Öl auf Leinwand Stilleben Italien XVII-XVIII Jhd

Öl auf Leinwand. Es handelt sich um eine Vintage-Kopie des gleichnamigen Stichs von Annibale Carracci (1560-1609), der sofort Erfolg hatte und zu einer Reihe von gedruckten Repliken und gemalten Kopien führte. Es stellt den Moment der Passion dar, in dem Christus mit der Dornenkrone gekrönt wird, dem Folterobjekt, dem abfälligen Symbol seiner Proklamation zum König der Könige, und wird von zwei Figuren, dem römischen Soldaten und dem Juden, repräsentiert die beiden Menschen, die sie am Todesurteil Christi teilnahmen. Die kräftigen und sanguinischen Gestalten, die der beiden Peiniger bleicher und regungsloser als das Opfer, bilden eine verschlungene Komposition von Körpern, wobei sich die des zentralen Jesus den beiden anderen anschließt und sie in der gemeinsamen Verantwortung für das, was sie tun, vereint; Seitlich gestellt, wird Jesus sein Kopf von dem Soldaten, der ihm die Dornenkrone aufsetzt, gewaltsam nach links geneigt, während der Jude rechts das Bambusrohr in seine Hand legt und das Zepter ersetzt. Die Szene wird von düsteren und dunklen Farben dominiert, unter denen nur das leuchtende Rot des Gewandes Christi hervorsticht, ein Symbol seiner leidenden Menschlichkeit. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es präsentiert sich in einem schönen zeitgenössischen Rahmen mit Mängeln.

Öl auf Schiefer. Auf eine dicke Schieferplatte gemalt, stellt die Szene den dramatischen Moment dar, in dem Maria, umgeben von einer Gruppe frommer Frauen, über den vom Kreuz abgenommenen Leichnam ihres Sohnes weint: Sie gibt sich dramatisch in den Armen der beiden Frauen hin hinter ihr, während an ihrem Schoß der leblose Körper des Sohnes ruht, an dessen Hand eine dritte Frau weint; oben nimmt eine Gruppe von Engeln, die aus dem offenen Himmel herausblicken, aus dem das göttliche Licht entspringt, an der Klage teil. Maria ist die einzige Figur, die bunte Kleidung trägt, die sich von der Wachsfarbe des auf ihrem Schoß ruhenden Leibes Christi abhebt, während die anderen Frauen Kleidung in matten Farben tragen, ebenso neutral sind die Körper der kleinen Engel. Die Figuren sind auf einem dunklen Hintergrund platziert, in dem die Öffnung des Grabes kaum zu erkennen ist: Die Farbwirkung wird auch durch den verwendeten Bildträger, den Schiefer, ein Stein, der auch als "Tafel" bekannt ist, am stärksten wiedergegeben Bedeutende Schieferbrüche befinden sich in der Nähe der Stadt Lavagna in Ligurien. Die Bildmodalität erinnert an die Werke des als Flamen bekannten Pietro Mera, eines ursprünglich aus Brüssel stammenden Malers, der zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert lebte: lange Zeit in Venedig tätig, von 1570 bis 1603 im Dienst des Kardinals d'Este tätig, Mera verwendete Schiefer in großem Umfang als Bildträger für einige seiner Werke. Das Material mit seiner charakteristischen dunklen Farbe ermöglichte es dem Künstler, intensive Lichtkontraste zu schaffen und die Figuren hervorzuheben, die mit einer hellen Farbpalette dargestellt und von brillanten Lichtakzenten beleuchtet werden. Das Gemälde befindet sich in gutem Zustand und wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Das Werk hingebungsvoller Natur sieht die Madonna, die auf den Wolken sitzt und von zwei Engeln unterstützt wird, die ihre Gewänder stützen, von zwei Heiligen verehrt wird, die zu ihren Füßen knien: rechts die junge Frau in fürstlicher Kleidung, zu deren Füßen ist eine königliche Krone ruhend, bezieht es sich auf Elisabeth von Ungarn; auf der linken Seite kann der Heilige, der das Jesuskind in seinen Armen hält, als San Caetano da Thiene identifiziert werden. Besonders ist das Blickspiel zwischen den verschiedenen Charakteren, die sich mit den Positionen und Gesten zu einer fast kreisförmigen Bewegung verflechten. Das Gemälde wurde restauriert und doubliert. Es wird in einem alten Rahmen präsentiert, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts restauriert wurde, mit verschiedenen aktuellen Mängeln (zu restaurieren).

