Eleganter Tisch mit Untergestell aus Buchenholz und Platte aus Walnussfurnierholz; ein eleganter Tisch mit einer ganz besonderen Form und sehr klaren Linien aus den 50er Jahren, geeignet für einen Wohnbereich, der aufgrund seiner ungewöhnlichen Form einen Hauch von Originalität sucht, oder auch als Ausstellungsfläche geeignet; Das von unserem Labor sorgfältig restaurierte Holzteil erhält so die ursprüngliche Leuchtkraft der gebeizten Buche und der Walnussplatte mit Schellack und einer Wachsoberfläche zurück.

19. Jahrhundert / 1801 - 1900

Dose in charakteristischer Karpfenform, komplett lackiert mit vergoldeten Teilen, Augen aus Glaspaste und Zähne aus Holz. Der obere Teil des Korpus ist abnehmbar und verbirgt das ebenfalls komplett lackierte Innenfach. Fehlt zwischen den Zähnen und an der Schwanzflosse. Es gehört zur japanischen Produktion aus dem 19. Jahrhundert.

17. Jahrhundert / 1601 - 1700

Bologneser Barock-Sideboard, getragen von Regalfüßen (im Vorderteil erneuert), an der Vorderseite hat es zwei Türen, die von fünf Schubladen überragt werden, die im Unterbodenband platziert sind und mit wellenförmigen Regalen abgewechselt werden; verziert mit geschnitzten Fliesen, während das untere Band eingerückt ist. In Nussbaum sind die Seiten in Ulme, oben in Birne; Innenausstattung in Tanne und Pappel.

Bücherregal aus Eichenfurnierholz mit Vitrine mit Glasschiebetüren und Ablagefach mit Schiebetüren und sichtbaren Schubladen im unteren Teil.

19. Jahrhundert / 1801 - 1900

Zwei George IV Mastschirme, getragen von drei gewellten Beinen, auf denen ein gedrechselter Baluster ruht, in den der Mast eingesteckt wird und mit einem Glaselement endet. Zwei schildförmige Paneele werden durch Ringe und Schrauben befestigt, so dass die Höhe angepasst werden kann. In Citronnier, mit phytomorphen Motiven bemalt, sind die Schirme mit bestickten Stoffeinsätzen versehen. Hatten die Mastschirme im neunzehnten Jahrhundert heute eine dekorative Funktion, wurden sie im achtzehnten Jahrhundert verwendet, um das Gesicht vor der direkten Hitze des Feuers zu schützen, die mit Kosmetika auf Basis von Bleiweiß (Basisbleicarbonat) gefährliche toxische Reaktionen hervorrufen könnte. in Ära für Männer und Frauen weit verbreitet. Die verstellbare Höhe ermöglichte es, sie an die Bedürfnisse der Benutzer anzupassen und sie als Sichtschutz zwischen ihrem Gesicht und dem Kamin zu positionieren.

Deutschland Ende des 19. Jahrhunderts

Paar silberne Saucieren im neoklassizistischen Stil, Reliefdekor gemeißelt und geprägt mit Lorbeergirlanden, Bändern und Medaillons, die das Gesicht eines Adligen darstellen. Eingraviertes Silber und Silberschmiedezeichen. Gr. 1126

Italien, der 1960er Jahre

Porzellanteller aus der Serie "Tema e variazioni". Auf der Rückseite Marke des Herstellers.

Betrunkener Bacchus

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Der Gott ist auf der Szene stehend dargestellt, nur mit einem Tuch um die Lenden und mit Efeublättern auf den Hüften und auf dem Kopf bekleidet, während er in einer Hand einen Kelch hält; sein Blick ist leer und benommen. Hinter ihm spielt ein halb liegender Putto mit Efeu. Ringsherum sind weiße Wolken zu sehen, ebenso wie der Boden weiß ist, nur der blaue Himmel und ein grüner Busch bilden einen Kontrast. Auf der Rückseite des Werks befindet sich das Etikett "Mario Galli Collezione d'Arte" mit der Katalognummer 64 und der eigenhändigen Widmung des Künstlers. Das Werk ist ein gutes Beispiel für die Malerei dieses Künstlers, der in Modena geboren wurde, aber seine künstlerische Ausbildung zunächst in Rom und dann in Florenz absolvierte, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte. Die Einzigartigkeit des Künstlers liegt in seiner Fähigkeit, von historischen Themen, die oft im antiken Pompeji angesiedelt sind, zum Naturalismus des Macchiaioli-Stils seiner zweiten Periode überzugehen, in der Muzzioli nach einer bedeutenden Wahrnehmung der Atmosphäre und des Lichts in Themen suchte, die von der ländlichen Umgebung der Toskana inspiriert sind und oft in der Antike spielen. In diesem Werk, dem Porträt einer mythologischen Figur, kommt die luministische Absicht des Künstlers stark zum Ausdruck, die Suche nach der Wirkung des Lichts, das auf den nackten Körpern des Gottes und des Putto spielt und dann in den Hintergrund tritt. Das Etikett der Kunstgalerie verweist auf den Florentiner Mario Galli (1877-1946), einen Bildhauer, der auch ein bedeutender Sammler von Werken insbesondere von Macchiaioli war. Das Werk weist einen bedeutenden Riss auf und ist retuschiert worden. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Sofa im Stil von Carlo De Carli mit gefederter Polsterung, Stoffbezug und Beinen aus Buchenholz.

