V. Codazzi Attr. Öl auf Leinwand Italien XVII Jhd

Winterlandschaft mit Eisfiguren

Öl auf Leinwand. Flämische Schule des XVII-XVIII Jahrhunderts. Auf dem Rahmen befindet sich ein Etikett, das Thomas Heeremans zuschreibt (jedoch mit falscher Datierung). Die große Szene bietet eine dem niederländischen Territorium angemessene Winterlandschaft, die von einem zugefrorenen Kanal geprägt ist, in der Nähe eines Dorfes, bevölkert von zahlreichen Schlittschuhfiguren, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen: der Pferdeschlitten für den Personentransport, der Mann der die "Schubkarre" voller Holz schiebt, das Kind, das sich in sein Kästchen schiebt; andere Gestalten gehen auf dem Damm entlang des Kanals vorbei. Über allem hängt der graue und kalte Himmel eines Wintertages. Das Thema war das wiederkehrende in der Produktion des niederländischen Malers Thomas Heeremans, der hauptsächlich Winterlandschaften seines Landes malte, sie aufgrund des erzielten Erfolges mehrmals replizierte und zahlreiche andere Künstler zur Nachahmung veranlasste; Es wird daher angenommen, dass diese Arbeit auf einen Nachahmer der Heeremans und nicht direkt auf ihn zurückgeführt werden kann. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardisches Gebiet des späten achtzehnten Jahrhunderts. Die vier Leinwände zeigen Szenen aus Orlando Furioso, dem berühmten Epos von Ludovico Ariosto, das erstmals 1516 veröffentlicht wurde. Auf dem Rahmen, auf der Rückseite befinden sich handschriftliche Schriftzüge in altitalienisch, die den Titel der Szene und den Titel der Szene besagen sie geben die Referenz des Liedes und des Verses an. Alle vier Szenen stellen Episoden aus den ersten beiden Liedern des Gedichts dar und scheinen sequentiell zu sein. Die attributiven Titel sind die folgenden: 1- „Dieses Gemälde stellt diesen Paladin Galiardo (Rinaldo) dar, Sohn von Amone sig. di Monte Albano, der Ariosto in Gesang 1 bis Vers 12 beschreibt “: stellt den Moment dar, in dem Rinaldo zu Fuß seines Pferdes Baiardo sieht, wie Angelica aus dem Lager von Namo di Baviera im Wald entkommen ist. 2- "Dieses Gemälde stellt Angelica und Ferraù dar, als sie ihnen zu Hilfe kommt, was Ariosto in Gesang 1, Vers 14 beschreibt": Angelica, die vor Rinaldo flieht, trifft im Wald auf Ferraù, einen edlen sarazenischen Ritter, der ebenfalls in das Mädchen verliebt ist, der zur Flucht verhilft, indem er sich dem christlichen Ritter entgegenstellt. 3- „Dieses Gemälde stellt Rinaldo und Sacripante dar, die hinfallen, Angelica rennt vor ihrer Wut davon. Ariosto beschreibt es in Canto 2 Vers 10 ": Rinaldo und Sacripante kämpfen um die Liebe von Angelica, die inzwischen davonläuft. 4- „Dieses Gemälde zeigt Rinaldo und Sacripante in der Tat, als sie sich in Angelica verliebten und von einem Geist in Form eines Valletto gestoppt wurden. Ariosto beschreibt es in Gesang 2, Vers 15: „Während die beiden Ritter kämpfen, trifft Angelica auf einen Einsiedler, der mit einem Zauber einen Geist mit dem Aussehen eines Dieners heraufbeschwört, der das Duell zwischen den beiden Konkurrenten unterbricht. Die Gemälde gehören daher zu einem einzigen Bilderzyklus, der dem Ende des 18. Jahrhunderts zuzuordnen ist und der im Einklang mit dem neoklassizistischen Geschmack die Charaktere in klassischer Kleidung darstellt - Krieger, die als antike Soldaten gekleidet sind, Angelika, gekleidet in eine römische Tunika, Schuhe und Armband - , aber eingefügt in eine Landschaft Norditaliens, einen schattigen und dichten Wald. Der Orlando Furioso hatte die Besonderheit, das mit der Liebe verbundene kriegerische Thema vorzuschlagen (insbesondere wurde die Liebesgeschichte zwischen Angelica und Medoro bevorzugt, die Gegenstand zahlreicher Werke von Künstlern aller Jahrhunderte wurde) und erlangte große Popularität und Erfolg: zahlreich waren seine Darstellungen in allen Bereichen der bildenden Bildkunst, in eleganten Fresken, Gemälden, Keramiken, sogar Apothekergläsern, Tassen, Medaillen, Pendeln, Kandelabern. Sie begann im emilianischen Land, der Heimat des von Ariosto für Kardinal Ludovico D'Este geschaffenen Gedichts, bis zu den Medici-Höfen in der Lombardei, wo später in zahlreichen Palästen und Herrenhäusern Ariosts Bilderzyklen ausgeführt wurden. Die Leinwände werden in vergoldeten Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Laut rückseitigem Etikett wurde das Gemälde auf der „Venezianischen Barockmalerei-Ausstellung“ von 1943 mit dem Titel „Im Hafen bei Sonnenuntergang“ und der Zuschreibung an Marco Ricci präsentiert. Die Zuschreibung kann durch die exekutive Fähigkeit motiviert sein, die es schafft, durch schnelle und lockere Pinselstriche die natürliche Realität der stürmischen See mit Sensibilität vollständig wiederzugeben. Siehe diesbezüglich die ähnlichen Bilder, die Rodolfo Pallucchini im Artikel „Studi ricceschi: Beitrag zu Marco“ veröffentlicht in der Zeitschrift Arte veneta (Bd. IX, 1955) veröffentlicht hat. Riccis Landschafts- und Meeresinszenierungen (die allerdings nicht seine umfangreichste Produktion waren) sind geprägt von kraftvollen und emotionalen Lichtern, von vertrockneten und verkrümmten Bäumen, Felsen und Türmen, Kumuluswolken, die sich plötzlich in vagen Blaublitzen auflösen, schäumenden Wellen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verklärt, in die auch der Mensch als integrales Element eingefügt ist. Auch in diesem Gemälde finden wir diese hochdramatischen, aber gleichzeitig szenografischen Elemente, mit einigen menschlichen Figuren, drei Männern auf einem kleinen Boot im Vordergrund, die kaum vom Meer und den sie umgebenden Felsen zu unterscheiden sind, sowie der Schiff auf der linken Seite sinkt vom Meer verschlungen. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Liebe und Psyche

