Gruppe Alter Bilderhefte Papier Japan XX Jhd

Signiert J.M. de Medeiros

Ölgemälde auf Leinwand. Am rechten Rand befindet sich eine Widmung in portugiesischer Sprache „Ill';... Offerece Agradecide (with gratitude)“ mit der Signatur JM De Medeiros und dem Datum 1875. Das Werk geht auf den brasilianischen Maler De Medeiros zurück, von dem Er weiß nur, dass er 1885 an der Akademie der Schönen Künste in Rio de Janeiro lehrte. Das Gemälde zeigt das Porträt eines älteren Mannes mit wallendem Bart, ernstem und konzentriertem Blick auf etwas Fernes und gekleidet in eine Tunika und Pallium , daher erinnert es an die Figur eines Denkers oder Philosophen der Antike. Die Arbeit hat Aufnäher auf der Rückseite. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert,

Öl auf Leinwand. Es ist höchstwahrscheinlich eine bildliche Darstellung einer tragischen antisemitischen Episode. Rechts sieht ein Soldat in russischer Uniform, verwundet heimkehrend, die dramatische Szene der ermordeten Familie vor Augen, die der Rabbiner im Gebet beobachtet. Das zerrissene Fenster und die durchwühlten Schubladen weisen auf den gewaltsamen Überfall der Killer hin. Links vom Spiegel finden wir eine hebräische Inschrift, die auf den Ort oder die Spur hinweisen könnte, die der Künstler vorschlägt. Das Wort könnte als "Ciro" übersetzt werden und könnte sich auf das Gebiet von Georgien und Aserbaidschan beziehen, das von der Kura durchquert wird, einem Fluss, der von der Türkei in das Kaspische Meer mündet und im 19. Jahrhundert genau als Ciro bekannt war. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Holzbrett. Unten rechts signiert. Es handelt sich um drei kleine Gemälde, die Einblicke in die Landschaft bieten und im für Lorenzo Gignous typischen naturalistischen Stil angefertigt wurden: Die beiden seitlichen Gemälde mit den Maßen 24 x 30 cm stellen das am häufigsten wiederkehrende Thema im Schaffen des lombardischen Künstlers dar, nämlich Einblicke in den Lago Maggiore, belebt durch die Fischerei Boote; in der Mitte eine kleinere Landschaft (18 x 25 cm) mit einer Baumgruppe im Grünen. Die drei kleinen Gemälde werden in einem einzigen zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 19. Jahrhunderts. Der romantische Geschmack durchdringt diese nächtliche Landschaft, erleuchtet vom Licht des Vollmondes, kaum verschleiert von zerstreuten dünnen Wolken; Auf dem Feldweg, der entlang eines reißenden Flusslaufs verläuft, sind zwei Gestalten von Wanderern zu sehen, ein Kind hält eine Frauenhand. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen vom Ende des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Männliches Porträt im Profil

Öl auf Karton. rechts unten signiert, mit Widmung "an Freund G. Rutelli". Angelo Dall'Oca Bianca stammt aus einfachen Verhältnissen, auch nachdem er ein etablierter und geschätzter Künstler geworden war, der das künstlerisch-kulturelle Umfeld Italiens und des Auslands frequentierte, blieb er stets mit seiner Stadt verbunden, die eine ständige Inspirationsquelle für seine künstlerische Produktion und für sein künstlerisches Schaffen war es ist arm; 1939 baute er das Dorf Dall'Oca in Verona zugunsten der Armen der Stadt, und 1941 machte er ein Testament, in dem er sein gesamtes Geld und seine Gemälde der Stadt Verona für wohltätige Zwecke hinterließ. Seine Malerei war immer rein realistisch, beeinflusst vor allem durch den Kontakt zu Giacomo Favretto, der es ihm ermöglichte, seine Maltechnik mit leuchtenden Farben und einem großen und dampfenden Stil zu bereichern, und durch die Verwendung der Fotografie als Gedächtnis für die Darstellung von Wahrheit. . Die Arbeit, ein Porträt einer männlichen Figur im Profil, ist lebhaft in den Farben. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Vase, römische Ausgrabungen, 1860