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In einer großen, eher kahlen Hügellandschaft, die sich nach rechts verbreitert und verblasst, befindet sich ein hoher Felsen in Form eines Bogens, unter dem der heilige Hieronymus, der Büßer, im Akt des Gebets und der Anbetung des Kreuzes dargestellt ist. In Übereinstimmung mit den Kanons der Malerei des 17.-18. Jahrhunderts wird die Figur des Heiligen, in Kleidung und Haltung der Ikonographie angepasst, jedoch in eine widersprüchliche Landschaft eingefügt, die der des Malers nahe kommt, der sich auf die bekannte Landschaftsrealität stützte ihn. . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule des späten 17. bis frühen 18. Jahrhunderts. Die reichhaltige Komposition bietet einen großen Strauß bunter Blumen in einer geprägten Vase neben zwei großen Kürbissen und gemischten Früchten (Trauben und Pfirsiche): Mit unterschiedlichen Farbintensitäten treten die verschiedenen naturalistischen Elemente aus dem völlig dunklen Hintergrund hervor und erzeugen Lichteffekte und Schatten. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des siebzehnten bis achtzehnten Jahrhunderts. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett der Di Rosa Art Gallery, das das Werk der „Venezianischen Schule von 1600“ zuordnet. Die große, figurenreiche und in der Verflechtung und Überlagerung der Körper sehr belebte Szene erzählt die Episode des Johannesevangeliums, in der eine beim Ehebruch ertappte Frau von Schriftgelehrten und Pharisäern vor Jesus gebracht wird, um seine Meinung über die Seinen zu erfahren Satz gesteinigt werden. Während er mit dem Finger auf den Boden schreibt, fordert Jesus seine Gesprächspartner auf, mit dem Satz „Wer ohne Sünde ist, werfe den ersten Stein“ barmherzig zu sein und rettet so die Frau vor dem Todesurteil und lässt sie frei, mit dem zu gehen Ermahnung, nicht mehr zu sündigen. Das Thema wurde in der Kunst ausgiebig neu vorgeschlagen, mit unterschiedlichen Ansichten zu den Charakteren. In diesem Gemälde steht die Frau in einer zentralen Position, aber alle anderen Figuren um sie herum lenken den Blick nach unten, auf die Hand, mit der Jesus in der Hocke auf den Boden schreibt; Sowohl das Gesicht als auch der rechte Arm der Frau sind praktisch parallel zu denen von Christus, als ob sie der Richtung folgten und sich ihr anpassten, die Jesus ihr zeigte. In den anderen zahlreichen Figuren dominiert die Neugier, die Absicht zu verstehen, die Frage, die Jesus mit seiner Frage aufwirft, dargestellt in mehreren Ausdrucksvarianten von Gesichtern und Körpern; kurios ist das Detail der Linsen - die Brille des Priesters, dessen Kopf hinter der Frau hervortritt, und das Vergrößerungsglas der kauernden Figur links im Hintergrund -, die zwei Figuren verwenden, um "besser zu sehen", was passiert. Die malerischen und interpretativen Modalitäten der Malerei erinnern an die venezianische Produktion in der Nähe von Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), dem venezianischen Künstler, dessen Malerei den Mittelweg zwischen der großen Tradition der spätbarocken Malerei ähnlich Luca Giordano und der für ihn typischen innovativen koloristischen Sensibilität darstellt Gnade des achtzehnten Jahrhunderts. Restauriert und doubliert, präsentiert sich das Gemälde in einem zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem, stuckverziertem und lackiertem Holz.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Auf der Rückseite dieses Etikett der Art Gallery mit der Angabe "Venezianische Schule von 1600". Dargestellt ist die Evangelienepisode der Kreuzabnahme Christi. Der Körper Jesu, der sich durch die Blässe des Todes, aber auch als Symbol seiner Reinheit weiß abhebt, hebt sich in der Mitte zwischen den anderen Figuren ab, der einzige, der unter den anderen Figuren reglos ist. Seine noch geöffneten Arme, während er vom Kreuz losgelöst ist, bilden eine Verbindung zwischen den beiden Figuren von Maria und Johannes, die unter ihm stehen, und dem Himmel. Um mehrere Figuren, die im Chor Bewegung, Verflechtungen, Formen und Farben erzeugen. