Antikes Gemälde Grassaftmalerei aus Samt '800 Mythologische Szene - Mythologische Szene

Blick auf die Küste

Aquarell auf Papier. Unten rechts signiert. Salomon Corrodi etablierte sich als Landschaftsmaler und schuf eine umfangreiche Produktion von Ansichten vor allem der römischen Landschaft, aber auch der Amalfiküste, Neapel und der ligurischen Riviera, die in ganz Europa großen Erfolg hatte. Er bevorzugte die Aquarelltechnik. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Stillende Ziege 1854

Öl auf Karton, auf Leinwand aufgetragen. Unten rechts signiert und datiert. Filippo Palizzi, der in „Tiermaler“ umbenannt wurde, erneuerte die neapolitanische Malerei des 19. Jahrhunderts, indem er sich dem Studium des Lebens widmete, vor allem der bescheidensten Themen und Tiere der bäuerlichen Umgebung, und Werke von intensivem Realismus schuf, die jedoch von einer intimen poetischen Intonation durchdrungen waren . Er zeichnete sich vor allem durch die sorgfältige Akribie der Details der dargestellten Personen aus, eine Fähigkeit, die auch in diesem kleinen, in seiner Einfachheit lebendigen Bild zu finden ist: Die kleine Ziege scheint den Betrachter im Auge zu behalten, fast aus Angst vor dem Sein ist gestört, während ihr Welpe sie frisst; Rundherum ist eine Blumenwiese und eine Hecke angelegt, um eine ruhige und leuchtende Atmosphäre zu schaffen, mit dem sorgfältig gestalteten weißen Vlies, das sich vom Grün der Natur abhebt. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf dem Tisch. Die malerische Landschaft hat im Vordergrund rechts einen breiten Weg, der sich zwischen Wedeln und grünen Wiesen windet, auf denen Herden grasen; Eine kleine Bauernfamilie geht den Weg entlang, alle mit Warentransport beschäftigt: Sogar das Mädchen trägt ein großes Bündel auf dem Kopf, während die Mutter mit ihrem neugeborenen Sohn den Korb auf die gleiche Weise trägt! Im Hintergrund breitet sich die Ebene weit aus, um zu den fernen Hügeln und in den klaren und dünnen Himmel zu verblassen, der ein fast rosafarbenes Licht abgibt. Der Tannentisch des Gemäldes wurde restauriert und parkettiert. Die Arbeit wird in einem Rahmen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Leinwand. Es ist höchstwahrscheinlich eine bildliche Darstellung einer tragischen antisemitischen Episode. Rechts sieht ein Soldat in russischer Uniform, verwundet heimkehrend, die dramatische Szene der ermordeten Familie vor Augen, die der Rabbiner im Gebet beobachtet. Das zerrissene Fenster und die durchwühlten Schubladen weisen auf den gewaltsamen Überfall der Killer hin. Links vom Spiegel finden wir eine hebräische Inschrift, die auf den Ort oder die Spur hinweisen könnte, die der Künstler vorschlägt. Das Wort könnte als "Ciro" übersetzt werden und könnte sich auf das Gebiet von Georgien und Aserbaidschan beziehen, das von der Kura durchquert wird, einem Fluss, der von der Türkei in das Kaspische Meer mündet und im 19. Jahrhundert genau als Ciro bekannt war. Das Gemälde, restauriert und unterfüttert, wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Das Astrea-Schiff 1904

Gouache auf Papier. Unten rechts signiert und datiert 1904. Links der Name des Schiffes. Antonio De Simone gehört zur Kategorie der marinistischen Meister, eine Kategorie, die seit dem 16. Jahrhundert geboren wurde und in den Staaten großer Seefahrertraditionen, von Holland bis England, von Frankreich bis Spanien in Italien und fast überall im Rest des Landes, große Leidenschaft hatte auf dem europäischen Kontinent. nehmen , da alles unter Seefahrt Leben zu tun. Die höchste Popularität dieses Kunstgenres wurde im neunzehnten Jahrhundert erreicht und dauerte bis in die 1940er Jahre, in der letzten Periode des Segelns und dem Aufkommen von Dampfschiffen. In Italien schufen die Künstler der kampanischen und ligurischen Mal- und Meeresschule viele Gemälde, von denen einige sogenannte "Schiffsporträts" sind: Zu dieser Gruppe gehört die Produktion der neapolitanischen Brüder De Simone, die sich genau auf die Portraits von wichtigen und berühmten Luxusschiffen, sowohl Segel- und Dampfschiffen. Die Gouache wird in einem Rahmen dargestellt