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene bezieht sich, mit einigen Variationen, aber sehr nahe an der Größe, auf einen Teil des großen Freskos mit dem Titel "Banchetto degli dei" in der Amorkammer (oder Amor- und Psychekammer) des Palazzo Té in Mantua, einer großen Darstellung von über neun Meter von Giulio Romano mit seiner Werkstatt im 16. Jahrhundert. Die vorgeschlagene Szene (die sich in Mantua rechts vom großen Bankett befindet) sieht Amor und Psyche auf einem Triklinium liegen, während eine kleine geflügelte Figur sie mit Lorbeer krönt und zwei Nymphen Amors Hand waschen; rechts im Hintergrund opfert eine Gruppe Satyrn dem Altar einer Gottheit eine Ziege, während in der Mitte in der Ferne eine Stadt brennt. Das Bankett der Götter ist der letzte Moment des Mythos der zwei Liebenden, die nach vielen Prüfungen und Wechselfällen die Erlaubnis der Venus zur Eheschließung erhalten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Wild jagen

Öl auf leinwand. Die szene spielt sich in einer waldreichen landschaft, in der ruinen-architektur, konzentriert sich auf die bewegte und reiche gruppe von figuren, jäger, kleidung der form von reiter, bewaffnet mit schwertern und speeren und mit hilfe der hunde, beschädigung der endgültige schlag zum hirsch jetzt die verwundeten und sterbenden. Das große format unterstreicht die bauherrschaft wichtig, unterstrichen auch durch die verbindung zu bild ähnlich. Der stil verweist auf die malerei der nord-west-deutsch; bilder von diesem format und dieser menschen, die oft paarweise, sie waren weit verbreitet in den kleinen burgen der region piemont und der lombardei zum beispiel im inventar von 1739 im schloss Orio Canavese nördlich von Turin) beschrieben sind, in der zentralen halle, "zwei bilder grosse bislonghi rapresentanti zwei jagd ein Hirsch, und die andere Wildschwein ohne rahmen", dann finden sich nach weiteren verkäufe, die in anderen inventaren. Restauriert und ritelato. Präsentiert in einem rahmen in der art.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule. Die dargestellte reiche Dame wird von der identifizierenden Inschrift oben rechts begleitet, auf der "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478" steht. Es handelt sich also um Eleonora Lampugnani, die Frau von Bartolomeo Del Corno. Die Familie Lampugnani ist eine alte Patrizierfamilie aus Mailand (der Name leitet sich vom Bezirk Lampugnano ab) mit Wohnsitzen in Legnano und Busto Arsizio, der Filippo Maria Visconti (Herzog von Mailand) im 15. Jahrhundert das Lehen von Trecate zuwies. Der Ehemann der Adligen gehörte stattdessen zur adeligen piemontesischen Familie Corno (ursprünglich Del Corno genannt). Die Adlige wird stehend in einem prächtigen Kleid dargestellt, das reich bestickt und mit Spitze verziert ist. es ruht seine Hand auf einer kostbaren, in Elfenbein eingelegten Schachtel, wahrscheinlich einem Münzschrank, einem Symbol für Reichtum und Macht, überragt von einer Vase mit Blumen, eher einem Symbol für Eitelkeit. Das Gemälde hat eine alte Restaurierung an den Händen, die von geringerer Qualität sind als das Gesicht, die Kleidung und das Glas. Das Gemälde stammt aus einer alten lombardischen Sammlung. Das Datum 1478, das mit der Inschrift angegeben ist, stimmt nicht sehr mit der Kleidung des 16. Jahrhunderts überein: Nach der Geschichte der Herkunftsfamilie des Gemäldes war das Datum, das vor der letzten Restaurierung erschien, 1578, und daher wäre es eine Änderung versehentlich vom Restaurator.