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Auf dem Rahmen befindet sich ein Stempel aus einer bedeutenden Privatsammlung. Die Arbeit schlägt eine Komposition aus einer Amphore und einer bemalten Keramikplatte vor, die rechts von Rosen umgeben ist. Der Mailänder Maler und Dekorateur Luigi Scrosati besuchte zunächst die Brera-Akademie, die er bald aufgab, um sich zahlreichen Auslandsreisen, insbesondere nach Paris, zu widmen. Bereits seit Beginn seiner Tätigkeit, in den 1940er Jahren, arbeitete er als Stilllebenmaler, der stark von französischen Vorbildern, insbesondere der Lyoner Schule, beeinflusst war. Neben der Staffelei- und Aquarellproduktion, die von der Spezialisierung auf Blumenstillleben dominiert wurde, war Scrosati sehr aktiv als Innenarchitekt, oft in Teamarbeit mit Architekten und Projektmanagern, aber immer mit beträchtlicher Autonomie und einem charakteristischen Stil , im Wesentlichen eklektisch und zielt auf eine Neuinterpretation der Stile der Vergangenheit ab. Das Debüt in diesem Bereich gegen Ende des Jahres 1842 besteht aus einem Freskenzyklus in der Residenz San Fiorano (LO) von Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, für den Scrosati einen gotischen Raum, ein Rokoko-Wohnzimmer und einen kleinen Eingang ausschmückte Abteil. Seine Fresken sind in zahlreichen Villen in und um Mailand zu finden, Werke, in denen sich Scrosati auf die Stile der Vergangenheit bezieht und Anregungen des 18. Jahrhunderts, aber auch des Barock wieder aufgreift. Die Dekorationen zuerst im Kabinett von Dante und dann in anderen Räumen im Palazzo Poldi Pezzoli in Mailand (heute Sitz des gleichnamigen Museums) waren statt neumittelalterlichen Geschmacks, hergestellt mit dem Bertini-Team, zu dem Scorsati gehörte. Die Krankheit, die Scrosati 1857 an den unteren Gliedmaßen befiel und ihn krank machte, hinderte ihn wahrscheinlich daran, seine Tätigkeit als Dekorateur fortzusetzen, und zwang ihn, auf die florale Staffeleimalerei zurückzugreifen, was ihn dazu veranlasste, Blumenstillleben, aber auch Porträts zu schaffen oder gefälschte Basreliefs mit Blumengirlanden oder sogar Interieurs und Genreszenen, in denen er von der deutschen und Wiener Produktion des Biedermeiertyps und der französischen Produktion der Lyoner Schule beeinflusst wurde. 1862 wurde Scrosati beauftragt, einen neuen Ornato-Kurs an der Brera-Akademie zu leiten, mit besonderem Bezug auf Blumenmalerei und Beziehungen zur Industrie, ein Kurs, der von der Braidense-Institution eingerichtet wurde, um die bereits blühende Schule der Ornamentmalerei zu erweitern. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Jungfrau ist in Herrlichkeit dargestellt, sie steht im Himmel und ist von kleinen Engeln umgeben. Das noch auf der ersten Leinwand befindliche Werk wurde auf einen modernen Keilrahmen aufgetragen: Diese Tatsache sowie die Unvollständigkeit der Marienfigur lassen darauf schließen, dass das Gemälde Teil einer größeren Leinwand war. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Aulus Vitellius Germanicus Augustus ist einer der elf römischen Kaiser, die in einer Serie, die Tizian 1536–40 für Friedrich II., Herzog von Mantua, schuf, in halber Figur dargestellt wurden. Die Gemälde gelangten zunächst an das englische Königshaus und dann an den spanischen Hof. Bei einem verheerenden Brand im Königlichen Alcazar von Madrid im Jahr 1734 wurden die Gemälde alle zerstört und sind heute nur noch aus Kopien bekannt, die von verschiedenen flämischen Graveuren zwischen dem Ende des 16. und 17. Jahrhunderts angefertigt wurden Anfang des 17. Jahrhunderts. Unter diesen haben wir den Stich des Porträts des Vitellius von Aegidius Sadeler (1570-1629) erhalten, im Vergleich zu dem unsere Kopie einige kleine Unterschiede aufweist, wie es üblich war, wenn Werke anderer großer Künstler kopiert wurden. Der Kaiser, der sich durch eine hervorstehende Nase, dünne Lippen, dicke Wangen und ein Doppelkinn auszeichnet, hält den Befehlsstab und trägt eine Rüstung mit einem roten Umhang darüber. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Ölgemälde auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Caratacus war ein keltischer König des Catuvellauni-Stammes der Briten und Anführer des antirömischen Widerstands und berühmt als Freiheitskämpfer. Acht Jahre lang widerstand er der römischen Invasion in Großbritannien ab dem Jahr 43 n. Chr. Acht Jahre lang war er der meistgesuchte Mann im Römischen Reich und wurde unerbittlich gejagt, von Kampf zu Kampf, von Festung zu Festung, in den Bergen von Wales, bis er wurde nicht verraten und im Jahr 51 n. Chr. von Cartimandua, der Königin der Yorkshire Brigands, an die Römer übergeben, an die er sich um Hilfe gewandt hatte. Besiegt wurde er mit seiner gesamten Familie in Ketten nach Rom gebracht: Vor den Kaiser gebracht, sprach der britische König mit solcher Weisheit und Stolz (mit der Rede, die Tacitus in seinen Annales berichtete), dass Claudius, beeindruckt von seinen Worten, die Gnade gewährte ihm, seiner Frau und seinen Brüdern und erlaubte ihnen, den Rest ihrer Tage in Rom zu verbringen. Das Gemälde zeigt den Moment von Caratacus‘ Schlussrede, in der Mitte der Szene liegt er in Ketten und vertritt inbrünstig seinen Fall vor dem Kaiser: Er sitzt auf seinem Thron, flankiert von seiner Frau und umgeben von Senatoren und Soldaten. Das Ende des 19. Jahrhunderts restaurierte und unterfütterte Gemälde weist leichte Schäden auf.

