Murano 1940er

Irisierende Glasschale mit großen Rippen modelliert. Barovier-Herstellung.

Service von tee aus weißem porzellan mit dekor. Die gemälde erinnern an Giò Ponti, geschäftsführer und designer der Richard Ginori in jenen jahren. Unter der base-marke der manufaktur. Service von tee, bestehend aus einer teekanne, einer zuckerrohrindustrie dar, eine "milchwirtschaft", zwölf untertassen und elf-tassen.

Stillleben mit Löchern, Früchten, einem Papagei und Wachteln

Öl auf Leinwand. Neapolitanische Schule des siebzehnten bis achtzehnten Jahrhunderts. Die große Komposition ist reich an zahlreichen verschiedenen Elementen: In der Mitte steht eine große Blumenkomposition aus mehreren Sorten in leuchtenden Farben; Links von den Blumen, die auf einem dorischen Kapitell ruhen, befindet sich ein Wellensittich in leuchtenden Farben, der sich von den matten Farben der toten Wachteln abhebt, die auf dem Boden darunter liegen, zusammen mit einigen Kürbissen und einer Zinnvase. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert. Es stammt aus einer bedeutenden Sammlung (Commendatore Arturo Stucchi, ein Unternehmer aus Como, wird auf der Rückseite erwähnt).

Eleganter und strenger rechteckiger Tisch aus massivem Kirschholz. Entworfen von Frank Lloyd Wright im Jahr 1925, produziert von Cassina seit 1989.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Urnenvase aus Sèvres-Porzellan in Kobaltblau mit vergoldeten phytomorphen Verzierungen und polychromen Medaillons, das eine zeigt eine Seenlandschaft, das andere eine ländliche Szene; in letzterem unterschreibt er „Cottiret“. Der mehrlappige Sockel, die Henkel mit Frauenköpfen und der Tannenzapfen des Deckels sind aus vergoldeter Bronze. Unter dem Deckel steht „Offert par le duc de Choiseul à Madam de Compan“; präsentieren Doppelmarke mit dem Emblem der Manufaktur.

Öl auf Schiefer. Auf eine dicke Schieferplatte gemalt, stellt die Szene den dramatischen Moment dar, in dem Maria, umgeben von einer Gruppe frommer Frauen, über den vom Kreuz abgenommenen Leichnam ihres Sohnes weint: Sie gibt sich dramatisch in den Armen der beiden Frauen hin hinter ihr, während an ihrem Schoß der leblose Körper des Sohnes ruht, an dessen Hand eine dritte Frau weint; oben nimmt eine Gruppe von Engeln, die aus dem offenen Himmel herausblicken, aus dem das göttliche Licht entspringt, an der Klage teil. Maria ist die einzige Figur, die bunte Kleidung trägt, die sich von der Wachsfarbe des auf ihrem Schoß ruhenden Leibes Christi abhebt, während die anderen Frauen Kleidung in matten Farben tragen, ebenso neutral sind die Körper der kleinen Engel. Die Figuren sind auf einem dunklen Hintergrund platziert, in dem die Öffnung des Grabes kaum zu erkennen ist: Die Farbwirkung wird auch durch den verwendeten Bildträger, den Schiefer, ein Stein, der auch als "Tafel" bekannt ist, am stärksten wiedergegeben Bedeutende Schieferbrüche befinden sich in der Nähe der Stadt Lavagna in Ligurien. Die Bildmodalität erinnert an die Werke des als Flamen bekannten Pietro Mera, eines ursprünglich aus Brüssel stammenden Malers, der zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert lebte: lange Zeit in Venedig tätig, von 1570 bis 1603 im Dienst des Kardinals d'Este tätig, Mera verwendete Schiefer in großem Umfang als Bildträger für einige seiner Werke. Das Material mit seiner charakteristischen dunklen Farbe ermöglichte es dem Künstler, intensive Lichtkontraste zu schaffen und die Figuren hervorzuheben, die mit einer hellen Farbpalette dargestellt und von brillanten Lichtakzenten beleuchtet werden. Das Gemälde befindet sich in gutem Zustand und wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Erminia unter den Hirten

