Cuatro mujeres 1986

Aguafuerte y aguatinta sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha; número de serie 54/95 abajo a la izquierda. La obra, creada en 1986, propone uno de los temas más recurrentes en la producción de Renato Guttuso, la mujer, que propone siempre de forma apasionada en el tono, incisivo y marcado en el signo, para captar la mirada de forma erótica y sensual. énfasis Musa inspiradora y protagonista indiscutible de muchas obras de la artista de Bagheria fue Marta Marzotto, cuyos rasgos también se encuentran en esta obra. Son cuatro mujeres y sin embargo ella es una sola; están cerca uno del otro casi tocándose, pero cada uno ignora la presencia del que está al lado. No hay intención narrativa en Guttuso, sino que las mujeres se persiguen sobre la superficie de la hoja como en un libro de estudio, apuntes para las grandes composiciones sobre las que trabaja el artista. Por tanto, como es característico de los estudios, lo que interesa aquí a Guttuso es seguir el despliegue de los signos hasta recomponerlos en una síntesis que los transforma en una imagen completa. El aguafuerte traza con delicadeza contornos y líneas internas que unas pocas pinceladas de aguatinta apenas colorean; o jugar libremente con las intrincadas masas de cabello que siempre han sido un elemento típicamente y exclusivamente gráfico para Guttuso. La litografía está montada sobre un panel con un marco visible.

Óleo sobre madera contrachapada. Firma sin descifrar abajo a la derecha. Un rico ramo de rosas rosadas y blancas llena un jarrón de cerámica estampado de colores brillantes que se destaca sobre el fondo marrón. La pintura se presenta en un imponente marco guilloché contemporáneo.

Paisaje montañoso con cabaña

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Un atisbo de colinas onduladas caracterizadas por el brillo del color verde, en una amplia gama de tonalidades realzadas por bordes suaves, coronadas por el azul del cielo e interrumpidas únicamente por una cabaña, que también incorpora los mismos colores de la tierra y el campo. Es obra del joven artista milanés Amerigo Canegrati, que tuvo gran fama en los años treinta, y está considerado entre los representantes de las corrientes pictóricas lombardas del siglo XX italiano; su pintura expresa profundas cualidades colorísticas tanto en los paisajes como en las composiciones y figuras. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Vistazo de Mandello Lario 1909

Pintura al óleo sobre lienzo. Firma y ubicación (Mandello) abajo a la izquierda. Al dorso firma adicional, fecha y título completo. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se educó en el clima del romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también creó valiosas naturalezas muertas, con colores vivos y un dibujo preciso y realista. Su producción paisajística se nutre de los diversos lugares que visitó y vivió, en Italia y en el extranjero, especialmente en España y Francia. En este paisaje, Pellegrini ofrece una visión de la montaña que domina la ciudad a orillas del lago de Como: una montaña árida y pelada, aunque habitada, con la choza en la cima y una figura femenina llenando los cubos en la corriente de agua que fluye. entre las rocas; los colores son los de las nieblas invernales, divididos casi transversalmente entre el azul grisáceo de la parte alta, con nubes cargadas de lluvia que dominan las cumbres al otro lado del lago (que se intuye, sin que se vea), y el marrón verdoso de la tierra que ocupa la mitad inferior, con las ramas de los árboles desnudos estiradas para conectar las dos mitades. La quietud de las montañas, título de la obra, trasluce claramente y se apodera de la mente del observador. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. Procedente de una importante familia milanesa, es el retrato de un caballero que exhibe una cadena con un escudo en la mano. La pintura tiene algunas gotas de color. Está en un marco dorado coetáneo.

Sinoxis de Santos con María y Cristo en la gloria y Arcángeles.

Témpera sobre madera con riza de metal, dorada en correspondencia con las aureolas. El icono ve en la mitad inferior un grupo de seis santos, cuyo nombre está indicado en caracteres griegos, mientras que en la parte superior aparecen María y Jesús en la Gloria, flanqueados por arcángeles. Los santos representados son, de izquierda a derecha: San Gregorio Magno, San Basilio Magno, San Juan Obispo, San Pedro Apóstol, San Pablo Apóstol, San Andrés Apóstol, todos santos importantes en la liturgia conmemorativa ortodoxa. Las figuras están inscritas en una decoración floral. En la iglesia de los primeros siglos, la synaxis (del gr. Sýnaxis: asamblea) era la reunión de los fieles para la lectura de los libros sagrados y para la celebración eucarística. Sinassi alude por tanto a la presencia de un grupo de personas (ángeles, santos y santas, metropolitanos y monjes) que rodean una representación central, por lo que en el arte iconográfico corresponde a un grupo de santos o ángeles que rodean a Cristo o a la Virgen para glorificarlos. . En la liturgia ortodoxa tales iconos suelen exhibirse y celebrarse al día siguiente de una fiesta importante en la que estos santos fueran coprotagonistas. El ícono tiene pequeñas gotas difusas de color. Refuerzo de madera en la parte trasera. La riza está actualmente desmontada de la mesa, requiere poca intervención para volver a estar en forma para volver a montarla.

Pasteles sobre papel. Principios del siglo XIX. En el grupo familiar aparecen el padre, la madre y tres niños, dos de los cuales sostienen juguetes. En el reverso hay una escritura que identifica a la familia retratada en el de los marqueses de Breno. El escrito también dice que "uno de los niños (con el chaleco) es Domenico, esposo de Giulia Caronesi". El cuadro se presenta en un marco dorado contemporáneo, con carencias y años pequeños.

