Enrico Scippa

Sin titulo

Técnica mixta sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Artista ecléctico, no sólo pintor sino también escultor y orfebre, Enrico Scippa nació en Lecce el 6 de febrero de 1937. Comenzó su carrera artística siendo todavía un estudiante universitario. Estudiante de veinte años abandona la Facultad de Economía para matricularse en la Escuela Libre del Desnudo de Roma, ciudad donde pasa unos diez años. En 1966 se trasladó a Bruselas, luego a La Haya y finalmente a París. En 1969 regresa a Italia, donde de 1975 a 1977 imparte clases en Florencia en el Liceo Artístico. Expone en numerosas exposiciones individuales, en exposiciones colectivas y exposiciones premiadas. En 1976 realiza una serie de múltiplos en bronce y otros materiales, trabajando simultáneamente en el diseño de joyas en oro y piedras preciosas: obras todas que le llevaron a viajar con frecuencia a Europa y Estados Unidos. Con motivo de la visita del Santo Padre a Lecce, realizó, por invitación de la Provincia, una cruz de oro que el Pontífice lució durante las funciones sagradas. Colabora desde hace algunos años con numerosos estudios de arquitectura y comunicación. Enrico Scippa ha expuesto en exposiciones individuales tanto en Italia como en Europa y, en Estados Unidos, en Nueva York. La obra se presenta en un marco.

Enrico Scippa

Sin titulo

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado en el lado izquierdo. Artista ecléctico, no sólo pintor sino también escultor y orfebre, Enrico Scippa nació en Lecce el 6 de febrero de 1937. Comenzó su carrera artística siendo todavía un estudiante universitario. Estudiante de veinte años abandona la Facultad de Economía para matricularse en la Escuela Libre del Desnudo de Roma, ciudad donde pasa unos diez años. En 1966 se trasladó a Bruselas, luego a La Haya y finalmente a París. En 1969 regresa a Italia, donde de 1975 a 1977 imparte clases en Florencia en el Liceo Artístico. Expone en numerosas exposiciones individuales, en exposiciones colectivas y exposiciones premiadas. En 1976 realiza una serie de múltiplos en bronce y otros materiales, trabajando simultáneamente en el diseño de joyas en oro y piedras preciosas: obras todas que le llevaron a viajar con frecuencia a Europa y Estados Unidos. Con motivo de la visita del Santo Padre a Lecce, realizó, por invitación de la Provincia, una cruz de oro que el Pontífice lució durante las funciones sagradas. Colabora desde hace algunos años con numerosos estudios de arquitectura y comunicación. Enrico Scippa ha expuesto en exposiciones individuales tanto en Italia como en Europa y, en Estados Unidos, en Nueva York. La obra se presenta en un marco.

Giuseppe Ajmone

Desnudo, 1964

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo derecha; título, una fecha posterior a la espalda. Giuseppe Ajmone, artista de la Valsesia y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo en 1946. Además de los bodegones y paisajes, dominante en su primer periodo artístico, Ajmone usted está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizan a una gran parte de su producción artística realizada por los mediados de los años Sesenta hasta el presente. En el marco.

Fotopittura de Marco Nereo Rotelli

Sin título, 1990

Vidrio pintado en un cuadro. Firmado y fechado en la parte de atrás. Acompañado por la auténtica fotos con el sello de el atelier, la firma del artista y la fecha. Marco Nereo Rotelli es un pintor y un escultor veneciano que crea sus obras entre filósofos, músicos, fotógrafos, y, sobre todo, por la interacción con el poema que, con el tiempo, se ha convertido en una referencia constante para su trabajo, que persigue fundamentalmente un trabajo de investigación sobre la luz y la dimensión poética. Ha realizado o participado en la creación de grandes instalaciones, tanto en Italia como en el extranjero.

