Par de pinturas sobre cuero - Escena galante y escena pastoral

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVIII. Una composición casi de guirnalda de flores abigarradas, que ocupan todo el campo pictórico, sobre un fondo oscuro del que emergen solas, sin ningún otro elemento de decoración. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco al estilo de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Las dos pinturas, ciertamente gemelas en cuanto a tipología temática y métodos pictóricos, ofrecen dos miradas paisajísticas propias de la producción nórdica de los siglos XVII-XVIII, con grandes espacios campestres habitados por caseríos próximos a cursos de agua, figuras de campesinos y plebeyos absortos en su trabajo , las montañas azules al fondo, precedidas por suaves colinas y coronadas por un cielo azul bordado de nubes blancas. Ya rebasadas y restauradas, las dos pinturas muestran manchas de color y opacidad. Se presentan en elegantes marcos.

Escena del Sacrificio a Venus

Acuarela sobre papel. En la parte inferior izquierda el nombre Giuseppe Cades, aunque en el reverso, además de la atribución, se propone el título "El juramento de la Virgen Vestal", la escena más bien propone a una niña que ofrece guirnaldas de flores a la estatua de la diosa. Venus, representada tradicionalmente que sujeta el velo con una mano para cubrir los lomos mientras con la otra va cubriendo el pecho, y la cabeza con el pelo recogido y adornado con flores. Detrás de la muchacha, un joven observa la escena, mientras un tercero se asoma desde detrás de la columna del templo: parece pues una escena de súplica a la diosa, pidiéndole que favorezca el amor de los dos jóvenes: según ambos griegos y la tradición romana, las mujeres jóvenes antes de la boda se consagraban a esta diosa, considerada protectora del matrimonio y de la fidelidad conyugal. La obra parece cercana a la producción de Giuseppe Cades, quien en la década de 1780-90 se convirtió en una de las personalidades más conocidas y apreciadas del mundo artístico romano, además de dibujante y grabador. La obra se presenta en un marco.

Sant'Antonio Abate y San Paolo el Ermitaño

Pintura al óleo sobre lienzo. Es un gran paisaje nórdico, dominado por picos rocosos a la izquierda y un lago con una isla central a la derecha; en primer plano unas figuras que cuentan la leyenda de San Paolo Eremita, a la izquierda, y Sant'Antonio abate, a la derecha con un centauro. La Leyenda Dorada de Jacopo da Varagine cuenta que San Antonio Abad visitó al ermitaño Pablo, que durante cuarenta años había vivido en soledad alimentado por un cuervo que le traía pan todos los días. Sant'Antonio pidió noticias a un centauro, que también en esta escena le indica con el brazo el camino a seguir. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela de italiano. La escena repleta de figuras, propone a la Sagrada Familia en camino a Egipto, conducida por un Ángel y asistida desde arriba por otros angelitos. Insertadas en un paisaje clásico italiano, las figuras están representadas en una dimensión muy terrenal: el Niño, aunque con aureola, duerme plácidamente en los brazos de su Madre; María, que lleva el tocado de un peregrino inusual, cruza su mirada con su marido José, que mientras con un gesto de ternura (se coloca una mano en la rodilla) le es tranquilizador, mientras tanto ella habla con el ángel de quien ella se indica la calle . Revestida, la pintura tiene algunas pérdidas de color que necesitan restauración. Está en un marco adaptado, desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela-centro de Italia. El Santo de Asís se representa en la contemplación del Crucifijo, de acuerdo a uno de sus representaciones de la tradicional, itinerante, en la campiña de umbría. La pintura ya restaurado y ritelato, requiere limpieza adicional. Se presenta en el marco de la antigua adaptada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Una peculiaridad de esta escena es la presentación de los personajes concentrados en la parte inferior del lienzo, mientras que en la superior domina a la izquierda la gran estructura arquitectónica, que pretende ser la cueva, pero que es un alto e imponente edificio de madera. estructura, flanqueada a la derecha por la oscuridad de la noche, interrumpida por la brecha de luz abierta en el cielo, de la que salen los ángeles. Los personajes están dispuestos a converger, a lo largo de una línea oblicua ascendente hacia la izquierda, en dirección a la Sagrada Familia, en particular hacia María y el Niño, que se encuentran en la misma diagonal que el rayo de luz celestial. A la derecha de la Sagrada Familia, los Reyes Magos, con su séquito de sirvientes y animales, detrás de los cuales se abre un paisaje que evoca las lejanas tierras de las que proceden. La pintura está animada por el juego de colores y luces, con alternancia de luces y sombras, colores vivos y fondos oscuros. Se trata de una réplica con variantes (en particular el añadido de la imponente estructura arquitectónica que duplica la escena) de la Adoración de los Reyes Magos pintada a finales del siglo XVII por Andrea Celesti en la iglesia de Limone del Garda. Se realizaron varias copias de esta obra, una de las cuales, completamente similar en composición y fondo a la aquí presentada, aunque más nebulosa, se encuentra en la Galería Repossi de Chiari. Esto permite ubicar la obra en el área de Brescia. Restaurado y reasentado, el cuadro se presenta en un bello marco dorado de finales del siglo XIX.