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen aus geschnitztem, stuckverziertem und lackiertem Holz präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die beiden großen Leinwände zeigen die Figuren zweier griechischer Gottheiten, Venus und Merkur, gemalt in der Art von Statuen, die in eine Loggia eingefügt sind, in fast monochromen Tönen, um an Marmor zu erinnern, und auf dunklem Hintergrund. Merkur ist an dem Stab mit der aufgerollten Schlange zu erkennen, der Stab des Asklepios, eines der Symbole des Gottes; Venus wird traditionell in einer Pose dargestellt, die ihre Nacktheit, dh ihre Schönheit, zur Schau stellt. Die beiden Paneele sind als komplementäre Teile einer Innenarchitektur konzipiert. Restauriert und unterfüttert, sind sie in schlichte Holzleisten eingefasst.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die große Szene zeigt die Drei Schicksale oder die drei Gottheiten der römischen Mythologie, in der griechischen Mythologie Moiré genannt, die über das Schicksal des Menschen herrschten: Die erste spann den Lebensfaden, die zweite verteilte Schicksale, indem sie jedem Einzelnen eines zuordnete und begründete ihnen selbst die Dauer, die dritte, die Unerbittlichkeit, schnitt im bestimmten Augenblick den Lebensfaden ab. Ihre Entscheidungen waren unveränderlich: Nicht einmal die Götter konnten sie ändern. Mal als drei ältere, mal als junge Frauen dargestellt, erscheinen sie auf diesem Gemälde mit weiblichen Zügen verschiedener Lebensabschnitte: In der Mitte die sich drehende Göttin im Erwachsenenalter, rechts eine junge Göttin, die über die Länge entscheidet der faden, oder die dauer des lebens, links eine alte frau, die sich anschickt, den faden mit einer zange zu durchtrennen. In Wirklichkeit wird aus dieser Arbeit klar, wie die drei Gottheiten in Symbiose arbeiteten und wie die drei Aufgaben tatsächlich geteilt wurden, denn alle drei zusammen repräsentierten das Schicksal, die Bestimmung des Menschen. Die zuvor restaurierte und doublierte Leinwand bedarf aufgrund kleiner diffuser Farbtropfen und einer Schmutzpatina einer weiteren Restaurierung. Es wird in einem zeitgenössischen, neu lackierten Rahmen präsentiert.

S. Agata in Carcere Besucht von S. Pietro

Öl auf Leinwand. Das Thema der suggestiven Szene ist der zentrale Moment im Leben der heiligen Agatha, einer jungen Märtyrerin, der Schutzpatronin von Catania, die der Legende nach zum Christentum konvertierte, zuerst die Schmeicheleien des Gouverneurs Quinziano ablehnte und dann ihrem Glauben und Opfer entsagte die heidnischen Götter; Im Gefängnis wurde sie der Folter der Amputation der Brüste ausgesetzt. Während sie im Gefängnis war, betrat ein grauhaariger alter Mann ihre Zelle, um sie zu behandeln, der sich als St. Peter offenbarte, der direkt von Gott gesandt wurde, um die Schmerzen der jungen Frau zu lindern. Diese Episode wurde aufgrund des Reichtums an Pathos und der Möglichkeit der theatralischen Interpretation, die sie bot, zu einem beliebten Thema der Malerei. Insbesondere in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurden sechs Arten von Interpretationen der Szene identifiziert: Die heilige Agatha schläft, während der heilige Petrus die Zelle betritt, die Frau erschreckt und überrascht von dem unerwarteten, bescheidenen Anblick, der die Pflege verweigert von dem Mann, der sich fast in einem theologischen Streit mit ihm unterhält, vertieft und schlafend, während er sich heilen lässt und schließlich in Ekstase die Heilungen empfängt, indem er zum Allerhöchsten zurückkehrt; schließlich gibt es die Szene der Heiligen, die jetzt allein in ihrer Zelle ist, umgeben von Engeln. Das hier präsentierte Werk zeigt die Szene der Heiligen in ekstatischer Haltung, getröstet von einem Engel, der