, einem Bologneser Maler, der sich nach seinen Reisen in den Osten ab 1886 fast ausschließlich dieser Bildgattung widmete, in der er die Themen Exotik und Reisen verbinden konnte mit einem schnellen und lebhaften Skizzieren. Ab den frühen 1900er Jahren widmete sich Fabbi auch einer Karriere als Illustrator, illustrierte zahlreiche Romane der klassischen Literatur, bevorzugte jedoch Abenteuerromane, insbesondere die Salgarian-Romane, in denen er seine Leidenschaft für Exotik zum Ausdruck bringen konnte. Die vorgeschlagene Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Porträt ist unsigniert, aber angenehm gemacht und zeigt ein kleines Mädchen im Freien, auf einem Hügelweg in der Nähe eines Sees, umgeben von Frühlingsblumen; sie ist rosa gekleidet, hält in der einen Hand eine Mandarine und in der anderen einen kleinen Sonnenschirm, der zu den Socken und den orangefarbenen Lilien passt, die entlang des Weges blühen, um den Hals trägt sie eine Halskette mit großen gelben Perlen. Trotz der Lebendigkeit der Farben und der Umgebung wirkt das kleine Mädchen äußerst ernst und gefasst, fast traurig. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Kircheninnenraum

Ölgemälde auf Leinwand. Auf der Rückseite signiert. Vittore Zanetti Zilla wurde in eine wohlhabende venezianische Familie geboren und begann als Autodidakt zu malen, inspiriert von Giacomo Favretto, einem Freund der Familie, bevor er unter der Leitung von Guglielmo Ciardi an die venezianische Akademie der Schönen Künste wechselte. Tatsächlich geht er nach seinem Vorbild von Genreszenen seiner ersten Periode zur Landschaftsmalerei über. Auf Reisen, zunächst in Italien, kommt er der neapolitanischen Schule sehr nahe; ab 1898 begann er seine langen Auslandsreisen, die ihn den verbreitetsten europäischen Landschaftsinstanzen näher brachten und zu einer sehr modernen Bildsprache führten. Seine ersten Einzelausstellungen richtet er vor allem im deutschen und österreichischen Raum ein, wo er erfolgreich ist; die Fremdverunreinigung tritt auch in der Wahl der Bildtechnik auf, die vom Aquarell zum Ölgemälde und schließlich zur Tempera übergeht, die ihn später charakterisieren wird. Mit dem Ersten Weltkrieg kehrte Zanetti Zilla nach Italien zurück, zuerst nach Florenz und dann nach Mailand, kam aber dem Genre der venezianischen Landschaft sehr nahe und wurde schließlich leidenschaftlicher für das Stillleben. Mit dem Übergang zur Verwendung von Tempera verfeinert Zanetti Zilla jene Technik, die zu seinem Erkennungsmerkmal werden wird: Durch große und dicke Pinselstriche schafft er Werke von intensiver Farbbrillanz und mit einem durch den abschließenden Ölfirnis erhaltenen Porzellanglanz verschleiert. Die vorgestellte Arbeit schlägt das Innere einer Kirche mit betenden Figuren vor. Die Bildtechnik drückt diese Kontamination aus der nordeuropäischen Malerei bereits aus und ordnet sie bereits in die Zeit des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts ein. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert \"Morbelli\". Die Szene ist in einem ärmlichen Interieur angesiedelt: Dreiviertel stehend stehend nähert sich eine Frau, stehend und eingerahmt in der dunklen Öffnung der Hintertür, einem Tisch, auf dem drei verschiedene Flaschen stehen; das licht fällt durch ein auf der linken seite sichtbares fenster, unter dem sich eine holzkiste befindet. Eigenartig ist das Spiel der Linien der Möbel und der Räume des Raumes, die von beiden Seiten und von oben zur zentralen Figur hin zusammenlaufen, stehend, dunkel, aber in den Konturen nicht so sehr durch Linien, sondern durch das Spiel definiert von Licht und Schatten. Das Gemälde von ausgezeichneter Handschrift erinnert an das malerische Werk von Angelo Morbelli (1853 -1919), einem der großen Künstler des Pointillismus, der sich im Zuge der realistischen Literatur der Darstellung von Figuren und Szenen bäuerlicher und volkstümlicher Matrix widmete . Die vorliegende Arbeit ist von ausgezeichneter Hand, aber unserer Meinung nach der Zuschreibung zu Angelo Morbelli ist nicht nachhaltig, sondern zu einem anonymen Lombard Autor von ihm inspiriert, und es wird angenommen , dass die Konformität zu Morbelli Stil und Themen wahrscheinlich seine Unterschrift hinzuzufügen geführt , um an seine Autorschaft zumindest der Inspiration zu erinnern. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Es ist höchstwahrscheinlich eine bildliche Darstellung einer tragischen antisemitischen Episode. Rechts sieht ein Soldat in russischer Uniform, verwundet heimkehrend, die dramatische Szene der ermordeten Familie vor Augen, die der Rabbiner im Gebet beobachtet. Das zerrissene Fenster und die durchwühlten Schubladen weisen auf den gewaltsamen Überfall der Killer hin. Links vom Spiegel finden wir eine hebräische Inschrift, die auf den Ort oder die Spur hinweisen könnte, die der Künstler vorschlägt. Das Wort könnte als "Ciro" übersetzt werden und könnte sich auf das Gebiet von Georgien und Aserbaidschan beziehen, das von der Kura durchquert wird, einem Fluss, der von der Türkei in das Kaspische Meer mündet und im 19. Jahrhundert genau als Ciro bekannt war. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die romantische Landschaft bietet eine grüne Landschaft in der Nähe eines Flusses unter einem bleiernen Himmel voller grauer Wolken; auf dem Weg im Vordergrund folgen einige Jäger, die gerade von dem festgemachten Boot ausgestiegen sind, ihren Hunden in Richtung des Gestrüpps der Bäume. Das Gemälde, in gutem Zustand, wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert, der an den Ecken mit belaubten Voluten verziert ist, mit einigen Mängeln und Restaurierungsspuren.