Skulpturenprojekt

Bleistift auf Papier mit Wasserzeichen. Unten links signiert. Der Zeichnung liegt eine Authentifizierung auf Foto aus dem Archiv Fausto Melotti mit dem Code DIS 36 015 bei, die die Daten der Arbeit zeigt. Fausto Melotti war ein facettenreicher und sehr produktiver Künstler, und es ist fast unmöglich, seine Produktion mit einer bestimmten Technik oder einem bestimmten Thema zu verknüpfen, ohne nur einen Teilüberblick über seine künstlerische Vision zu geben. Die herausragenden Merkmale, die bei Melotti konstant sind, sind die Geometrie, das Studium der Abstraktion, das ihn dazu bringt, realistische, aber nicht wissenschaftlich genaue Elemente zu verwenden, und die Elemente so anzuordnen, dass sie an einen musikalischen Rhythmus erinnern, ein Detail, das auf seine Ausbildung als Musiker verweist Bildhauer, Maler, Musiker, Dichter, er fertigte zahlreiche Entwurfszeichnungen für seine Werke an. Das Zeichnen stellte für ihn eine grundlegende Übung dar, um den ursprünglichen grafischen Zug von Papierbögen in Skulpturen und Keramiken zu übertragen. Die Skulpturen, für die er am bekanntesten ist, bestehen aus geometrischen Elementen aus Metallen (Messing, Eisen und Gold), die zu dünnen Fäden verarbeitet werden und ätherischen, schwerelosen und fast zerbrechlichen Kompositionen Leben einhauchen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Mittelitalien XVII Jahrhundert

Barockskulptur aus Walnuss, Mittelitalien 17. Jahrhundert. Die männliche Figur, die geschaffen wurde, um in einer erhöhten Position in Bezug auf den Betrachter gesehen zu werden und ursprünglich Teil einer größeren Skulpturengruppe zu sein, ist durch welliges Haar und Bart gekennzeichnet, wobei der rechte Arm zum Kinn geführt wird, während der linke in einer umhüllenden Position in der Handlung, ein Objekt zu stützen oder sich an ein Stützelement zu klammern; gekleidet in einen reichen Vorhang, der den oberen Teil der Büste und die Beine unbedeckt lässt, eines gebeugt und das andere ausgestreckt. Das Volumen und die Plastizität des Körpers, kombiniert mit dem durch die Drehung übertragenen Bewegungsgefühl, erinnern an die skulpturale Produktion des römischen Barock.

Drei Gesichter Acht Blätter

Gouachen auf Papier. Auf der Rückseite befinden sich Aufkleber von Sotheby's Auction mit dem Namen des Künstlers und dem Originaltitel "Three faces eight leaves". Dies sind zwei ähnliche Zeichnungen, mit demselben Thema, wenn auch mit kleinen Unterschieden, und mit unterschiedlichen Techniken koloriert. Jean Cocteau war ein vielseitiger Künstler: Schriftsteller, Dramatiker, Dramatiker, er versuchte sich auch in der bildenden Kunst und liebte es, mit allen Avantgarden seines Jahrhunderts zu experimentieren. Jean Cocteau veröffentlichte 1923 im Alter von nur 36 Jahren sein erstes Buch mit Zeichnungen. Darin porträtierte der Dichter seine Freunde Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, aber auch zahlreiche Szenen des Pariser Alltags, Nijinskis russische Ballette, Allegorien, Karikaturen, poetische Bilder. Cocteau erweist sich als talentierter Zeichner, vor allem aber als Künstler, der in der Lage ist, die Essenz von Gesichtern, Verhaltensweisen und menschlichen Schwächen einzufangen. Eingerahmte Arbeit.

