Fragmento de Bordado sobre Tela del siglo XVIII

Vista de la Badia Fiorentina

Aguafuerte a la acuarela. Abajo a la izquierda las palabras "Ios. Zocchi del.", Derecha "Vincen. Franceschini Firenze". Esta es una vista tomada de "Elección de XXIV Vistas de los principales barrios, plazas, iglesias y palacios de la Ciudad de Florencia", recopilada en 24 hojas grabadas en dibujos de Giuseppe Zocchi en nombre del Marqués Andrea Gerini y publicada en Florencia en tres ediciones entre 1744 y 1757. La realizada por Vincenzo Franceschini corresponde a la segunda edición, publicada en 1754. Toda la producción de Zocchi, que tuvo un gran éxito internacional, representa un precioso documento de imágenes de arquitectura, jardines y paisajes. del siglo de la Ilustración, gracias a la exactitud y precisión de las reproducciones. La impresión se presenta en un marco.

Acuarela sobre papel. Firmado abajo a la derecha "Marqués de Salis". La simpática escena representada se desarrolla dentro de una escuela de religiosos, como lo indica el abcedario en el suelo de abajo; los personajes son filmados en el momento de la oración: están todos arrodillados, la superiora frente al altar con el Crucifijo dirige la oración, mientras todos los niños la siguen, más o menos serenos y atentos, supervisados por otra monja. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Carboncillo sobre papel. Firma no identificada con fecha a la derecha del rostro. En el reverso está el nombre de la joven retratada, Teresina Rota di Valsecca, con más fecha. El trabajo se presenta en concepción coetánea.

Etudes d'Après Nature

Conjunto de doce aguafuertes, presentados en un cuaderno de tapa dura. Del catálogo razonado de las obras de Kobell, publicado en 1822 por el barón de Stengel, también es posible recuperar los títulos de los grabados individuales, que representan figuras de la vida popular. El primero también tiene el título: "Etudes d'après nature, dessinées et gravées par Ferdinand Kobell, ..." (Estudios en vivo, diseñados e impresos por Ferdinand Kobell), con los lugares de venta parisinos enumerados a continuación. A continuación se presentan los títulos de las otras figuras, en el orden de presentación de nuestra colección: El regreso del mercado, los mendigos, los mensajeros, El cantero (vendedor escultura), el vendedor cepillo, el vendedor de verduras, el vendedor del sombrero, el segundo -trabajador de mano (vendedor de estampas), El granjero en el mercado (durmiendo), El vendedor de ropa usada, El ciego.

Aceite sobre la mesa. Escuela española del siglo XVII. La mirada de esta niña es intensa y penetrante, retratada de medio cuerpo con un delicado vestido rosa adornado con un cuello de encaje, pero con el pelo recogido en una alegre y esponjosa cofia roja, que le da un toque travieso al retrato. En el reverso hay una antigua atribución a lápiz a Jacopo Chimenti conocido como Empoli. El cuadro se presenta en un marco antiguo dorado.

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro, realizado en la primera mitad del siglo XX, retoma la obra paisajística en el tema y en la modalidad pictórica: en un paisaje rico en vegetación y con picos al fondo, un joven plebeyo pide caridad a unos viajeros que descansan. en el borde de la carretera, cerca de un arco de piedra. El lienzo ha sufrido un envejecimiento y se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Un sacerdote, arrodillado frente al altar, mientras celebra o se prepara para celebrar la Santa Misa asistido por un monaguillo a la izquierda y una monja a la derecha, dirige su oración a dos santos, que aparecen sobre su cabeza en representación de su meditación y oración interior. En el altar destaca el fresco dedicado a María entronizada con el Niño Jesús, ángeles y santos. La obra tiene diferentes pérdidas de color y se propone en un marco dorado de finales del siglo XIX, con carencias.

El encuentro del centurión Cornelio con el apóstol Pedro

Técnica mixta sobre papel (carboncillo, pluma, tinta parda, acuarela y albayalde). Firmado Pasqual Otin abajo a la izquierda; procedente de una colección privada, se encuentran las marcas de dos colecciones anteriores, Dalla Bella y Frigerio. La obra también va acompañada de un estudio crítico del dr. Francesco Vincenti y un certificado de autenticidad de la Colección Orler. Se trata de un apasionante dibujo de Pasquale Ottino conocido como Pasqualotto, un pintor veronés (el apellido Otin corresponde a la redacción veneciana) que, tras un período de formación en Roma, se embarca en una carrera pictórica en Verona marcada "por el luminismo caravaggesco declinado en el estilo veneciano con el uso de un colorismo robusto". También en este dibujo se percibe ya la tendencia contrarreformista, por el sentido de enseñanza inmediata, ligado a la expresividad dramática de los personajes. El episodio relatado, extraído de los Hechos de los Apóstoles, ve a un centurión romano que suplica la bendición de Pedro, dentro de una habitación que recibe luz de la ventana y está llena de otros personajes del periódico, el ayudante de la derecha y el sirviente quien trae pan y vino a la bandeja de la izquierda. Central es la mirada intensa entre los dos protagonistas, acompañada del atisbo de una sonrisa en sus labios, para expresar la alegría del encuentro de la Salvación. La obra está enmarcada en estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo XVIII-XIX. El tema sagrado en esta escena adquiere una connotación familiar, llena de ternura e intimidad muy terrenales: en un contexto casi exótico, que evoca un oasis en el desierto de palmeras y un manantial de agua en un paisaje árido y montañoso. José y María se sientan a descansar durante su huida a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes; la madre sostiene con ternura al niño Jesús sobre sus rodillas, lo mira con ternura y lo envuelve, mientras José los observa complacido y relajado. Toda la escena se caracteriza por el predominio de los colores marrón-ocre, de los que sólo se diferencia el vestido de María, en sus tradicionales colores azul y rojo; al fondo, un cielo despejado con los colores de un amanecer que acaba de amanecer, con matices rosas. El lienzo se aplicó sobre un marco nuevo de mediados del siglo XX y se colocó en un marco del mismo período, que presenta algunas deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La obra de carácter devocional, ve a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sujetan sus vestiduras, es venerada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha la joven vestida de príncipe, a cuyos pies está descansando una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que lleva en brazos al Niño Jesús se identifica como San Caetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan junto con las posiciones y los gestos, para crear un movimiento casi circular. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo restaurado a principios del siglo XX, con varias carencias actuales (por restaurar).

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana de finales de 1500 - principios de 1600. El lienzo forma parte de una gran producción sacra, que exaltaba la gloria de María y los santos cercanos al cliente. En el centro, María se sienta en un trono con su hijito en brazos, mientras arriba, desde el cielo abierto, el Padre Eterno la bendice, con el globo terrestre en sus manos, símbolo de su poder sobre el mundo; Está flanqueado por dos ángeles. A ambos lados del trono hay dos Santos: a la izquierda, San Domenico di Guzman, vestido con el hábito de un dominico y sosteniendo un lirio y un libro en sus manos; a la derecha, con su hábito característico, San Francisco de Asís, sosteniendo la cruz en forma de Tau y un libro, y en cuyas manos se aprecian los signos de los estigmas. Toda la escena se caracteriza por la naturaleza estática de las figuras todavía típicas del Renacimiento, por los colores brillantes y por los rasgos serenos y delicados de los rostros. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.