Espejo Grabado Veneto

Escena del Sacrificio a Venus

Acuarela sobre papel. En la parte inferior izquierda el nombre Giuseppe Cades, aunque en el reverso, además de la atribución, se propone el título "El juramento de la Virgen Vestal", la escena más bien propone a una niña que ofrece guirnaldas de flores a la estatua de la diosa. Venus, representada tradicionalmente que sujeta el velo con una mano para cubrir los lomos mientras con la otra va cubriendo el pecho, y la cabeza con el pelo recogido y adornado con flores. Detrás de la muchacha, un joven observa la escena, mientras un tercero se asoma desde detrás de la columna del templo: parece pues una escena de súplica a la diosa, pidiéndole que favorezca el amor de los dos jóvenes: según ambos griegos y la tradición romana, las mujeres jóvenes antes de la boda se consagraban a esta diosa, considerada protectora del matrimonio y de la fidelidad conyugal. La obra parece cercana a la producción de Giuseppe Cades, quien en la década de 1780-90 se convirtió en una de las personalidades más conocidas y apreciadas del mundo artístico romano, además de dibujante y grabador. La obra se presenta en un marco.

Capriccio Arquitectónico con Figuras

Tinta marrón sobre papel. Escuela veneciana de la segunda mitad del siglo XVIII. Es un boceto con un atisbo del Palacio Ducal de Venecia visto desde los arcos de un edificio de enfrente, y con bocetos de figuras. El dibujo procede de una importante colección privada italiana. Presentado en un elegante marco.

Sinoxis de Santos con María y Cristo en la gloria y Arcángeles.

Témpera sobre madera con riza de metal, dorada en correspondencia con las aureolas. El icono ve en la mitad inferior un grupo de seis santos, cuyo nombre está indicado en caracteres griegos, mientras que en la parte superior aparecen María y Jesús en la Gloria, flanqueados por arcángeles. Los santos representados son, de izquierda a derecha: San Gregorio Magno, San Basilio Magno, San Juan Obispo, San Pedro Apóstol, San Pablo Apóstol, San Andrés Apóstol, todos santos importantes en la liturgia conmemorativa ortodoxa. Las figuras están inscritas en una decoración floral. En la iglesia de los primeros siglos, la synaxis (del gr. Sýnaxis: asamblea) era la reunión de los fieles para la lectura de los libros sagrados y para la celebración eucarística. Sinassi alude por tanto a la presencia de un grupo de personas (ángeles, santos y santas, metropolitanos y monjes) que rodean una representación central, por lo que en el arte iconográfico corresponde a un grupo de santos o ángeles que rodean a Cristo o a la Virgen para glorificarlos. . En la liturgia ortodoxa tales iconos suelen exhibirse y celebrarse al día siguiente de una fiesta importante en la que estos santos fueran coprotagonistas. El ícono tiene pequeñas gotas difusas de color. Refuerzo de madera en la parte trasera. La riza está actualmente desmontada de la mesa, requiere poca intervención para volver a estar en forma para volver a montarla.

Técnica mixta sobre papel, aplicada sobre cartón. Escuela de italiano. El nombre de Londonio se propone en el reverso: la delicada obra recuerda ciertamente el tema y la forma de la obra de Francesco Londonio (1723-1783), el artista milanés que se especializó en los derechos de los animales y el género pastoral. Más bien se puede considerar una obra inspirada en Londonio, por un artista cercano a su campo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. La escena se desarrolla en la tienda de un barbero, que tiene la intención de cortar el cabello de un hombre bajo la atenta mirada de los otros clientes y, sobre todo, de algunas mujeres con hijos, uno de los cuales incluso observa el resultado de la Opera. Las gafas se introdujeron en el arte primero como un signo de distinción, y luego también como un signo de atención científica, delineando progresivamente la figura del erudito, médico y cirujano: en este lienzo realmente subrayan la ironía de la escena, utilizada como herramienta. ¡para un examen femenino detallado del corte de pelo de su esposa! Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la escena ambientada dentro de una taberna, se describe una pelea entre dos hombres, que son detenidos por los otros clientes y por el posadero; sobre la mesa, junto al almuerzo interrumpido, las cartas del juego que desató la pelea. Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

siglo XVIII

Pintado bajo vidrio. Cristo en la Cruz y Magdalena arrodillada a sus pies, desnuda y con la melena suelta según la iconografía tradicional; en el suelo cerca de la Cruz, una calavera, tradicional Memento mori, y una vasija de alabastro, la que contenía el aceite precioso con el que, según el relato evangélico, la Magdalena ungió los pies de Jesús en señal de devoción en reconocimiento a la realeza . El cuadro se presenta en un marco de madera coetánea.

Sant'Antonio Abate y San Paolo el Ermitaño

Pintura al óleo sobre lienzo. Es un gran paisaje nórdico, dominado por picos rocosos a la izquierda y un lago con una isla central a la derecha; en primer plano unas figuras que cuentan la leyenda de San Paolo Eremita, a la izquierda, y Sant'Antonio abate, a la derecha con un centauro. La Leyenda Dorada de Jacopo da Varagine cuenta que San Antonio Abad visitó al ermitaño Pablo, que durante cuarenta años había vivido en soledad alimentado por un cuervo que le traía pan todos los días. Sant'Antonio pidió noticias a un centauro, que también en esta escena le indica con el brazo el camino a seguir. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco de época.

Pintado bajo vidrio. La Magdalena está representada en oración ante el Crucifijo, desnuda y con su larga cabellera suelta, atributos que la caracterizan. y con las manos sobre una calavera, tradicional Memento mori. La pintura tiene ligeras pérdidas de color. La obra se presenta en un marco coetáneo, aplicado a un marco mayor de finales del siglo XIX.

Pintado bajo vidrio

Pintado bajo vidrio. En un paisaje campestre, a las puertas de una cabaña, un hombre que lleva una lámpara de aceite y una lanza se sale del camino, quizás cazando, seguido por el perro. La construcción y el paisaje son nórdicos. La pintura se presenta en un marco estilizado.