Tänzerin Bronzeskulptur von F. Messina Italien XX Jhd - Sitzende Tänzerin

Öl auf Leinwand. Die große Landschaftsverkürzung bietet den Blick auf einen von Berggipfeln umschlossenen See, die an den Comer See erinnern; im Vordergrund, am Hang, von dem aus man die Aussicht öffnet, eine Ecke des Gartens mit vergrabenen Blumen und Topfpflanzen, um einen farbigen Kontrast zu den dominierenden Blau- und Grüntönen zu schaffen. Das Gemälde hat einen kleinen Fleck auf der Rückseite. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Sant ' Ambrogio

Originales Ölgemälde auf Karton für die Herstellung des Buntglasfensters der Kirche von Viggiù (Varese), für das der Meister Aligi Sassu viele Werke angefertigt hat. Dieses Gemälde wurde von Alessandro Grassi, einem Glasmachermeister, signiert, der mit vielen italienischen und ausländischen Architekten und Künstlern zusammengearbeitet und die endgültige Arbeit in Zusammenarbeit mit dem Künstler realisiert hat. Das Gemälde zeigt den heiligen Ambrosius, den Schutzpatron Mailands, als er Kaiser Theodosius I., der sich vieler Verbrechen schuldig machte, als Christ den Eintritt in die Kirche verweigerte. Im Rahmen. 20. Jahrhundert.

Die verlassene Mühle Pofabbro 1928

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Weitere Signatur, Titel und Datum auf der Rückseite. Der 1872 in Venedig geborene Vittore Antonio Cargnel schrieb sich an der Akademie von Venedig ein, seine Ausbildung fand jedoch vor allem im Atelier von Cesare Laurenti, einem bekannten und geschätzten Maler mit symbolistischer Tendenz, und in der Beobachtung der Werke von Ciardi statt , Favretto und Nono. Er nahm an den ersten drei Ausgaben der Biennale von Venedig mit Werken teil, die zwischen dem Symbolisten und dem Intimisten lagen; später wurde seine Produktion, hauptsächlich Landschaft, besonders aufmerksam auf atmosphärische Schwankungen. 1910 zog er nach Sacile, wo er bis zur Niederlage von Caporetto blieb, um dann nach Mailand zurückzukehren, wo er bis zu seinem Tod 1931 blieb das Val Colvera in den Karnischen Voralpen, wo der Künstler seine letzten Lebensjahre verbrachte. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Marmittone heiratet 1950

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Kartusche der Galerie Ranzini in Mailand, die sich auf die persönliche Ausstellung des Künstlers im November 1950 bezieht und den Titel des Werkes angibt. Es ist ein originelles und ungewöhnliches Motiv des ligurischen Malers, der von einem ab 1928 im Corriere dei Piccoli veröffentlichten Comic inspiriert ist, der die Abenteuer des einfachen Soldaten Marmittone erzählt, eines Typs, der nicht zu hell, aber guten Willens ist, der aufgrund zu Entgleisungen oder einfach puren Unglück aus, endet im Gefängnis am Ende jeden Abenteuers auf. Noelquis Arbeit ist von phantastischer Art: Die beiden Protagonisten der Szene, Marmittone und seine Braut, werden von Figuren in Tieroptik flankiert, der Kontext wird mit geometrisch definierten Häusern mit einfachen Umrissen dargestellt, die Farben sind lebendig und fröhlich. Es wirkt fast wie die Illustration einer Kindergeschichte, die sich auf die Tätigkeit des Schriftstellers bezieht, auch von Märchen und Kurzgeschichten, in die sich Noelqui wagte. Noel Quintavalle (bekannt unter dem Pseudonym Noelqui), in Ferrara geboren, aber in Mailand aufgewachsen und künstlerisch ausgebildet, war ein vielseitiger Künstler. Er studierte Architektur und war Autodidakt in den Künsten, aber nach dem großen Krieg, an dem er aktiv teilnahm, profilierte er sich schnell und stellte in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus; inzwischen übte er auch die oben erwähnte literarische Tätigkeit aus, veröffentlichte verschiedene Bände (Satire, Märchen, kurze Kriegserinnerungen) und versuchte sich auch an Bildhauerei und Xylographie. Seine als Pointillisten begonnene Bildproduktion wurde dann von der Synthese der modernen Malerei beeinflusst. Am liebsten waren ihm das Porträt und die Landschaft. Die präsentierte Arbeit befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen mit einigen kleinen Mängeln.