Diseño: Ugo La Pietra

Técnica mixta (pastel y acuarela) sobre papel. Firmado y fechado en el 63 en la parte inferior derecha. La Pietra es un arquitecto, diseñador y artista italiano que ha trabajado dentro y fuera de las más diversas disciplinas, declarándose siempre “investigador de las artes visuales”. Su "la investigación de signos" en la pintura comenzó en la década de 1960, dirigida a la recuperación de un mínimo de experimentación simbólico, en el que la actividad de "Il Gruppo del Cenobio" que fundó en 1962 con Agostino Ferrari también se desarrolla., Ettore Sordini, Angelo Verga y Arturo Vermi. a pesar de ser una experiencia breve pero intensa, será históricamente representan el grupo solo Milanese que se ha desarrollado la llamada "corriente señal" en contraposición a los distintos grupos de vanguardia que se identificaron en el arte pop, objetual, cinética . el trabajo propuesto, en excelentes condiciones, pertenece a esta fase. la Pietra luego continuó su experimentación con el sinestesia de las artes, la realización de un proceso creativo que de sierra diferentes disciplinas formales como protagonistas y en relación (pintura de la muestra, el arte conceptual, la narrativa arte, nueva escritura, cine de artista, arte social, neoeclecticismo, pero también arquitectura radical, instalaciones urbanas, entornos desequilibrantes, neoeclecticismo y diseño territorial). El artista ha realizado más de 900 exposiciones personales y colectivas y ha expuesto sus obras en los más importantes museos italianos y extranjeros. El dibujo se presenta en un marco abierto.

Diseño: Ugo La Pietra

Técnica mixta (pastel y acuarela) sobre papel. Firmado y fechado en el 63 en la parte inferior derecha. La Pietra es un arquitecto, diseñador y artista italiano que ha trabajado dentro y fuera de las más diversas disciplinas, declarándose siempre “investigador de las artes visuales”. Su "la investigación de signos" en la pintura comenzó en la década de 1960, dirigida a la recuperación de un mínimo de experimentación simbólico, en el que la actividad de "Il Gruppo del Cenobio" que fundó en 1962 con Agostino Ferrari también se desarrolla., Ettore Sordini, Angelo Verga y Arturo Vermi. a pesar de ser una experiencia breve pero intensa, será históricamente representan el grupo solo Milanese que se ha desarrollado la llamada "corriente señal" en contraposición a los distintos grupos de vanguardia que se identificaron en el arte pop, objetual, cinética . el trabajo propuesto, en excelentes condiciones, pertenece a esta fase. la Pietra luego continuó su experimentación con el sinestesia de las artes, la realización de un proceso creativo que de sierra diferentes disciplinas formales como protagonistas y en relación (pintura de la muestra, el arte conceptual, la narrativa arte, nueva escritura, cine de artista, arte social, neoeclecticismo, pero también arquitectura radical, instalaciones urbanas, entornos desequilibrantes, neoeclecticismo y diseño territorial). El artista ha realizado más de 900 exposiciones personales y colectivas y ha expuesto sus obras en los más importantes museos italianos y extranjeros. El dibujo se presenta en un marco abierto.

Ugo Ferrero

Paisaje con caballería

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior izquierda. La gran escena propone, dentro de un paisaje campestre, la carrera de un grupo de soldados a caballo, que se acercan a su comandante para su observación a la sombra del gran árbol de la izquierda. Los uniformes se refieren a la caballería de los Habsburgo de la segunda mitad del siglo XIX. Ugo Ferrero, originario de Turín pero formado en Milán en la escuela de Cesare Tallone, se dedicó al retrato pero sobre todo a la pintura mural al fresco. Sus obras decoran los edificios públicos de Milán y su provincia. Incluso la obra que aquí se propone, por su tamaño y estructura escénica, remite a un arte de fuerte impacto decorativo. Se presenta en un marco.

Emilio Rizzi

Par de dibujos

Lápiz sobre papel. Firmado al pie, acompañado de la inscripción: "Estudio para la Misa en el Campo". Se trata, por tanto, de dos bocetos inéditos, preparatorios del famoso cuadro del artista cremonese, ahora conservado en el Museo del Risorgimento del castillo de Brescia. Pintado en 1938, el trabajo, el aceite en la lona, es la pintura más grande por Rizzi (longitud de 6,57 m - altura 2,55 m) y fue elaborado en un considerable número de dibujos de lápiz y carboncillo sobre papel a partir de la formación de polvo. Ambientada en el paisaje del Bajo Piave, escenario de trágicas batallas durante la Primera Guerra Mundial, la escena retoma el momento más solemne de la misa, que es la elevación durante la Consagración Eucarística: cada uno de los presentes se entrega a la meditación de diferentes formas. y las poses de los soldados acentúan el sentido trágico de la escena. Los dos bocetos son el estudio de dos poses diferentes de recogimiento en oración de dos soldados. Se presentan en un marco.

