Gran Paisaje con Escena de Caza - Cacería de venados

Pintura al óleo sobre lienzo. Una gran estructura arquitectónica, imponente en su clasicismo, con altas columnas torcidas y elaborados capiteles de estilo corintio, domina un paisaje lacustre suave y matizado, que bulle con la actividad diaria de pequeñas figuras de caminantes, pescadores y plebeyos, bien descritas en sus peculiaridad. La pintura se aproxima al costumbrismo de Viviano Codazzi (1604 -1670) a quien tradicionalmente se le atribuía. Originario de Bérgamo pero luego activo en Roma y Nápoles, Codazzi fue un famoso pintor de perspectivas, considerado por muchos como el inventor de la vista y del capricho arquitectónico. Próximo también al género Bamboccianti, se distinguió por el cuidado descriptivo de los diversos protagonistas, sus gestos, su vestimenta, cuidado que indica una visión y un estudio de la vida cotidiana, leído e interpretado sin filtros literarios pero con marcado naturalismo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Según la etiqueta del reverso, el cuadro fue presentado en la "Exposición de Pintura Barroca Veneciana" de 1943, con el título "En el puerto al atardecer" y la atribución a Marco Ricci. La atribución puede estar motivada por la habilidad ejecutiva, que a través de pinceladas rápidas y sueltas, logra plasmar con sensibilidad la realidad natural del mar tormentoso. Al respecto, véanse las imágenes similares publicadas por Rodolfo Pallucchini en el artículo "Studi ricceschi: contribución a Marco" publicado en la revista Arte veneta (vol. IX, 1955). Las producciones paisajísticas y marinas de Ricci (que, sin embargo, no fueron su producción más extensa) se caracterizan por luces poderosas y emotivas, por árboles secos y retorcidos, rocas y torres, cúmulos que se abren de repente en vagos destellos azules, olas espumosas, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta, en la que también se inserta el hombre como elemento integrante. También en esta pintura encontramos estos elementos muy dramáticos pero a la vez escenográficos, con algunas figuras humanas, tres hombres en un pequeño bote en primer plano, que apenas se distinguen del mar y las rocas que los rodean, así como el barco a la izquierda hundiéndose engullido por el mar. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Paisaje clásico con figuras del siglo XVII.

Pintura al óleo sobre lienzo. En un gran paisaje verde por donde fluye un río, emerge un pueblo en el centro; en primer plano a la derecha, sobre el camino hay un grupo de mujeres, vestidas con túnicas de colores. la pintura retoma las modalidades pictóricas de Gaspard Dughet, el pintor romano formado en la escuela de Poussin, que se dedicó principalmente a la producción paisajística, con una nueva libertad y una fresca naturalidad encaminada a descubrir un mundo real y mágico a la vez, pagano Naturaleza libre y salvaje. En la producción de Dughet las figuras humanas nunca fueron dominantes, ausentes en las primeras producciones y luego introducidas solo a pedido de la clientela, llegando a adoptar un tipo particular de figuras sin mayores cambios a lo largo de su carrera: figuras elegantes, de porte suelto, vestidas de túnica corta, vagamente antigua, generalmente anónima y perteneciente al pueblo. Tales rasgos se encuentran en esta obra, aunque la atribución a Dughet es incierta, y se piensa más bien situarlo en su círculo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. Es el retrato de pie de un hombre con armadura, en actitud orgullosa, casi en movimiento, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada; arriba a la izquierda un escudo de armas; en la parte inferior derecha un cartucho pintado con una larga escritura en latín, que identifica al hombre. Se trata de Bartolomeo III Olevano, perteneciente a la poderosa familia de los nobles Olevano, señores feudales de numerosos pueblos de Pavía y Lomellina (donde aún existe su castillo), que tuvo una gran voz en los acontecimientos de Pavía y su campo hasta el siglo XVIII siglo. Bartolomeo III, nacido en 1512, se dedicó al arte de la guerra durante cuarenta años, realizando numerosas y honradas hazañas, fue prefecto de Mortara y Novara durante la dominación de Carlos V, maestro de soldados y embajador de Felipe II. Sus logros más importantes se resumen en el cartucho: una traducción del texto está disponible. El escudo de armas representado muestra a la izquierda el olivo del que la familia tomó su nombre. La pintura proviene de una importante colección histórica familiar lombarda.

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

Aceite sobre la mesa. Escuela lombarda de la primera mitad del siglo XVIII. De gran tamaño, el cuadro está realizado sobre dos gruesas tablas de nogal, unidas por cuñas de madera. La elección del soporte sugiere que la producción es periférica, probablemente del valle. La escena ve al arcángel Gabriel que, desde los cielos abiertos de los que emergen otros ángeles, se presenta a María, arrodillado en meditación. Particular es el mensaje del anuncio ("Spiritus Sanctus superveniet in Te", o "El Espíritu Santo desciende sobre ti") que sale de la boca del Ángel, coronado por la paloma, efigie del Espíritu de Dios; además el Ángel sostiene en su mano un lirio, símbolo de pureza, en este caso de la Virginidad de María que se conserva. La pintura muestra huellas de torpes restauraciones anteriores, pequeñas gotas de color y daños en los paneles (signos generalizados de agujero de gusano). Presentado en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. La gran escena presenta en el centro a la Virgen sentada proponiendo su pecho al Niño Jesús, quien en su lugar se estira para intentar recoger una fruta de la cesta que le entrega San Juan, de pie debajo de ellos; alrededor, cinco figuras de santos, reconocibles por sus atributos iconográficos. De la izquierda tenéis: San Pablo, sosteniendo la espada, Santa Ana, velando amorosamente por su hija y su nieto, San Pedro sosteniendo las llaves del Reino, San José con su bastón y una herramienta de carpintero en la cintura, y finalmente, último a la derecha, San Carlo Borromeo, cuya presencia en la obra respalda al cliente lombardo. El cuadro también procede de la colección privada de una familia lombarda, de la que forma parte desde el siglo XIX. La obra se encuentra aún en el primer lienzo y con el marco original; en el dorso tiene unos pequeños parches y señales de parches anteriores. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.