Landschaft

Öl auf dem Tisch. Unten links signiert und datiert. Auf der Rückseite dieser Stempel "Domenico De Bernardi -Besozzo", zur Beglaubigung. De Bernardis Malerei ist Teil der lombardischen Landschaftstradition des 19. und 20. Jahrhunderts. Er lebte immer in Besozzo, seiner Heimatstadt in der Provinz Varese, aber er reiste viel in Italien und außerhalb Italiens, sammelte Eindrücke und suchte, um sie in seinen Werken wiederzuerleben, nach neuen Landschaften; insbesondere nahm er neue Anregungen von einer Reise nach Libyen in den dreißiger Jahren auf, von der er mit einer lebendigeren und mediterraneren Palette zurückkehrte. Landschaft war das Genre, das er bevorzugte, aber er fühlte sich auch oft mit ebenso bedeutsamen Ergebnissen von „Stillleben“ angezogen. Die hier präsentierte kleine Landschaft ist ein Blick auf Hügel, auf denen im Hintergrund höhere Gipfel hervortreten, vielleicht gerade die voralpinen Gebiete der Herkunft des Künstlers; ein kleines dorf füllt das zentrum der szene aus, in dem besonders die weit verbreiteten kornzäune auffallen. Die Arbeit wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Weiblicher Akt

Glasierte Terrakotta-Skulptur. Die Skulptur zeigt eine sitzende junge Frau, der jedoch Beine und Arme fehlen: Man erahnt die Sitzposition mit Abstützung auf den Armen, den Kopf nach oben gedreht, lächelnd, sich vom Licht erleuchten lassen. Ben ist Teil der reichen skulpturalen Produktion von Virgilio Audagna, die dem weiblichen Akt, der in mehreren Posen und Ausdrucksformen präsentiert wird, eine große Bedeutung verlieh. Der Bildhauer Virgilio Audagna hat sowohl große Denkmäler als auch kleinformatige Werke geschaffen. Er war nicht nur in Italien aktiv, sondern auch im Ausland, wo er sich oft aufhielt, und hatte auch die Möglichkeit, Modelle für Medaillen, sakrale und profane Themen zu bauen, um an zahlreiche Ereignisse zu erinnern. Neben seiner Tätigkeit als Bildhauer war er Zeichner und Maler.

Stoff aus Rinde und dekoriert. Hervorragendes Beispiel für Kunsthandwerk, das sich auf eine der ältesten Methoden bezieht, um Kleidung zu erhalten, ohne auf das Weben oder Weben zurückzugreifen, sondern die innere Rinde bestimmter Baumarten zu verwenden. Es ist eine Methode, die in Zentralafrika, Südostasien, Japan, Nordamerika und von Mesoamerika bis zu den Anden, dem Amazonas und dem Gran Chaco praktiziert wurde. Der Begriff Tapa bezeichnet insbesondere alle Rindenstoffe Ozeaniens, in Wirklichkeit handelt es sich jedoch um ein Wort, das von den Fidschi-Inseln stammt. Je nach Bereich , in dem diese Rinde Gewebe hergestellt werden, werden verschiedene Baumart verwendet: während in Afrika ist der Feigenbaum verwendet, in Indonesien und den pazifischen Inseln die am häufigsten verwendete Rinde ist , dass der Maulbeerbaum aus Papier, mit dem den höchsten Es werden hochwertige Stoffe hergestellt, die weiß bleiben und auf verschiedene Arten dekoriert werden können. Wenn der Rindenstoff früher täglich getragen oder sogar einfach um den Körper gewickelt wurde, wurde er im Laufe der Jahrhunderte durch Baumwolle ersetzt, aber heute wird er westlichen Stoffen für rituelle und zeremonielle Anlässe vorgezogen. Vor allem sind diese Stoffe nach wie vor wichtige Tauschgüter, wertvolle Geschenke bei Geburten, Geburtstagen, Hochzeiten (mit Austausch zwischen den Verwandten des Bräutigams und denen der Braut), Beerdigungen und zeremonielle Präsentationen an die königliche Familie. Hinzu kommt die Produktion, die vom florierenden Tourismusmarkt dieses Gewebes angetrieben wird. Die hier vorgestellte Tapa ist mit wiederholten geometrischen Motiven verziert, die an die Hütten und die Straße des Dorfes erinnern. Die Oberkante ist nicht gerade, sondern mit großen dreieckigen Rändern geformt. Es wird auf einer Platte montiert und in einem Plexiglasgehäuse verschlossen präsentiert.