Ölgemälde auf Leinwand. Die vertikal entwickelte Landschaft sieht im Zentrum eine imposante architektonische Struktur in Ruinen vor, die von Unkraut überwuchert und mit nuancierten Farben und Merkmalen präsentiert wird, als ob sie ihre Dekadenz unterstreichen wollte. Vorne, im Vordergrund und gut abgegrenzt, einige ruhende Hirtenfiguren, während die Kühe grasen: Ein Hirte pfeift, der zweite sitzt, auf seinen Stock gestützt, und beobachtet den dritten, der sich, nachdem er sich nackt ausgezogen hat, darauf konzentriert Er wusch sich und streckte sich träge am Ufer des Wasserlochs aus. Auf der linken Seite ist ein Blick auf felsige Gipfel zu erhaschen, grau unter einem Himmel mit Morgendämmerungsatmosphäre. Das restaurierte und gerahmte Gemälde wird mit einem Leistenrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Toskanische Schule, 17. Jahrhundert. Der christlichen Überlieferung zufolge war die heilige Veronika die "fromme Frau", die, als sie sah, wie Jesus das Kreuz trug und sein Gesicht mit Schweiß und Blut beschmiert war, es mit einem Leinentuch abwischte, auf dem der Abdruck des Gesichts Jesu zurückblieb. Veronika erscheint ebenfalls in der Mitte des Gemäldes, während zwei Engel an den Seiten das Leinentuch halten, auf dem das mit Dornen gekrönte Antlitz Christi abgebildet ist; darunter fängt ein Kelch symbolisch das göttliche Blut auf, während über der Theta der Heilige Geist schwebt. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Komposition zeigt in der Mitte einen hängenden Hasen, flankiert von einigen Wachteln und einer Taube; auf der rechten Seite ein Weidenkorb mit Kastanien und Tannenzweigen; Auf der linken Seite ein Spargelstrauß und eine Vase mit bunten Blumen, deren helle und lebendige Farben einen chromatischen Kontrast zu den anderen Elementen bilden, alle in Braun- und Grautönen. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem umfunktionierten Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.