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Es ist eine lustige allegorische Szene profaner Liebe, die zeigen soll, wie alle Menschen jeder sozialen Klasse und jeden Alters in die Falle des Verliebens geraten können. Auf dem Hintergrund der Leinwand befindet sich ein riesiges Keepnet, das Korbnetz, das bei einigen Arten des Fischfangs verwendet wird und über dessen Mund ein Putto-Geiger sitzt, der spielen will. Die Falle ist voller Paare, während eine Parade anderer an ihr vorbeigeht, um ihren Eingang zu erreichen. Unter ihnen sind Paare von älteren und jungen Menschen, Paare von Arm und Reich, Adlige, Bourgeois und Proletarier: Alle haben einen glücklichen und leichten Ausdruck, schauen sich verliebt an oder schauen freundlich auf das Glück anderer. Im Topf befinden sich sogar einige Royals, die in Merkmalen und Kleidung dem Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes, Giovanni Guglielmo aus der Pfalz-Neuburg und seiner zweiten Frau Anna Maria Luisa de'Medici entsprechen. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich ein Etikett mit einer historischen Zuschreibung an Jan Frans Douven (1656-1727): Der niederländische Künstler, der ab 1682 als offizieller Maler am Hof des Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes nach Düsseldorf zog und hauptsächlich schuf Szenen des täglichen Lebens des Prinzen und seiner zweiten Frau. Das Etikett würde daher den Zuschreibungsbereich eines nordeuropäischen Künstlers aus dem 17.-18. Jahrhundert bestätigen. Das Gemälde stammt aus einer historischen Mailänder Sammlung. Es hat Spuren von Restaurationen und einen Patch. In einem stilvollen Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Es ist das stehende Porträt eines Mannes in Rüstung, in einer stolzen Haltung, fast in Bewegung, seine Hand ruht auf dem Griff seines Schwertes; oben links ein Wappen; unten rechts eine bemalte Kartusche mit einer langen lateinischen Schrift, die den Mann identifiziert. Er ist Bartolomeo III. Olevano, der zur mächtigen Familie der Olevano-Adligen gehört, Feudalherren zahlreicher Städte in Pavia und Lomellina (wo ihre Burg noch existiert), die bis zum 18. eine große Stimme in den Ereignissen von Pavia und seiner Landschaft hatten Jahrhundert. Bartolomeo III., Geboren 1512, widmete sich vierzig Jahre lang der Kriegskunst und führte zahlreiche und hoch angesehene Taten aus. Er war Präfekt von Mortara und Novara während der Herrschaft Karls V., des Soldatenmeisters und Botschafter Philipps II. Seine wichtigsten Errungenschaften sind in der Kartusche zusammengefasst: Eine Übersetzung des Textes liegt vor. Das abgebildete Wappen zeigt links den Olivenbaum, nach dem die Familie benannt wurde. Das Gemälde stammt aus einer bedeutenden lombardischen historischen Familiensammlung.

