Gran paisaje con escena de caza - Caza de jabalí

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. La escena, ubicada cerca del mar, está dominada por un gran complejo de ruinas arquitectónicas, con estatuas, arcos, jardines colgantes y animado por numerosas figurillas de plebeyos dedicados a diversas actividades. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La vista amplia de los foros imperiales de Roma es parte de la vasta producción del paisaje del período Grand Tour, destinada a aristócratas europeos ricos que viajan a Europa - y en particular en Italia, donde Roma se consideró una necesidad - que querían un recuerdo de la lugares visitados. Los Foros Imperiales Romanos son un conjunto arquitectónico formado por una serie de edificios monumentales y plazas, centro de la actividad política de la antigua Roma, construidos en un período de unos 150 años, entre el 46 a. y 113 d.C. A pesar de las ampliaciones, los incendios, las restauraciones y las reconstrucciones, durante la Antigüedad los Foros Imperiales mantuvieron intacta tanto su conformación arquitectónica como su función. Su destrucción casi definitiva se produjo durante el Renacimiento a manos del Papa Julio II (1503-1513), quien utilizó toda la zona como cantera de materiales para reutilizar en la edificación y renovación artística de la ciudad por él iniciada. De poco sirvieron las protestas de destacados artistas como Rafael y Miguel Ángel. En los siglos siguientes se llevaron a cabo varias campañas de excavación, con mayor vigor a partir del siglo XIX, pero el área fue excavada por completo a principios del siglo XX y la arquitectura antigua fue borrada casi por completo para dar cabida a la construcción de via dei Fori. Imperiali, que conecta la plaza Venecia, el Coliseo. El Foro fue redescubierto a partir del siglo XVI también gracias a los paisajistas romanos que en aquella época adoraban pintar las ruinas que aparecían en la zona de pastos. La vista que aquí se propone presenta los Foros Imperiales antes de las excavaciones iniciadas en el siglo XIX, cuando aún no se había construido el camino que aún los atraviesa: aún están rodeados de verde campiña y las colinas romanas destacan al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reformado del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. Se representa un episodio bíblico extraído del libro de Tobías del Antiguo Testamento, en el que se narra cómo Tobiolo, al regresar de un largo viaje iniciático, en el que lo acompañaban el ángel Rafael y el perro, devolvió la vista a su padre ciego. En la escena destacan en el centro las figuras de los dos protagonistas, el padre anciano, sentado en un banco y vigilado por su fiel esposa, y el joven Tobiolo de rodillas; detrás de ellos el ángel los domina, con sus grandes alas protectoras abiertas sobre los dos hombres y que envuelve a Tobiolo en un abrazo, signo de participación divina y protección para el hombre que realiza el milagro. La escena se construye en torno a la dinámica gestual de curación - Tobías tocando los ojos ciegos de su padre ungiéndolos con la hiel del pescado que pescó durante el viaje y que sostiene en la otra mano - que se interpreta según la tradición como una especie de unción que produce salvación. Destaca en esta obra la vivacidad cromática y el movimiento de los cuerpos, entrelazados, superpuestos, interactuando para dar dinamismo pero al mismo tiempo casi para crear un unicum, encerrados en una forma casi circular, bien delimitada por las alas del ángel. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Mater dolorosa

Pintura al óleo sobre lienzo. Copia de tema realizada por Tiziano, que realizó tres autógrafos distintos, distintos entre sí para la pose de la Virgen: 1. Mater Dolorosa con las manos abiertas (óleo sobre mármol, Museo del Prado de Madrid); 2. Mater Dolorosa con manos juntas (óleo sobre tabla en el Museo Cerralbo, Madrid); 3. Mater Dolorosa con manos juntas (óleo sobre tabla, subastado, Nueva York, 06-04-2006). Estas obras datan de mediados del siglo XVI, pero posteriores a ellas, y sobre lienzo, existen otras variantes, atribuidas al artista veneciano y su taller. Es bien sabido que Tiziano también introdujo pequeñas variaciones en sus réplicas autografiadas para reforzar el efecto de autenticidad. Esta copia, que data del siglo siguiente, es sin embargo de excelente calidad ejecutiva. En la parte posterior hay un monograma (en la ventana del lienzo adherido) que probablemente sea la firma del artista. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana de mediados del siglo XVIII. La pintura propone el mito griego del sacrificio de Ifigenia, la hija del rey Agamenón, líder de la expedición aquea que debía partir hacia Troya. Como la flota griega no podía hacerse a la mar debido a los vientos desfavorables, el adivino Calcante predijo que, debido a una ofensa que el rey había infligido a la diosa Artemisa, ahora se oponía a su partida hasta que el rey no sacrificara a su pequeña hija. en el altar Ifigenia aceptó valientemente el sacrificio y subió espontáneamente al altar, pero en el último momento Artemisa, compadecida, la cambió por un cervatillo y se llevó viva a la niña en Tauris, donde se convirtió en sacerdotisa de la diosa que la había salvado. La gran escena, ambientada fuera del campamento griego junto al mar (los barcos anclados al fondo a la izquierda, las tiendas a la derecha), ve en el centro a la diosa Artemisa que cambia a la joven y hermosa Ifigenia por el cervatillo, mientras el el cura Calcante ya tiene en la mano el cuchillo del sacrificio; a la derecha la desesperación del rey Agamenón y su esposa Clitemnestra. La pintura es estilísticamente cercana a la producción de Fedele Fischetti (1732-1792), el artista napolitano que se dedicó principalmente a las escenas alegóricas/mitológicas, en particular en sus primeras obras de la década de 1860. La obra que aquí se presenta fue subastada en Sotheby's en abril de 1998. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo.