Kunst

Alte malerei

Preis

200 € 18000 € Anwenden

dimensioni opera


25 cm 226 cm

26 cm 210 cm

1 cm 9 cm

13 cm 52 cm
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Kunst

Alte malerei

Landschaften, stillleben, porträts, gesichter, personen, heilige, einblicke und ausblicke von italienischen und internationalen künstlern: in diesem abschnitt werden alle werke Alte Malerei finden sie in unserem katalog.

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Allegorie der Liebe
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Allegorie der Liebe

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Allegorie der Liebe

Ölgemälde auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Es ist eine lustige allegorische Szene profaner Liebe, die zeigen soll, wie alle Menschen jeder sozialen Klasse und jeden Alters in die Falle des Verliebens geraten können. Auf dem Hintergrund der Leinwand befindet sich ein riesiges Keepnet, das Korbnetz, das bei einigen Arten des Fischfangs verwendet wird und über dessen Mund ein Putto-Geiger sitzt, der spielen will. Die Falle ist voller Paare, während eine Parade anderer an ihr vorbeigeht, um ihren Eingang zu erreichen. Unter ihnen sind Paare von älteren und jungen Menschen, Paare von Arm und Reich, Adlige, Bourgeois und Proletarier: Alle haben einen glücklichen und leichten Ausdruck, schauen sich verliebt an oder schauen freundlich auf das Glück anderer. Im Topf befinden sich sogar einige Royals, die in Merkmalen und Kleidung dem Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes, Giovanni Guglielmo aus der Pfalz-Neuburg und seiner zweiten Frau Anna Maria Luisa de'Medici entsprechen. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich ein Etikett mit einer historischen Zuschreibung an Jan Frans Douven (1656-1727): Der niederländische Künstler, der ab 1682 als offizieller Maler am Hof des Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes nach Düsseldorf zog und hauptsächlich schuf Szenen des täglichen Lebens des Prinzen und seiner zweiten Frau. Das Etikett würde daher den Zuschreibungsbereich eines nordeuropäischen Künstlers aus dem 17.-18. Jahrhundert bestätigen. Das Gemälde stammt aus einer historischen Mailänder Sammlung. Es hat Spuren von Restaurationen und einen Patch. In einem stilvollen Rahmen.

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Vier Porträts von König Condottieri
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Vier Porträts von König Condottieri

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Vier Porträts von König Condottieri

Ölige Tempera auf Leinwand. Norditalienische Schule. Es wird angenommen, dass die vier großen Werke Teil des dekorativen Apparats eines großen Palastes waren. Die angewandte Technik - eine auf Leinwand aufgetragene fettige Tempera mit sehr leichter Vorbereitung und eine schnelle Schraffur ohne genaue Bezüge der Figuren - unterstreicht die schnelle Ausführung, die darauf abzielt, in kurzer Zeit Werke für rein dekorative Zwecke zu erhalten. Die vier großen Porträts zeigen die Gestalten von Königen, erkennbar an verschiedenen königlichen Attributen (Kronen, Zepter, Königsmantel), aber als Anführer dargestellt, also mit Rüstung und/oder Waffen. Die Besonderheit besteht darin, dass die Charaktere verschiedenen Epochen und geographischen Ursprüngen angehören, als ob sie den großen königlichen Persönlichkeiten der Geschichte huldigen wollten. Die Identifizierung der Charaktere ist nicht sicher, obwohl einige Namen vermutet werden können: der König mit der Krone aus schlechtem Metall, aber mit sehr spitzen Höckern, der ein Schwert mit einem Griff in Form eines Vogelkopfes hält und mit ein Mantel aus grobem Stoff und ein einfacher Kürass, aus dem Pelzelemente sprießen, könnte Attila, der König der Hunnen, sein; die orientalische Figur mit edelsteinbesetztem Turban könnte ein osmanischer Sultan wie Suleiman sein; der Krieger mit der charakteristischen Rüstung des antiken Griechenlands mit dem von einem Drachen bekrönten Helm und dem reich mit Friesen verzierten Brustpanzer könnte Alexander der Große sein; schließlich der junge König in voller Plattenrüstung und mit dem gekrönten „Hut von Waffen“ Helm, in dem späten Mittelalter verwendet, bezieht sich auf ein 15. Jahrhundert Herrscher, den die Kette mit dem Reichsadler Orte in einer der Familien Royals , abgeleitet von das Heilige Römische Reich. Die vier Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigen Restaurierungs- und Ergänzungsspuren, mit einigen kleinen Flecken auf der Rückseite. Sie stammen aus einer historischen Bologneser Sammlung. Sie werden in gestylten Rahmen präsentiert.

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Wehklage über den toten Christus
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Wehklage über den toten Christus

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Wehklage über den toten Christus

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalien Schule. Eingebettet in eine Landschaft der Spätrenaissance ist die Komposition der Figuren nach einer aufsteigenden Diagonale nach links angeordnet und endet genauer mit den drei Kreuzen auf Golgatha in der Ferne; Im Zentrum steht der Leib Christi, der zwar auch schräg ausgestreckt ist, hinter dem drei Figuren, Johannes, Maria in der Mitte und eine fromme Frau, die einzige, die in Kleidern aus dem 17. Jahrhundert abgebildet ist und wahrscheinlich eine Person darstellt, die dem Klienten nahe steht. Das Werk kann in die lombardisch-venezianische Kulturproduktion der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts gestellt werden, genauer gesagt in die Bildaktivität, die zwischen Brescia, Garda und Verona blühte und in den manieristischen Wegen von Giovanni Demio (1500-) einen maximalen Ausdruck fand. 1570 ca). Insbesondere finden sich einige Elemente in der Arbeit, insbesondere in den Formen von Kleidung und Posen (zum Beispiel von San Giovanni), die sich auf Modelle der Raphaelesque-Form beziehen, die dank der Vermittlung von Graveuren wie Marcantonio Raimondi (1480 - 1480 -) weit verbreitet sind 1534 ca), die auf die Verbreitung der Werke des Meisters beigetragen. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wurde umfassend renoviert. Es wird in einem antiken Rahmen aus dem 17. Jahrhundert neu gestrichen.

