Par de espejos barrocos

Témpera sobre madera. El gran icono está dividido en múltiples escenas que trazan la vida de Jesús, comenzando arriba a la izquierda con la representación de la Trinidad en el episodio de Siquem (Antiguo Testamento), para llegar al centro con la Resurrección y Ascensión de Cristo. El tablero tiene algunas grietas en la madera y pequeñas gotas de color.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato propone la figura de una mujer joven que viste un traje cotidiano, pero adornado con bordes de pieles manchadas; curiosamente, con el brazo levantado luce un manguito de piel metido sobre una mano, probablemente una costumbre para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con conservación del lienzo original, aunque reensamblado sobre un nuevo marco. Se presenta en un marco ovalado coetáneo, pero rematado por un friso de madera añadido posteriormente.

Pintura al óleo sobre lienzo. El caballero, vestido de casa, se muestra preparándose para el ritual del té de la tarde: con una mano sostiene la bandeja con la taza y el azucarero, con la otra mezcla la bebida. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La vista amplia de los foros imperiales de Roma es parte de la vasta producción del paisaje del período Grand Tour, destinada a aristócratas europeos ricos que viajan a Europa - y en particular en Italia, donde Roma se consideró una necesidad - que querían un recuerdo de la lugares visitados. Los Foros Imperiales Romanos son un conjunto arquitectónico formado por una serie de edificios monumentales y plazas, centro de la actividad política de la antigua Roma, construidos en un período de unos 150 años, entre el 46 a. y 113 d.C. A pesar de las ampliaciones, los incendios, las restauraciones y las reconstrucciones, durante la Antigüedad los Foros Imperiales mantuvieron intacta tanto su conformación arquitectónica como su función. Su destrucción casi definitiva se produjo durante el Renacimiento a manos del Papa Julio II (1503-1513), quien utilizó toda la zona como cantera de materiales para reutilizar en la edificación y renovación artística de la ciudad por él iniciada. De poco sirvieron las protestas de destacados artistas como Rafael y Miguel Ángel. En los siglos siguientes se llevaron a cabo varias campañas de excavación, con mayor vigor a partir del siglo XIX, pero el área fue excavada por completo a principios del siglo XX y la arquitectura antigua fue borrada casi por completo para dar cabida a la construcción de via dei Fori. Imperiali, que conecta la plaza Venecia, el Coliseo. El Foro fue redescubierto a partir del siglo XVI también gracias a los paisajistas romanos que en aquella época adoraban pintar las ruinas que aparecían en la zona de pastos. La vista que aquí se propone presenta los Foros Imperiales antes de las excavaciones iniciadas en el siglo XIX, cuando aún no se había construido el camino que aún los atraviesa: aún están rodeados de verde campiña y las colinas romanas destacan al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reformado del siglo XIX.

Vistazo de Oporto con Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Finales del siglo XVIII. Gran vislumbre de un puerto, presidido por una torre cercana a la que se ubica el astillero; en primer plano, varias figuras de hombres y mujeres que intentan pescar en el muelle. Banderas de fantasía ondean por todas partes. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. fantasía.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana. La escena, ambientada en un territorio desértico cerca de montañas cubiertas de nieve, ve una caravana ambulante, con una importante figura femenina en el centro en el lomo de un camello, dirigiéndose a un sirviente abajo; Se infiere la clase social alta de mujeres, dominante sobre todas las demás, y se hipotetiza la representación de la Reina de Saba, la riquísima reina bíblica que viene de Oriente para encontrarse con el Rey Salomón. Los métodos pictóricos recuerdan la producción de Francesco Fontebasso (1707-1769) uno de los principales exponentes de la pintura veneciana del período rococó. Probablemente la pequeña obra fue un boceto de un lienzo o fresco más grande. En la parte posterior hay una etiqueta de la colección histórica Simonetti en Roma. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. Se representa un episodio bíblico extraído del libro de Tobías del Antiguo Testamento, en el que se narra cómo Tobiolo, al regresar de un largo viaje iniciático, en el que lo acompañaban el ángel Rafael y el perro, devolvió la vista a su padre ciego. En la escena destacan en el centro las figuras de los dos protagonistas, el padre anciano, sentado en un banco y vigilado por su fiel esposa, y el joven Tobiolo de rodillas; detrás de ellos el ángel los domina, con sus grandes alas protectoras abiertas sobre los dos hombres y que envuelve a Tobiolo en un abrazo, signo de participación divina y protección para el hombre que realiza el milagro. La escena se construye en torno a la dinámica gestual de curación - Tobías tocando los ojos ciegos de su padre ungiéndolos con la hiel del pescado que pescó durante el viaje y que sostiene en la otra mano - que se interpreta según la tradición como una especie de unción que produce salvación. Destaca en esta obra la vivacidad cromática y el movimiento de los cuerpos, entrelazados, superpuestos, interactuando para dar dinamismo pero al mismo tiempo casi para crear un unicum, encerrados en una forma casi circular, bien delimitada por las alas del ángel. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Composición rica con cuenco lleno de flores jaspeadas, frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero que recoge los granos del racimo de uvas colocado sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Rica composición con cuenco lleno de flores abigarradas, un frutero con melocotones, una gran canasta llena de higos y un jilguero recogiendo granos del racimo de uvas colocadas juntas sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Principios del siglo XVIII. El retrato del caballero, vestido con sotana, está inscrito en un marco pintado con adornos de hojas, que en la parte inferior también envuelve una inscripción en latín que identifica al personaje. Nacido en 1504, Giovanni Giovenale Ancina, médico en su juventud, fue uno de los primeros seguidores de San Filippo Neri: para el Oratorio, principal obra apostólica de la Congregación, trabajó con inteligencia y dedicación, poniendo también sus dotes literarias a su alcance. servicio y como artista, así como un estudioso de las ciencias teológicas y un predicador admirado. En 1596 fue nombrado obispo de Saluzzo, donde permaneció hasta su muerte en 1604. En 1890 fue declarado beato por el Papa León XIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.