Das Astrea-Schiff 1904

Gouache auf Papier. Unten rechts signiert und datiert 1904. Links der Name des Schiffes. Antonio De Simone gehört zur Kategorie der marinistischen Meister, eine Kategorie, die seit dem 16. Jahrhundert geboren wurde und in den Staaten großer Seefahrertraditionen, von Holland bis England, von Frankreich bis Spanien in Italien und fast überall im Rest des Landes, große Leidenschaft hatte auf dem europäischen Kontinent. nehmen , da alles unter Seefahrt Leben zu tun. Die höchste Popularität dieses Kunstgenres wurde im neunzehnten Jahrhundert erreicht und dauerte bis in die 1940er Jahre, in der letzten Periode des Segelns und dem Aufkommen von Dampfschiffen. In Italien schufen die Künstler der kampanischen und ligurischen Mal- und Meeresschule viele Gemälde, von denen einige sogenannte "Schiffsporträts" sind: Zu dieser Gruppe gehört die Produktion der neapolitanischen Brüder De Simone, die sich genau auf die Portraits von wichtigen und berühmten Luxusschiffen, sowohl Segel- und Dampfschiffen. Die Gouache wird in einem Rahmen dargestellt

Mageres Öl auf Leinwand. In Tacitus' Annales wird der Tod Senecas im Auftrag des Kaisers Nero, dessen Lehrer Seneca war, sehr detailliert mit dem Vorwurf der Beteiligung an einer Verschwörung gegen ihn geschildert. Das Thema wurde in der Technik aufgrund der intensiven Pathos überträgt er weithin dargestellt: - der Selbstmord wählte gegen die Ausführung durch die Hand des Henkers - Seneca ist auf dem Totenbett dargestellt, mit dem Arzt, den ihn in dem Vergehen unterstützt, während. er diktiert seinem Freund seine letzten Wünsche und seine Frau Paolina weint ihm zu Füßen. Das Gemälde weist weit verbreitete Farbverluste auf, die einer Restaurierung bedürfen. Es wird in einem zeitgenössischen vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Die Begegnung des Hauptmanns Kornelius mit dem Apostel Petrus