Zitadelle 2001

Skulptur in Mischtechnik: Eisen, Holz und Fotografien. Ein international renommierter Designer, Pierluigi Rolando, studierter Textilingenieur und im Familienunternehmen vor allem in der Kaschmir-Textilindustrie etabliert, kreiert Kleidungsstücke, die er selbst als „Kaschmirskulpturen nach dem Vorbild des menschlichen Körpers“ definiert. Anfang der 1970er Jahre wechselte er mit Kollektionen für den aktiven Sport zum Design und trug zur Geburt der Fila bei. In seiner Freizeit wechselt er bildhauerische mit bildnerischen Interessen ab; er erfindet Figuren aus Styropor und Collagen aus Holz, Pappe und verschiedenen Materialien. Aber Skulptur ist seine große Leidenschaft immer: für 40 Jahre Kunst wurde „lebte hysterisch in der Freizeit“, aber seit 1993 hat Rolando gewählt , sich ihr zu widmen verschiedenen Materialien wie Terrakotta, Recycling - Eisen, Holz schlägt. verschiedene Themen, mit Fratzen mit angespannt und Leiden Ausdrücke, stark und karikiert Hände, Symbole der alten und Heldentaten einer fernen Epoche, Zeichen der Religionen und Mythologie. Seine visionäre Universum von Krieger, Führer und Kaiser bevölkert, Pferde Totems und . imaginäre Wesen seine Kunst ist suggestiv, märchen, verzaubert die Zitadelle hier vorgestellt, die auch diese Leidenschaft zum Ausdruck bringen sehr unterschiedliche Materialien zum Mischen, wurden nach dem tragischen Einsturz des Twin Towers von New York, im September 2001 erstellt: die beiden Türme, Symbole der Moderne, stehen noch intakt in einer verdrehten Metallplatte des Verfalls und des Verfalls, geschaffen durch eine verdrehte Metallplatte. Die Skulptur wird in einem Plexiglaskasten präsentiert.

Quadrat der Malerei, 1990

Acryl an Bord. Rückseitig signiert und datiert. Mit Authentifizierung auf handsigniertem Foto des Autors, mit Stempel der Galerie Verlato in Mailand. Die hier präsentierte Arbeit ist Teil der reichhaltigen Werkserie, die der Künstler Cristalli aufgrund des Verweises auf die Geometrien dieser Mineralien nennt, die er als Energie- und Lichtbehälter betrachtet. Auf einem dreidimensional geformten Brett mit asymmetrischen vorstehenden Punkten, die an die Struktur eines Kristalls erinnern, malt Jori Elemente, die aus dem Hintergrund hervortreten, mit chromatischen Entscheidungen, die sich alle auf denselben Bereich beziehen, aber mit unterschiedlichen Farbtönen, um die Reflexionen des Lichts nachzuahmen. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung.

Farbstifte auf Papier. Rechts unten signiert. Selbst mit den charakteristischen Nuancen und undefinierten Konturen verstärkt Pastorio in diesem Blick auf eine venezianische Calle mit den charakteristischen Gondeln die chromatischen Kontraste, indem er verschiedene helle und fröhliche Farben verwendet, die der Ansicht Vitalität und Leichtigkeit verleihen. Ezio Pastorio, ursprünglich aus Cremona, aber nach seinem Studium ins Valseriana verpflanzt, gilt als "ein großer italienischer Meister des 20. Jahrhunderts, der es verstand, die künstlerische Sprache der Landschaft zu erneuern und gleichzeitig eine starke Verbindung zur Malerei des 19. Jahrhunderts aufrechtzuerhalten". Seine Produktion ist postimpressionistisch, insbesondere in der großen Landschaftsproduktion, die die Ebenen von Po und Bergamo, die Lagune von Venedig und einige Pariser Einblicke zeigt, die auf einigen Reisen bewundert wurden. In seinen Werken schafft Pastorio suggestive Atmosphären mit unendlichen Farbpaletten, die harmonieren und manchmal sogar kontrastieren, aber immer als Transparenz präsentiert werden, die die Statik der Darstellung aufhebt, und mit einer Zartheit, die seine fromme Religiosität gegenüber der Natur und dem Geschaffenen zum Ausdruck bringt. Das aus einer Privatsammlung stammende Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Ligurischer Strand

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Es ist ein Blick auf die ligurische Riviera, in der Nähe einer Bucht, die von Häusern in Küstennähe überragt wird. Berto Ferrari, geboren und lebte immer in Ligurien, war ein erfahrener und sensibler Meeres- und Landschaftsmaler der postimpressionistischen Tradition, der die Schönheiten der ligurischen Riviera und zahlreiche Ansichten des Apennin-Hinterlandes malte. Das Gemälde weist Farbtropfen und Restaurierungsspuren auf. Es befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen.

Kinder bei der Arbeit

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Der veronesische Künstler schlägt eine Szene im Freien auf dem Hof vor dem Bauernhaus vor: Drei Mädchen, die auf dem Boden sitzen, sind darauf bedacht, die Weizenkörner einzusammeln, die am Stroh haften geblieben sind: Sie erheben ihren ernsten und zerknirschten Blick zu beobachten den Zuschauer ihrer Arbeit. Die Helligkeit der Szene sticht hervor, da sie von rechts kommt, wo die Sonnenstrahlen durchdringen und auf den bunten Kleidern der Mädchen widerhallen, während auf der linken Seite zwei hohe Pflanzen Schatten spenden. Der Künstler verwendet einen schnellen Pinselstrich mit einer leichten und schnellen Berührung, die für eine Freilichtmalerei oder Live-Malerei charakteristisch ist, die sich in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts verbreitete. Die Arbeit wird in einem Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.