Lobo en bronce Tommaso Gismondi

Tejido elaborado con corteza y decorado. Espléndido ejemplo de arte-artesanía, que hace referencia a uno de los métodos más antiguos para obtener ropa sin recurrir a tejer o tejer, pero utilizando la corteza interior de determinadas especies arbóreas. Es un método que se ha practicado en África Central, Sudeste Asiático, Japón, Norteamérica y desde Mesoamérica hasta las regiones de los Andes, Amazonas y Gran Chaco. El término Tapa denota en particular todos los tejidos de corteza de Oceanía, pero en realidad es una palabra originaria de las Islas Fiji. Dependiendo de la zona en que se producen estos tejidos de corteza, se utilizan diferentes especies de árboles: mientras que en África se utiliza la higuera, en Indonesia y las islas del Pacífico la corteza más utilizado es el de la morera de papel, con la que el más alto Se producen tejidos de calidad, que permanecen blancos y se pueden decorar de diferentes formas. Si alguna vez la tela de corteza se usó a diario, incluso simplemente envuelta alrededor del cuerpo, a lo largo de los siglos ha sido reemplazada por el algodón, pero aún hoy se prefiere a las telas occidentales para ocasiones rituales y ceremoniales; sobre todo, estos tejidos siguen siendo importantes bienes de intercambio, obsequios de valor en ocasiones de nacimientos, cumpleaños, bodas (con intercambios entre los familiares del novio y los de la novia), funerales y presentaciones ceremoniales a la familia real. A esto se suma la producción impulsada por el floreciente mercado turístico de este tejido. La tapa que aquí se presenta está decorada con motivos geométricos repetidos, que evocan las chozas y la calle del pueblo. El borde superior no es recto, pero tiene forma de grandes franjas triangulares. Se presenta montado sobre un panel y cerrado en una caja de plexiglás.

paisaje lombardo

Aceite sobre la mesa. firmado abajo a la izquierda. Considerado uno de los paisajistas más poéticos de la década de 1900, el pintor lombardo Ambrogio Vismara transpuso su amor por sus lugares de origen a sus obras, dedicando la mayor parte de su vida a los paisajes lombardos: las montañas, las llanuras, las colinas de su Brianza natal. producción, y evocando a casi todos ellos en atmósferas y tonos otoñales. Su peculiaridad fue el uso de la espátula en lugar del pincel, lo que le permitió obtener un efecto de manchas tonales, con un claro contraste de planos. Aquí se vislumbra un pequeño estanque, con picos alpinos que se vislumbran al fondo, y que remiten a la llanura lombarda. Enmarcado con estilo.

Caricaturas de Gandusio y Melato

Temple sobre papel. Firmado arriba a la derecha. Luigi Daniele Crespi fue un pintor, periodista e ilustrador activo en Roma desde 1912 hasta 1940, del que no hay otros datos biográficos. Vinculado al movimiento futurista, también participó activamente en el diseño de carteles publicitarios y escenografía. Sus elegantes caricaturas y dibujos satíricos fueron publicados en muchas revistas y portadas. En este Crespi dibujo propone las caricaturas de dos personalidades conocidas de la serie del tiempo, Antonio Gandusio (1875 - 1951), que uno de los más cómicos italianos interesantes, tanto de cine y de teatro, casi una comedia de la máscara del arte, y Maria Melato (1885-1950) actriz de teatro, radio y cine. En el marco de.

estudio desnudo

Pasteles sobre papel. Firmado abajo a la derecha; más firma al dorso, con el título. Delicado desnudo femenino, con colores suaves, del pintor veneciano Eugenio Polesello, más conocido por sus paisajes. En el marco de.

Calificación

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Más firma y título en la parte posterior. Es un vistazo paisajístico de la laguna desde la playa con los muelles de amarre de la ciudad friulana, en los colores cálidos y vivos y en la atmósfera suspendida típica del cuadro de Silvio Consadori. Nacido y formado artísticamente primero en Brescia, su ciudad natal, y luego en la Academia Carrara de Bérgamo, Consadori descubrió Burano en 1935, incorporándose inmediatamente al círculo de artistas que pasaban largas temporadas en la isla. Inicialmente fue un pintor de escenas de género (los interiores de cafés y maternidades estaban entre sus temas más recurrentes), mientras que después de la guerra se dedicó constantemente a la pintura sacra. A partir de la década de 1950, sus grandes ciclos de frescos con temas sagrados, que culminó en 1971 en lo que él mismo definió como "el resultado más completo de mi pintura al fresco": doce frescos en la iglesia de San Giuseppe al Trionfale en Roma. En los últimos años de su vida pasó largas temporadas no sólo en Milán, donde enseñó en el liceo de Brera, sino también en el lago de Garda y Burano, donde murió en 1994. Obra enmarcada.

Aceite sobre la mesa. Firma no identificada abajo a la derecha. A imitación de la pintura renacentista, el cuadro presenta a las tres figuras sentadas en un prado con un amplio y apacible paisaje de fondo; María sostiene el libro de oraciones en una mano, pero su mirada se dirige a los dos niños, Jesús en sus brazos y Juan sentado en el suelo, quienes sostienen ambos en una mano el palo rematado por la Cruz, símbolo iconográfico de la Pasión. El cuadro se presenta en un marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Gran presentación de la Sagrada Maternidad, con María sentada sobre las nubes y el Niño en sus brazos, bendiciendo, mientras sostiene una rosa en la otra mano. El fondo es neutro, de un color dorado que ayuda a dar solemnidad a la escena. La pintura se presenta en un marco dorado de finales de 1800-principios de 1900, que necesita restauración de los estucos.

En Brianza

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda está el monograma DB. Sello de título y galería en la parte posterior. El atisbo de la campiña de Brianza, todavía llana, muestra a un pastor que deja pastar a sus vacas en los prados inmediatamente a las afueras del pueblo, cerca del camino de tierra flanqueado por postes de luz; dos troncos desnudos y delgados se alzan verticales, casi paralelos, dividiendo la escena en tres planos. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Figura con pandereta 1927

Impresión de punta seca. Firma impresa abajo a la izquierda. Firma adicional a lápiz al pie, con número de serie 67/125. En la vasta producción de Ardengo Soffici también encontramos diversas figuras humanas, que bien expresan su opción por volver al tradicionalismo, luego de haber intentado varias experiencias vanguardistas. La obra se presenta en un marco.