Mischtechnik auf Papier (Kohle, Feder, braune Tusche, Aquarell und weiße Mine). Unten links signiert Pasqual Otin; Aus einer Privatsammlung stammend, gibt es die Marken zweier früherer Kollektionen, Dalla Bella und Frigerio. Die Arbeit wird auch von einer kritischen Studie von Dr. Francesco Vincenti und ein Echtheitszertifikat der Sammlung Orler. Es ist eine aufregende Zeichnung von Pasquale Ottino, bekannt als Pasqualotto, einem veronesischen Maler (der Nachname Otin entspricht dem venezianischen Wortlaut), der nach einer Ausbildung in Rom eine Karriere als Maler in Verona begann, die "von der Caravaggesken Luministik geprägt war". den venezianischen Stil mit der Verwendung von kräftigem Kolorismus ". Auch in dieser Zeichnung ist bereits die gegenreformatorische Tendenz zu erkennen, denn die Bedeutung unmittelbarer Lehre, verbunden mit der dramatischen Ausdruckskraft der Figuren. Die erzählte Episode, die der Apostelgeschichte entnommen ist, sieht einen römischen Hauptmann, der Petrus um Segen bittet, in einem Raum, der Licht aus dem Fenster zieht und mit anderen Personen aus der Zeitung, dem Aufseher rechts und dem Diener, gefüllt ist der links Brot und Wein auf das Tablett bringt. Zentral ist der intensive Blick zwischen den beiden Protagonisten, begleitet von der Andeutung eines Lächelns auf ihren Lippen, um die Freude über die Begegnung der Erlösung auszudrücken. Das Werk ist stilvoll gerahmt.

Öl auf Leinwand. XVIII-XIX Jahrhundert. Das sakrale Thema in dieser Szene nimmt eine vertraute Konnotation an, voller sehr irdischer Zärtlichkeit und Intimität: in einem fast exotischen Kontext, der an eine Palmenoase in der Wüste und eine Wasserquelle in einer kargen und hügeligen Landschaft erinnert. Joseph und Maria ruhen sich während ihrer Flucht nach Ägypten aus, um der Verfolgung durch Herodes zu entkommen; die Mutter hält das Jesuskind zärtlich auf den Knien, schaut es zärtlich an und wickelt es, während Josef ihnen zufrieden und entspannt zusieht. Die ganze Szene ist geprägt von der Dominanz braun-ockerfarbener Farben, von denen sich nur Marias Kleid in ihren traditionellen blauen und roten Farben unterscheidet; im Hintergrund ein klarer Himmel in den Farben einer gerade angebrochenen Morgendämmerung mit Rosatönen. Die Leinwand wurde auf einen neuen Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts aufgebracht und in einen Rahmen aus der gleichen Zeit eingesetzt, der einige Mängel aufweist.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 18. Jahrhunderts. Es ist eine große Hügellandschaft, reich an Vegetation und von einem kleinen Bach durchzogen, an dem zwei Männer, in der Mitte der Szene unten, aus einem Wasserbecken fischen. Über ihnen ein Himmel voller Wolken, die in der Ferne verschwinden und an bevorstehende Regenfälle erinnern. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem vergoldeten Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Öl auf dem Tisch. Norditalienische (venezianische?) Schule des 18. Jahrhunderts. Die Form des Tisches deutet darauf hin, dass das Gemälde Teil einer Einrichtungsgarnitur war, die zusammen mit anderen mythologisch-allegorischen Szenen in eine zusammengesetzte Wandstruktur eingefügt wurde. Das Gemälde stellt eine mythologische Episode dar, die in Ovids Metamorphosen erzählt wird: Merkur bereitet sich darauf vor, Argus mit den überzeugenden Melodien seiner Flöte einzuschläfern, und tötet ihn dann auf Befehl von Jupiter. Argos, der Hirte mit den hundert Augen und mit großer Kraft ausgestattet, war von Juno beauftragt worden, über die junge Io zu wachen, die von Jupiter geliebt und von ihm in eine Färse verwandelt wurde. In dieser Darstellung, die sich in einer idyllischen Landschaft befindet, kann Merkur mit seinem Hut und den geflügelten Schuhen identifiziert werden, während er auf seiner Flöte spielt, und Argus, der sitzt und die weiße Färse hinter sich beobachtet: wie in vielen Darstellungen dieses Mythos, auch in Werken von großem Ruhm , Argo wird als einfacher Hirte dargestellt, ohne hundert Augen und ohne besondere Gaben. Die eher bukolische als dramatische Dimension unterstreicht die dekorative Absicht der Tafel, die eher Leichtigkeit als Pathos hervorrufen möchte. Das Werk ist in gutem Zustand.