Paisaje surrealista 1974

Técnica mixta sobre madera. Firmado y fechado abajo a la derecha. Firma adicional y fecha al dorso (1973, no coincide en un año con la del reverso). Bruno Artioli, artista originario de Nocera Umbra, fue ante todo un paisajista, que interpretó tanto con un naturalismo clásico como con una pureza geométrica en clave abstracta. En esta segunda clave interpretativa, las miradas de Bruno Artioli van más allá de la realidad fenoménica para adquirir un carácter completamente objetivo, desprovisto de todo particularismo, los elementos del paisaje acaban reducidos a puras formas y puros colores. La obra presentada se inscribe en esta concepción del paisaje, escaso, geométrico, limpio en cada línea así como en la subdivisión de colores, que mantienen cada uno su propia identidad y ocupan un espacio bien definido. En el marco de.

Figura con flores

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Al dorso más firma y dedicatoria con declaración de autenticidad. Influenciado en sus años parisinos por el contacto con el expresionismo, Fantuzzi puso un marcado énfasis en sus obras en la expresión de las emociones, de los estados de ánimo. Sus figuras son por tanto sumarias, nunca del todo definidas, más bien deformadas en formas alargadas, los rostros anónimos, y colocados en escenarios solitarios y melancólicos; Por otro lado, el color domina en sus lienzos en sus gamas más marcadas, habitualmente los tonos fríos de azules, verdes y violetas, que crean contrastes a veces violentos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópolis y la dificultad de comunicación en las relaciones interpersonales, muchas veces expresadas en figuras solitarias como la que aquí se presenta, una mujer con un ramo de flores en la mano, sobre un fondo rojo fuego, desprovista de otras figuras . El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Divorcio de la impèratrice Josèphine

Grabado. Debajo del título, los nombres de los personajes y el nombre del grabador. El tema está tomado de la obra de Henri Frédéric Schopin (1804-1880), que relata el episodio del divorcio del emperador Napoleón Bonaparte de su esposa Josefina, ocurrido el 15 de diciembre de 1809 en el Palacio de las Tullerías de París, y firmado en la presencia de la familia Bonaparte. Grabado por Jean Pierre Marie Jazet, forma parte de una serie dedicada a la vida de Napoleón. El grabado se presenta en un bello marco dorado coetáneo, que presenta pequeñas carencias y desperfectos.

Matinèe du dix-huit brumaire (salón de Mme. Bonaparte)

Grabado. Debajo del título, los nombres de los personajes y el nombre del grabador. El tema está tomado de la obra de Henri Frédéric Schopin (1804-1880), que relata un momento del 18 de Brumario, día del golpe de Estado de Napoleón Bonaparte que provocó la caída del Directorio y sancionó la final de la Revolución Francesa. Grabado por Jean Pierre Marie Jazet, el grabado forma parte de una serie dedicada a la vida de Napoleón. El grabado se presenta en un bello marco dorado coetáneo, que presenta pequeñas carencias y desperfectos.

Pintura al óleo sobre lienzo. Abajo a la derecha está la firma mal legible (¿W. King?) con la fecha (¿1870?). El cuadro propone el retrato de una joven y bella muchacha sentada sobre una roca, en un paisaje boscoso, cubierta únicamente con su larga cabellera y un velo transparente adornado con rosas. Son estos detalles los que nos hacen pensar en una alegoría de la primavera, la estación de la floración pero también simbólicamente la estación de la juventud sensual, despreocupada y elegante. El cuadro ya restaurado se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

Aceite en el panel. Firmado en el ángulo inferior derecho y en la parte posterior Verschafeldt. Pequeñas gotas de color. Presentado en contemporáneo marco, con deficiencias.

Técnica mixta sobre papel, aplicada sobre cartón. Escuela de italiano. El nombre de Londonio se propone en el reverso: la delicada obra recuerda ciertamente el tema y la forma de la obra de Francesco Londonio (1723-1783), el artista milanés que se especializó en los derechos de los animales y el género pastoral. Más bien se puede considerar una obra inspirada en Londonio, por un artista cercano a su campo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. La escena se desarrolla en la tienda de un barbero, que tiene la intención de cortar el cabello de un hombre bajo la atenta mirada de los otros clientes y, sobre todo, de algunas mujeres con hijos, uno de los cuales incluso observa el resultado de la Opera. Las gafas se introdujeron en el arte primero como un signo de distinción, y luego también como un signo de atención científica, delineando progresivamente la figura del erudito, médico y cirujano: en este lienzo realmente subrayan la ironía de la escena, utilizada como herramienta. ¡para un examen femenino detallado del corte de pelo de su esposa! Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

Cara

Pintura de piedra. Firmado Igor Y en la parte de atrás. La piedra se transforma en un rostro particular, vivo y curioso; más decoración en el lateral, con un paisaje de cielo, tierra y flores. Igor Andreev, artista ruso nacido en Leningrado en 1952, escapó de la Unión Soviética en 1972 durante un viaje a Canadá, decidiendo en esta nueva vida dedicarse al arte. En 1981 se traslada a París, donde vive y trabaja. En sus obras, definidas como arte neo-pop, utiliza materiales y formas simples para crear un mundo positivo, alegre y colorido.

Pintura al óleo sobre lienzo. El rostro de la Virgen recuerda a modo de representación las pinturas de Giovanni Battista Salvi conocido como Sassoferrato (1609 -1685), cuyo estilo fue ampliamente utilizado en los siglos XVIII y XIX. En el reverso del cuadro hay un cartucho con el número de inventario (n. 193) y el nombre del coleccionista Giuseppe Bertarelli (1804-1875), comerciante y filántropo milanés, conocido bancos por las donaciones de importantes obras de arte a la Galería de Arte Ambrosiana. La pintura está en el primer lienzo; necesita restauración debido a pequeñas gotas de color y dos pequeños agujeros. Se presenta en un marco contemporáneo.