Jesus vor Kaiphas

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde basiert auf dem Werk des niederländischen Meisters Gerrit Van Honthorst, das 1617 entstand und heute in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Der gebürtige Niederländer van Honthorst kam kurz nach dem Tod von Caravaggio nach Rom, dessen Stil er assimilierte, was ihm den Spitznamen „Gherardo delle Notti“ einbrachte. In Rom war der Künstler bei der Familie Giustiniani zu Gast, die das Werk für seine Privatsammlung in Auftrag gab, wo es bis 1804 verblieb. Zunächst in die Sammlung Bonaparte nach Paris gebracht, gelangte es nach weiteren Besitzerwechseln schließlich 1922 nach London. Das Gemälde erzählt die dramatische Episode der Begegnung zwischen dem Priester Kaiphas und Jesus während seiner Hingabe. Der gesamte obere Teil ist von Dunkelheit eingenommen: Die Leere, das Nichts, lenkt die Aufmerksamkeit auf die beiden Protagonisten und auf das Drama, das sich entfaltet. Die Szene ist sehr statisch, fast eingefroren in einem präzisen Moment, der anklagenden Handlung des Priesters gegen Christus, was die Intensität des zutiefst schmerzhaften inneren Dramas unterstreicht. In der Szene sitzt Kaiphas links am Tisch, auf dem das Buch des jüdischen Gesetzes liegt, und hebt in anklagendem Ton den Finger; Jesus steht rechts, mit gefesselten Händen, in demütiger Haltung. In der Mitte eine Kerze, die einzige Lichtquelle, die als Bindeglied zwischen dem Gesicht von Kaiphas und dem von Jesus fungiert, die sich in einem Blickspiel entlang einer diagonalen Linie begegnen und deren Ausdruck durch das künstliche Licht gnadenlos unterstrichen wird. grotesker Kontrast und wütend das des Priesters, leidend, aber leuchtend und komponiert das von Christus. Im Hintergrund stehen hinter den beiden Protagonisten die Figuren weiterer Hohepriester. Sie sind nur Schatten in der Dunkelheit, die auf ihr Urteil warten, und ihre Gesichter sind in Dunkelheit gehüllt, was die Spannung erhöht. Im Kontrast von Licht und Schatten, in der Intensität der Blicke ist die Caravaggeske Prägung deutlich zu erkennen. Die hier vorgeschlagene Leinwand, etwa halb so groß wie das Original, aber treu in ihren stilistischen und interpretativen Formen, wurde wahrscheinlich in kleineren Größen von denen in Auftrag gegeben, die das Original im Palazzo Giustiniani geschätzt hatten. Es wurde im 19. Jahrhundert restauriert und neu ausgekleidet. Einige Namen sind auf der Rückseite geschrieben, was auf den Besitz hinweist. Stilrahmen.