Giuseppe Ajmone

A lo largo del Sesia 1970

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. En el reverso el título con más fecha. Giuseppe Ajmone, un artista de Valsesia formado en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo de 1946. Además de las naturalezas muertas y los paisajes, dominantes en su primer período artístico, Ajmone está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizará a una gran parte de su producción pictórica hecha de mediados de los sesenta hasta la actualidad. El paisaje propuesto es un destello lleno de sugerencia de su Sesia. La obra se presenta en un marco.

Pietro Cortellezzi

Virgen con el niño

Fresco. Formado en Milán, procedente de la provincia de Varese, Pietro Cortellezzi se estableció como un fresconte en las iglesias, especialmente en Lombardía y Véneto. En particular, en Milán, uno de sus frescos de las Cuatro Estaciones se puede encontrar en el salón de honor del Palazzo Marino, creado para la restauración de los daños causados por los bombardeos de 1943; otro ciclo en la iglesia de los Santos Gervasio y Protaso. La obra se presenta en un marco.

Gran Tapa de Nueva Guinea

Tejido elaborado con corteza y decorado. Espléndido ejemplo de arte-artesanía, que hace referencia a uno de los métodos más antiguos para obtener ropa sin recurrir a tejer o tejer, pero utilizando la corteza interior de determinadas especies arbóreas. Es un método que se ha practicado en África Central, Sudeste Asiático, Japón, Norteamérica y desde Mesoamérica hasta las regiones de los Andes, Amazonas y Gran Chaco. El término Tapa denota en particular todos los tejidos de corteza de Oceanía, pero en realidad es una palabra originaria de las Islas Fiji. Dependiendo de la zona en que se producen estos tejidos de corteza, se utilizan diferentes especies de árboles: mientras que en África se utiliza la higuera, en Indonesia y las islas del Pacífico la corteza más utilizado es el de la morera de papel, con la que el más alto Se producen tejidos de calidad, que permanecen blancos y se pueden decorar de diferentes formas. Si alguna vez la tela de corteza se usó a diario, incluso simplemente envuelta alrededor del cuerpo, a lo largo de los siglos ha sido reemplazada por el algodón, pero aún hoy se prefiere a las telas occidentales para ocasiones rituales y ceremoniales; sobre todo, estos tejidos siguen siendo importantes bienes de intercambio, obsequios de valor en ocasiones de nacimientos, cumpleaños, bodas (con intercambios entre los familiares del novio y los de la novia), funerales y presentaciones ceremoniales a la familia real. A esto se suma la producción impulsada por el floreciente mercado turístico de este tejido. La tapa que aquí se presenta está decorada con motivos geométricos repetidos, que evocan las chozas y la calle del pueblo. El borde superior no es recto, pero tiene forma de grandes franjas triangulares. Se presenta montado sobre un panel y cerrado en una caja de plexiglás.

Luis Papaluca

M. Y. VIVA II R.T.Y.C.

Gouache sobre papel. Firmado abajo a la derecha. A la izquierda el nombre del barco. La abreviatura R.T.Y.C. define su pertenencia a la Royal Thames Yacht Club como el club de vela más antigua de Gran Bretaña, fundada en 1775, a pesar de que tomó su nombre actual sólo en 1830, y cuya "Commodore", o el presidente del club, es tradicionalmente un miembro de la familia real. Luca Papaluca se distinguió por sus retratos (especialmente gouache) de importantes yates, barcos de vapor en navegación, a menudo ubicados en el Golfo de Nápoles, donde vivió y trabajó, con el Vesubio de fondo. La obra se presenta en un marco.