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 19. Jahrhunderts. Der romantische Geschmack durchdringt diese nächtliche Landschaft, erleuchtet vom Licht des Vollmondes, kaum verschleiert von zerstreuten dünnen Wolken; Auf dem Feldweg, der entlang eines reißenden Flusslaufs verläuft, sind zwei Gestalten von Wanderern zu sehen, ein Kind hält eine Frauenhand. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen vom Ende des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Männliches Porträt im Profil

Öl auf Karton. rechts unten signiert, mit Widmung "an Freund G. Rutelli". Angelo Dall'Oca Bianca stammt aus einfachen Verhältnissen, auch nachdem er ein etablierter und geschätzter Künstler geworden war, der das künstlerisch-kulturelle Umfeld Italiens und des Auslands frequentierte, blieb er stets mit seiner Stadt verbunden, die eine ständige Inspirationsquelle für seine künstlerische Produktion und für sein künstlerisches Schaffen war es ist arm; 1939 baute er das Dorf Dall'Oca in Verona zugunsten der Armen der Stadt, und 1941 machte er ein Testament, in dem er sein gesamtes Geld und seine Gemälde der Stadt Verona für wohltätige Zwecke hinterließ. Seine Malerei war immer rein realistisch, beeinflusst vor allem durch den Kontakt zu Giacomo Favretto, der es ihm ermöglichte, seine Maltechnik mit leuchtenden Farben und einem großen und dampfenden Stil zu bereichern, und durch die Verwendung der Fotografie als Gedächtnis für die Darstellung von Wahrheit. . Die Arbeit, ein Porträt einer männlichen Figur im Profil, ist lebhaft in den Farben. Präsentiert wird es in einem stilvollen Rahmen.

Öl auf dem Tisch. Italienische Schule der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Gemälde, eine Girlande aus bunten und bunten Blumen, greift wirkungsvoll die Bildsprache des 17. Jahrhunderts auf. Das Holz hat große Öffnungen und Einschnitte an den Fugen der Bretter. Das Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Vase, römische Ausgrabungen, 1860