Descanso en la Huida a Egipto

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo XVIII-XIX. El tema sagrado en esta escena adquiere una connotación familiar, llena de ternura e intimidad muy terrenales: en un contexto casi exótico, que evoca un oasis en el desierto de palmeras y un manantial de agua en un paisaje árido y montañoso. José y María se sientan a descansar durante su huida a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes; la madre sostiene con ternura al niño Jesús sobre sus rodillas, lo mira con ternura y lo envuelve, mientras José los observa complacido y relajado. Toda la escena se caracteriza por el predominio de los colores marrón-ocre, de los que sólo se diferencia el vestido de María, en sus tradicionales colores azul y rojo; al fondo, un cielo despejado con los colores de un amanecer que acaba de amanecer, con matices rosas. El lienzo se aplicó sobre un marco nuevo de mediados del siglo XX y se colocó en un marco del mismo período, que presenta algunas deficiencias.

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Italia (¿veneciana?) del siglo XVIII. La forma de la mesa sugiere que el cuadro formaba parte de un conjunto de mobiliario, insertado en una estructura de pared compuesta junto con otras escenas mitológico-alegóricas. La pintura representa un episodio mitológico narrado en las Metamorfosis de Ovidio: Mercurio se dispone a dormir a Argos con las persuasivas melodías de su flauta, y luego lo mata por orden de Júpiter. Argos, el pastor de los cien ojos y dotado de una gran fuerza, había sido comisionado por Juno para velar por el joven Io, amado por Júpiter y transformado por él en novilla. En esta representación, situada dentro de un paisaje bucólico, se puede identificar a Mercurio con su sombrero y zapatos alados, mientras toca su flauta, y a Argo sentado mirando a la novilla blanca detrás de él: como en muchas representaciones de este mito, también en obras de gran fama. , Argo es representado como un simple pastor, sin cien ojos y sin dotes especiales. La dimensión bucólica más que dramática subraya la intención decorativa del panel, que busca evocar ligereza en lugar de patetismo. La obra se encuentra en buen estado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La escena de la iconografía cristiana tradicional es muy viva y vivaz, muy rica en figuras, detalles y colores: en el centro las tres figuras de los Reyes Magos, que rinden homenaje al Niño Jesús, se desplazan a la izquierda con la Sagrada Familia, mientras que en allí mismo está toda la rica suite de los reyes magos, con regalos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época, con carencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena hace referencia al mito de Cupido y Psique, los dos protagonistas de una conocida historia narrada por Apuleyo en su obra Las Metamorfosis. Psique, una mortal con una belleza igual a la de Venus, se convierte en esposa de Cupido-Cupido sin saber sin embargo quién es su marido, quien se le aparece sólo en la oscuridad de la noche. Al descubrir su identidad a instancias de sus envidiosas hermanas, se ve obligada, antes de poder reunirse con su consorte divino, a realizar una serie de pruebas, al final de las cuales obtendrá la inmortalidad. El mito ha sido ampliamente replanteado a lo largo de los siglos, tanto en la pintura como en el arte escultórico, basta recordar el célebre grupo escultórico de Canova. En este cuadro, los dos amantes se deleitan en sus juegos amorosos en una mancha verde adornada con una fuente y una avefría, en compañía de dos cupidos jugando; a la derecha podemos ver, escondido, un fauno espiando a la pareja. El lienzo, ya revestido, presenta un agujero en el centro, en correspondencia con el brazo de Psique, un ligero desgarro en la parte superior izquierda y pequeñas gotas de color. Se presenta en un marco adaptado del siglo XIX.