Winterlandschaft mit Eisfiguren

Öl auf Leinwand. Flämische Schule des XVII-XVIII Jahrhunderts. Auf dem Rahmen befindet sich ein Etikett, das Thomas Heeremans zuschreibt (jedoch mit falscher Datierung). Die große Szene bietet eine dem niederländischen Territorium angemessene Winterlandschaft, die von einem zugefrorenen Kanal geprägt ist, in der Nähe eines Dorfes, bevölkert von zahlreichen Schlittschuhfiguren, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen: der Pferdeschlitten für den Personentransport, der Mann der die "Schubkarre" voller Holz schiebt, das Kind, das sich in sein Kästchen schiebt; andere Gestalten gehen auf dem Damm entlang des Kanals vorbei. Über allem hängt der graue und kalte Himmel eines Wintertages. Das Thema war das wiederkehrende in der Produktion des niederländischen Malers Thomas Heeremans, der hauptsächlich Winterlandschaften seines Landes malte, sie aufgrund des erzielten Erfolges mehrmals replizierte und zahlreiche andere Künstler zur Nachahmung veranlasste; Es wird daher angenommen, dass diese Arbeit auf einen Nachahmer der Heeremans und nicht direkt auf ihn zurückgeführt werden kann. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Frankreich des 20. Jahrhunderts

Kaviarbecher aus Kristall mit geformtem Boden in Form von drei Meerestieren. Innen Satinbecher auf Metallträger und Deckel mit Fischgriff. Marke der Manufaktur unter dem Boden und auf dem Innenbecher.

Große grün glasierte Keramikvase mit milchweißem Reliefdekor. Giovanni Gariboldi Manufaktur, Richard-Ginori, San Cristoforo. Marke unter der Basis.

Landschaft mit Architektur und Figuren

Öl auf Leinwand. Die große Landschaft wird von einer imposanten architektonischen Struktur mit Säulen mit Blick auf das Meer dominiert, die den gesamten zentralen Teil der Leinwand einnimmt, während auf der rechten Seite eine Festung umrissen ist. Animiert wird die Szene dann durch zahlreiche Figuren des Alltagslebens: Im Vordergrund links, am Kai, wartet eine Gruppe von Männern auf die Ladung zahlreicher Kisten und Koffer. Das Monogramm D.G. Diese Abkürzung verweist zusammen mit der barocken Stilformel auf die Zuschreibung an Domenico Gargiulo, Künstlername des neapolitanischen Malers Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Vor allem in Neapel tätig, vor allem in den zwei Jahrzehnten zwischen der Mitte des 17. ). Die fortschreitende Spezialisierung in der Darstellung von Landschaften oder Stadtszenen, überfüllt mit Figuren mit winzigen Beschreibungen und mit viel Liebe zum beliebten sozialen Realität präsentiert, bedeutete , dass seine Kommission war vor allem von privater Natur, die Kommissionen aus zahlreichen neapolitanischen Honoratioren, regents, Ritter und Erkenntnis empfangen seine Werke in allen bedeutenden neapolitanischen Sammlungen der Zeit. Zu seinen wichtigsten Kunden gehörte auch der große flämische Sammler Gaspare Roomer, dem das Gargiulo sein Vermögen verdankte. Gargiulo hat seine Abkürzungen oft in seine Werke eingefügt, aber selten datiert; die Datierung seiner Produktion konnte nur durch die Realisierung einer Reihe von Werken für die Mönche der Certosa di S. Martino zwischen 1638 und 1646 festgestellt werden, unter den wenigen religiösen Werken, die er gemacht hat, aber die einzigen mit einiger Genauigkeit zu dokumentieren. Die hier vorgeschlagene große Leinwand wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Faun-daemon. Weibliche figur mit beinen ziegen. Die haut des tieres auf den schultern. Gesicht dämonischen. In der hand hält schildkröte.

Liebe und Psyche

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die Szene bezieht sich, mit einigen Variationen, aber sehr nahe an der Größe, auf einen Teil des großen Freskos mit dem Titel "Banchetto degli dei" in der Amorkammer (oder Amor- und Psychekammer) des Palazzo Té in Mantua, einer großen Darstellung von über neun Meter von Giulio Romano mit seiner Werkstatt im 16. Jahrhundert. Die vorgeschlagene Szene (die sich in Mantua rechts vom großen Bankett befindet) sieht Amor und Psyche auf einem Triklinium liegen, während eine kleine geflügelte Figur sie mit Lorbeer krönt und zwei Nymphen Amors Hand waschen; rechts im Hintergrund opfert eine Gruppe Satyrn dem Altar einer Gottheit eine Ziege, während in der Mitte in der Ferne eine Stadt brennt. Das Bankett der Götter ist der letzte Moment des Mythos der zwei Liebenden, die nach vielen Prüfungen und Wechselfällen die Erlaubnis der Venus zur Eheschließung erhalten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

16. Jahrhundert / 1501 - 1600

Der Schacht besteht aus zwei Pilastern der Renaissance und ist geriffelt, während die Hauptstadt im ionischen Stil mit geschnitzten Rosetten gestaltet ist. In pietra serena.

16. Jahrhundert / 1501 - 1600

Mittelitalienischer Rahmen, teilweise lackiert, Ecken und Mitten mit phytomorphen Trauben verziert; Außenrahmen und vergoldeter Stopp.