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Auf dem Rahmen befindet sich ein Stempel aus einer bedeutenden Privatsammlung. Die Arbeit schlägt eine Komposition aus einer Amphore und einer bemalten Keramikplatte vor, die rechts von Rosen umgeben ist. Der Mailänder Maler und Dekorateur Luigi Scrosati besuchte zunächst die Brera-Akademie, die er bald aufgab, um sich zahlreichen Auslandsreisen, insbesondere nach Paris, zu widmen. Bereits seit Beginn seiner Tätigkeit, in den 1940er Jahren, arbeitete er als Stilllebenmaler, der stark von französischen Vorbildern, insbesondere der Lyoner Schule, beeinflusst war. Neben der Staffelei- und Aquarellproduktion, die von der Spezialisierung auf Blumenstillleben dominiert wurde, war Scrosati sehr aktiv als Innenarchitekt, oft in Teamarbeit mit Architekten und Projektmanagern, aber immer mit beträchtlicher Autonomie und einem charakteristischen Stil , im Wesentlichen eklektisch und zielt auf eine Neuinterpretation der Stile der Vergangenheit ab. Das Debüt in diesem Bereich gegen Ende des Jahres 1842 besteht aus einem Freskenzyklus in der Residenz San Fiorano (LO) von Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, für den Scrosati einen gotischen Raum, ein Rokoko-Wohnzimmer und einen kleinen Eingang ausschmückte Abteil. Seine Fresken sind in zahlreichen Villen in und um Mailand zu finden, Werke, in denen sich Scrosati auf die Stile der Vergangenheit bezieht und Anregungen des 18. Jahrhunderts, aber auch des Barock wieder aufgreift. Die Dekorationen zuerst im Kabinett von Dante und dann in anderen Räumen im Palazzo Poldi Pezzoli in Mailand (heute Sitz des gleichnamigen Museums) waren statt neumittelalterlichen Geschmacks, hergestellt mit dem Bertini-Team, zu dem Scorsati gehörte. Die Krankheit, die Scrosati 1857 an den unteren Gliedmaßen befiel und ihn krank machte, hinderte ihn wahrscheinlich daran, seine Tätigkeit als Dekorateur fortzusetzen, und zwang ihn, auf die florale Staffeleimalerei zurückzugreifen, was ihn dazu veranlasste, Blumenstillleben, aber auch Porträts zu schaffen oder gefälschte Basreliefs mit Blumengirlanden oder sogar Interieurs und Genreszenen, in denen er von der deutschen und Wiener Produktion des Biedermeiertyps und der französischen Produktion der Lyoner Schule beeinflusst wurde. 1862 wurde Scrosati beauftragt, einen neuen Ornato-Kurs an der Brera-Akademie zu leiten, mit besonderem Bezug auf Blumenmalerei und Beziehungen zur Industrie, ein Kurs, der von der Braidense-Institution eingerichtet wurde, um die bereits blühende Schule der Ornamentmalerei zu erweitern. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Epilog der großen Schlachten zwischen Alexander dem Großen und dem persischen König, die Episode von Plutarch erzählt erzählt , wie im Gesicht von Alexander unaufhörlichen Fortschritt, eine Revolte zwischen den persischen Reihen ausbrach, was Darius vertraute Männer führte ihn gefangen zu nehmen und dann ihn zu erstechen, als sich die griechische Armee nähert. Dario konnte den rivalisierenden Eroberer nicht sehen, aber bevor er starb, traf er Polistrato, einen griechischen Soldaten, der an sein Bett eilte und ihm etwas Wasser reichte; Dario bat ihn dann um Menschlichkeit und Gnade für seine Familie und seine sterblichen Überreste. Restauriert und unterfüttert, das Gemälde ist in gutem Zustand. Gerahmt.

Die Ankündigung an die Hirten

Ölgemälde auf Leinwand. Die Szene beginnt mit einer großen nördlichen Landschaft bei Nacht: Darin schlafen verschiedene Hirtenfamilien mit ihren Tieren; Am Himmel öffnet sich ein lichtdurchfluteter Spalt, aus dem die verkündenden Engel herausschauen. Der Verweis auf den evangelischen Moment der Ankündigung der Geburt Jesu durch die Engel an die Hirten von Bethlehem ist daher offensichtlich, wenn auch in einem europäischen Kontext platziert. Intensives goldenes Lichtspiel, das die in die Dunkelheit der Nacht gehüllten Figuren beleuchtet, insbesondere die Herde im Vordergrund in der Mitte und ihren Hirten, der auf der rechten Seite sein Gesicht in einer geraden Linie nach oben wendet, die sich mit dem Arm von verbindet der Engel, der zur Erde ragt. Das Gemälde wurde bereits restauriert und neu unterfüttert. Es weist einige Schmutzflecken auf, die gereinigt werden müssen. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem Ende des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Holzbrett. Nordeuropäische Schule des 16.-17. Jahrhunderts. Der traditionellen Ikonographie zufolge wird der Heilige dargestellt, wie er alleine meditiert, an einem offenen Ort, die Bibel lesend, vor dem Kruzifix, mit dem Schädel neben sich; Allerdings ist die Szene nicht in einer Wüste, sondern in einer nordischen Landschaft angesiedelt, reich an Vegetation, mit einer architektonischen Struktur im Hintergrund auf der linken Seite. auch charakteristisch für Nordeuropa. Das Werk wird stilvoll in einem Holzkastenrahmen mit vergrößertem Sockel präsentiert.