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Porträt von Eleonora Lampugnani
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Porträt von Eleonora Lampugnani

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Porträt von Eleonora Lampugnani

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Die dargestellte reiche Dame wird von der identifizierenden Inschrift oben rechts begleitet, auf der "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478" steht. Es handelt sich also um Eleonora Lampugnani, die Frau von Bartolomeo Del Corno. Die Familie Lampugnani ist eine alte Patrizierfamilie aus Mailand (der Name leitet sich vom Bezirk Lampugnano ab) mit Wohnsitzen in Legnano und Busto Arsizio, der Filippo Maria Visconti (Herzog von Mailand) im 15. Jahrhundert das Lehen von Trecate zuwies. Der Ehemann der Adligen gehörte stattdessen zur adeligen piemontesischen Familie Corno (ursprünglich Del Corno genannt). Die Adlige wird stehend in einem prächtigen Kleid dargestellt, das reich bestickt und mit Spitze verziert ist. es ruht seine Hand auf einer kostbaren, in Elfenbein eingelegten Schachtel, wahrscheinlich einem Münzschrank, einem Symbol für Reichtum und Macht, überragt von einer Vase mit Blumen, eher einem Symbol für Eitelkeit. Das Gemälde hat eine alte Restaurierung an den Händen, die von geringerer Qualität sind als das Gesicht, die Kleidung und das Glas. Das Gemälde stammt aus einer alten lombardischen Sammlung. Das Datum 1478, das mit der Inschrift angegeben ist, stimmt nicht sehr mit der Kleidung des 16. Jahrhunderts überein: Nach der Geschichte der Herkunftsfamilie des Gemäldes war das Datum, das vor der letzten Restaurierung erschien, 1578, und daher wäre es eine Änderung versehentlich vom Restaurator.

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Ferdinando Porta
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Ferdinando Porta

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten

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Ferdinando Porta

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten

Ölgemälde auf Leinwand. Auf der Rückseite diese Zuschreibung an Ferdinando Porta. Die Szene zeigt den Moment des Rests der Heiligen Familie, während der Flucht nach Ägypten: links auf dem Boden sitzend ruhen Maria, lesend versunken, und Jesus, schon ein Knabe, aber noch kindlich verlassen auf dem Schoß seiner Mutter; rechts, wenn auch an einen Felsen gelehnt, betrachtet Joseph seine Familie. Oben, über der Wolke, die die Frucht beladene Baum umhüllt , die Ruhe in der Familie, eine Schar von Engeln gegeben hat, auch nur von Kindern in der Form präsentierte nicht , sondern auch als junge Männer, als ob das Wachstum von Jesus zu begleiten. Der Die Komposition der Szene sowie die Darstellungsweisen der Figuren und der Farben entsprechen den bildnerischen Methoden von Ferdinando Porta. Der Mailänder Maler, Sohn des emilianischen Künstlers Andrea Porta, etablierte sich nach seiner Ausbildung in Bologna, wo er zu den Schülern von Carlo Cignani gehörte, in der lombardischen Kunstszene. Leider beginnt seine bisher bekannte Produktion erst ab dem vierten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts, da seine bisher dokumentierten Werke für die Mailänder Kirchen und für den Palazzo Casati Dugnani verschollen sind. Auf der anderen Seite sind die folgenden Werke bekannt, von denen einige wichtige Aufträge, die ihn endgültig bestätigen ließen; zwischen 1741 und 1753 arbeitete er in der Basilika Sant'Ambrogio in Mailand, im Dom von Monza und in der Kathedrale von Vigevano und schuf Werke, die den Charakter und den Umfang der Bildmodalität der Porta mitbestimmten: fest mit der Lombard figurative Tradition, nach dem ersten Emilian Einfluss führte er in seiner Malerei Modalitäten , die teilweise betroffen, die beide in der kräftigen Plastizität der Figuren und die naturalistischen Charakterisierung der allegorischen oder sakraler Themen, der venezianischen Malerei, insbesondere von Tiepolo , mit dem er arbeitet. Bei der Beobachtung von einem seiner späteren Werke, sondern zu seinen besten, das Altarbild der Taufe Christi gemacht durch Porta zwischen 1753 und 1754 für den Dom von Vigevano betrachtet, finden wir die Zusammensetzung und die chromatische Methoden sehr nahe an denen der unsere Ruhe auf der Flucht nach Ägypten: die plastisch klar definierten, aber in den Umrissen schattierten Figuren mit chromatischen Kontrasten, in denen die Braun- und Kalttöne wie in der Gruppe von Maria und Jesus vorherrschen, während die größere, wenn auch isolierte Brillanz des Gewandes Josephs hervorsticht ; über der Komposition der Engel, komplex in der Verflechtung der Körper, jedoch nicht definiert, sondern fast verschwommen, ebenso die Landschaft, karg und ohne konnotative Elemente. Dies sind alle Elemente , die deutlich hervorheben Porta Beziehungen mit der Lombard siebzehnten Jahrhundert Tradition, die ihn immer noch einen breiten Konsens und Vermögen mit öffentlichen und privaten Kunden in Mailand und den benachbarten Städten verdient, zu einem Zeitpunkt , wenn der Neoklassizismus. Das Gemälde auf der ersten Leinwand, aber nachgespannt, weist Restaurierungsspuren auf. Es wird in einem stilvollen Rahmen vorgeschlagen.

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