eine Kerze hält, während Petrus sich ihr mit einem Salbenglas und erhobener rechter Hand nähert: Die Verwendung von Kerzenlicht als Quelle sticht in der Komposition hervor. Licht, das der Szene selbst innewohnt und auf Agatas Gesichter und Brüste strahlt, zusammen mit der Gelassenheit der Figuren, auch im Pathos des Augenblicks, was die ekstatische Konzentration und die spirituelle Bedeutung der Episode unterstreicht. Diese Darstellung findet sich fast identisch in einer Gruppe von sechs Werken an verschiedenen Orten, deren Zuschreibung Gegenstand akademischer Studien und Diskussionen war: Die am meisten anerkannte Hypothese war lange Zeit die von Sergio Benedetti, der sie alle Rustichino zuschrieb , Künstlername des Malers Francesco Rustici. Wir haben auch eine mögliche caravaggeske Ableitung des Werks diskutiert, aber die kompositorische Modalität mit den in einer ekstatischen Dimension eingeschlossenen Figuren, zusammen mit der Verwendung einer Lichtquelle innerhalb der Szene, scheint nicht auf die kraftvolle Dynamik und den Einsatz von Licht zurückzuführen zu sein außerhalb der Szene, die Caravaggio auszeichnen. Der Kritiker Luigi Agus definiert die sechs Werke stattdessen in einer detaillierten Studie als Repliken, alle von unterschiedlichen Händen, die eher aus einem einzigen Bereich als aus einer Werkstatt stammen, aber sicherlich nicht alle Rustichino zuzuschreiben sind, obwohl es so scheint zuverlässigster Kandidat für die Vaterschaft von mindestens einem von ihnen. Laut Agus beziehen sich einige bildliche Besonderheiten des ursprünglichen Prototyps (heute verschollen) auf einen nordischen Künstler, Joachim von Sandrart (1606–1688), der zwischen 1629 und 1635 in Rom tätig war, während die Repliken, die mit ziemlicher Sicherheit aus den 1940er Jahren stammen, darauf zurückzuführen sind Die inhomogenen Qualitäten (chromatische Unterschiede, unterschiedliche Details, vor allem unterschiedliche stilistische Setzungen) würden auf eine kleine Gruppe von Künstlern hindeuten, die es in den gleichen Bereichen wie der deutsche Maler nach Rom zog. Die hier vorgeschlagene Replik stammt aus einer Privatsammlung und wurde 1999 und 2002 versteigert. Restauriert und doubliert, präsentiert sie sich in einem historischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Die Komposition ist kein traditionelles Stillleben, da die Frucht (Trauben und Äpfel) und der Vogel in eine große Landschaft eingefügt sind, als deren hinzugefügte Elemente im Vordergrund stehen; Hinter ihnen öffnet sich eine grüne Landschaft mit einem Dorf auf dem Hügel. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf dem Tisch. Nordeuropäische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene zeigt eine Episode im Leben von Scipio, erzählt von Tito Livio und Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, später bekannt als Scipio der Afrikaner, im Jahr 209 v. Während des spanischen Feldzugs erhielt er nach der Einnahme von Cartagena als persönliches Geschenk eine schöne Jungfrau, die sich in der Gruppe der Geiseln befand. Aber er hörte auf die Bitten seiner Familie und respektierte sie, indem er sie zu ihren Eltern und ihrem Verlobten zurückschickte, mit der einzigen Empfehlung, dass ihre Verlobte sich für den Frieden zwischen Rom und Karthago einsetzen sollte. In der Darstellung ist Scipio in der Mitte auf seinem Thron sitzend und wendet sich nach links zu den flehenden Eltern des Mädchens, während er ihnen mit einer barmherzigen Geste bedeutet, seine rechts stehende Tochter zurückzunehmen, flankiert von ihrem Freund. Ringsum Soldaten und Gefolgsleute des Königs. Die Szene ist voller Figuren, hell und farbenfroh und unterstreicht die Positivität des Königs, einer zentralen und mächtigen Figur, die jedoch zu Sanftmut und Milde fähig ist. Das restaurierte Gemälde wurde rückseitig mit Holzleisten verstärkt. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.