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Leinwand erzählt eine Episode aus der Gerusalemme Liberata von Torquato Tasso, in der die junge Erminia, Prinzessin von Antiochien, die heimlich in Tancredi verliebt ist, Zeuge der Verwundung ihres Geliebten in einem Duell wird. Getrieben von der Liebe trägt sie deshalb die Waffen der Kriegerin Clorinda, ihrer engen Freundin, und zieht nachts aus, um ihren geliebten Tancredi zu erreichen und ihn zu heilen. Doch im christlichen Lager erhellt sie ein Mondlicht und wird von den Posten mit Clorinda verwechselt, sodass sie zu einer hastigen Flucht gezwungen wird: So geschieht es in einem Dorf, das von Hirten bewohnt wird, die fernab des Krieges in einer idyllischen Gegend leben , wo sie bittet und bekommt, für einige Zeit beherbergt zu werden, in der (vergeblichen) Hoffnung, ihre unglückliche Liebe zu vergessen. Das bereits Carlo Loth zugeschriebene Werk lässt sich eher auf das Schaffen von Louis Dorigny zurückführen, dem Pariser Maler, der lange in Italien, in Rom, in Venedig und schließlich endgültig in Verona lebte, wo er aber zahlreiche Aufträge von Veronese erhielt auch von Auftraggebern, Venezianern und Langobarden, die seine Tätigkeit als Freskenmaler von Bergamo bis Udine ausdehnten. In Verona gingen die Vorlieben auf dem Gebiet der Malerei seit Anfang des Jahrhunderts in Richtung einer komplexen klassizistischen Sprache in der Komposition, aber ruhig und elegant, selbst in den großen dekorativen Werken. Dorigny entspricht diesem Gemälde, der in diesem Gemälde den ausgewogenen Klassizismus von Simon Vouet (dessen Enkel er war) mit dem in Rom erlernten Hell-Dunkel und der ruhigen venezianischen Eleganz verbindet. Restauriert und unterfüttert präsentiert sich das Gemälde in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Festtag im Dorf

Ölgemälde auf Leinwand. Auf der Rückseite des Gemäldes befinden sich einige Etiketten: eines von einem englischen Markt (wahrscheinlich eine Auktion aus den frühen 1900er Jahren) mit dem Titel; ein zweites aus einer Mailänder Galerie in der Via Montenapoleone (aus den 1930er Jahren) und schließlich ein Etikett aus einer bedeutenden Privatsammlung. Die Szene schlägt einen Moment der Feier in einem nordischen Dorf vor: In der Mitte der Straße tanzen und plaudern Männer und Frauen, während andere an Tischen sitzen, trinken und spielen, Kinder und Tiere sich gegenseitig jagen; Die Atmosphäre ist lebhaft und fröhlich. Der Bildstil und die Ausführungsmethoden sind kompatibel mit der Produktion von David Teniers III (Sohn von David Teniers II dem Jüngeren), einem flämischen Maler, der in seiner Produktion verschiedene Szenen des Party- und Dorflebens enthält. Restauriert und doubliert Ende des 19. Jahrhunderts, mit Rahmen aus der gleichen Zeit.

20. Jahrhundert / 1901 - 2000

Paar fünfflammige Silberkandelaber mit Blattspiralenarmen, zoomorphen Köpfen und Pflanzenmotiven. Am Sockel gravierte Marke aus Silber und Silberschmied. Gramm 2830.

Möbel mit massivem und monolithischem Korpus, inspiriert von Wanddekorationen der Renaissance Die originalen Holzschubladen, die einem Sideboard aus den 1960er Jahren entnommen wurden, haben eine Rautenform und werden von einer satinrosa Metallic-Oberfläche umschlossen. An den Seiten befinden sich zwei durch Türen verschlossene Nischen, eine Klappe und die andere klappbar, die die Rautenform aufgreifen.

Seidenmattschwarzes Sideboard, das sich durch schlichte Formen und ein dezentes Spiel aus Überhängen und Aussparungen auszeichnet. Die drei Holzkisten, die aus einem 60er-Jahre-Möbel stammen, sind in ihrer Positionierung leicht versetzt und erzeugen ein Schattenspiel und eine dazwischenliegende Auflagefläche. Die Seiten haben offene Fächer, deren Kulissen die Seiten der originalen Holzkisten zeigen. Die gebürsteten Messingdetails der Griffe, der kreisförmigen Ringe in der zentralen Nische und der Füße verleihen dem gesamten Möbelstück nüchterne Lichtblitze: ein Möbelstück, das Eleganz und Funktionalität vereint.

Möbel, die sich durch ein artikuliertes Kantenspiel, starke Asymmetrien und Fehlstellungen auszeichnen. Der Stauraum mit Formen aus der modernen Architektur. Die drei Holzelemente aus Teakholz aus den 1960er Jahren wurden restauriert und weisen unterschiedliche Öffnungsarten auf. Das offene Fach in der Mitte des Schranks erzeugt einen starken Schatten, der mit den Fächern an den geneigten Seiten in Dialog tritt.