Öl auf Leinwand. Emilianische Schule. Die großen Gemälde stammen aus der Mischung eines Werk von Guido Reni (1575-1642), „Jungfrau Maria an der Nähschule“, jetzt verloren , aber für die Werkstatt Kopien und Stiche bekannt, und eine andere Version, unvollendet gelassen. Von Reni selbst und dann von Gianandrea Sirani (1610-1670) abgeschlossen, jetzt in der Eremitage in Petersburg aufbewahrt: der Kunsthistoriker Massimo Pulini hat sich gut über diese zweite Version und die Endbearbeitung von Sirani geschrieben, in Artikel „Gianandrea Sirani Maler von Rezitativen und Vollender des unfertigen Reniani " Die hier vorgestellte Arbeit bezieht sich auf die Version von Sirani in der Komposition, die die gesamte Szene der an der Schule teilnehmenden weiblichen Figuren einnimmt, zu der der kleine Hund unten hinzugefügt wird (jedoch von links nach rechts verschoben), während die Version von Reni im wesentlichen bezieht sich auf die Präsenz auf der rechten Seite des Mädchens von ihrer Mutter begleitet. Darüber hinaus erscheint in dieser Arbeit ein völlig neues Element, das diese Leinwand zu einer zusätzlichen Version macht: das Vorhandensein der Landschaft, die sich im Hintergrund in der Mitte öffnet und zwischen den beiden schweren Vorhängen eingerahmt ist. Die Arbeit wurde restauriert und unterfüttert. Es wird in einem Rahmen aus dem 18. Jahrhundert präsentiert, restauriert und angepasst.

Erminia unter den Hirten

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Leinwand erzählt eine Episode aus der Gerusalemme Liberata von Torquato Tasso, in der die junge Erminia, Prinzessin von Antiochien, die heimlich in Tancredi verliebt ist, Zeuge der Verwundung ihres Geliebten in einem Duell wird. Getrieben von der Liebe trägt sie deshalb die Waffen der Kriegerin Clorinda, ihrer engen Freundin, und zieht nachts aus, um ihren geliebten Tancredi zu erreichen und ihn zu heilen. Doch im christlichen Lager erhellt sie ein Mondlicht und wird von den Posten mit Clorinda verwechselt, sodass sie zu einer hastigen Flucht gezwungen wird: So geschieht es in einem Dorf, das von Hirten bewohnt wird, die fernab des Krieges in einer idyllischen Gegend leben , wo sie bittet und bekommt, für einige Zeit beherbergt zu werden, in der (vergeblichen) Hoffnung, ihre unglückliche Liebe zu vergessen. Das bereits Carlo Loth zugeschriebene Werk lässt sich eher auf das Schaffen von Louis Dorigny zurückführen, dem Pariser Maler, der lange in Italien, in Rom, in Venedig und schließlich endgültig in Verona lebte, wo er aber zahlreiche Aufträge von Veronese erhielt auch von Auftraggebern, Venezianern und Langobarden, die seine Tätigkeit als Freskenmaler von Bergamo bis Udine ausdehnten. In Verona gingen die Vorlieben auf dem Gebiet der Malerei seit Anfang des Jahrhunderts in Richtung einer komplexen klassizistischen Sprache in der Komposition, aber ruhig und elegant, selbst in den großen dekorativen Werken. Dorigny entspricht diesem Gemälde, der in diesem Gemälde den ausgewogenen Klassizismus von Simon Vouet (dessen Enkel er war) mit dem in Rom erlernten Hell-Dunkel und der ruhigen venezianischen Eleganz verbindet. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule des achtzehnten Jahrhunderts. Die Szene, die sich in der Nähe des Meeres befindet, wird von einem großen Komplex architektonischer Ruinen mit Statuen, Bögen, hängenden Gärten und zahlreichen Figuren von Bürgern dominiert, die verschiedenen Aktivitäten nachgehen. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem antiken Rahmen.