Paisaje de montaña - La Thuile 1903

Retrato femenino 1950

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado (1-5-1950) en el ángulo inferior izquierdo. Nacido en Bolonia pero formado artísticamente en la Academia Brera de Milán, a principios del siglo XX estudia en París, donde puede admirar la pintura de los grandes maestros del pasado y seguir con gran interés las nuevas tendencias pictóricas que avanzan en el clima de renovación general que trae el nuevo siglo. De hecho, en su pintura de las primeras décadas del siglo XX se pueden encontrar influencias de temas como el simbolismo y el divisionismo, pero Mascarini opta por no dejarse llevar por las nuevas corrientes que aclaman la deconstrucción de la forma, permaneciendo en el recinto de su estudio para pintar los afectos y las miradas de la vida cotidiana más cercana a él. Su lenguaje figurativo bebe del naturalismo lombardo de finales del siglo XIX, su pintura se enmarca en un dibujo sobrio y equilibrado. Paisajista y retratista, propone escenarios delicados y plácidos, como los glaciares que pinta mientras escala en el silencio de las altas montañas que tanto ama, y retratos con rostros armoniosamente enmarcados por suaves pinceladas, que expresan sentimientos íntimos. El retrato de una dama que aquí se presenta propone una figura que, aunque elegante en su traje de noche, expresa serenidad, calma, intimidad más que mundanalidad en su rostro y pose. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

El Cocoma Blu 1960

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Más firma, fecha y título en la parte posterior. Artista milanés descendiente de una rama cadete de la nobleza Gonzaga de Mantua, Giovan Francesco participó en la Segunda Guerra Mundial con la Caballería de Saboya cuando aún tenía veinte años, participando con el escuadrón “Fantasma” en acciones de patrulla en la estepa rusa. . Los meses que pasó en estrecho contacto con el caballo durante la guerra despertaron en él una verdadera pasión por los caballos, que se convirtieron en el tema privilegiado de numerosas pinturas, esculturas y poemas. Artista autodidacta, declaró "La naturaleza es mi verdadera maestra", y fiel a ella, después de los caballos, se dedicó principalmente a los paisajes y bodegones, siempre representados "al aire libre". Vittorio Sgarbi escribió sobre él: "La sabiduría de Giovan Francesco Gonzaga reside en el diseño, que es fuerte y decisivo... Las imágenes vibran con inquietud, en el signo de la lucha del hombre contra sí mismo, en el infierno de una historia que siempre parece repetir el mismo drama, pero si el dibujo preparatorio es admirable, el color de este artista tiene una realeza y una sensibilidad que provienen de una percepción musical del color, donde la paleta se expresa en botones repentinos, variaciones y ritmos. ". Sus obras aparecen en varios museos, incluido el de la Caballería Pinerolo, el Museo Histórico de la Guardia di Finanza en Roma, el Museo de Tel Aviv, el Museo de Arte de Los Ángeles, en colecciones públicas y privadas en Italia, Francia, España, Luxemburgo , Indonesia, China, Japón, Singapur y América. En este bodegón, los colores están especialmente realzados: los tres elementos -la coccoma azul, que es una jarra esmaltada, un limón cortado y un vaso de leche-, bien espaciados y propuestos en colores contrastantes, destacan sobre las dos tonalidades de verde del fondo. La obra se presenta en un marco.

París Rue Norvins 1957

Óleo sobre cartón. Iniciales del artista (MVM) y fecha abajo a la derecha. En el reverso etiqueta y sellos de la Galleria Ponte Rosso de Milán con los datos de la obra (autor, título, fecha). Formado artísticamente en su ciudad natal, Módena, Vellani Marchi en 1924, tras su debut en la Bienal de Venecia con algunas litografías y aguafuertes de motivos paisajísticos, realiza su primera estancia en Burano, donde también volverá más tarde dando vida con Guido Tallone y otros. artistas a una asociación llamada "Escuela de Buranella". A partir de este momento los paisajes, las figuras y las características vistas de la isla muy querida por el pintor, constituirán un tema recurrente en su producción. Luego se trasladó definitivamente a Milán, donde se acercó al mundo editorial colaborando con periódicos y revistas y se consagró como pintor, dibujante e ilustrador y participó en las exposiciones más importantes, no solo nacionales. Después de la guerra, también colaboró con el Teatro alla Scala creando numerosos decorados. Varios atisbos de las calles parisinas también forman parte de su producción de los años 50, como este en una pequeña calle del barrio de Montmartre. La obra está enmarcada en estilo.

árboles en la orilla del lago

Pintura al óleo sobre lienzo. firmado abajo a la derecha. En el reverso hay: sello de la Galleria Annunziata de Milán y etiqueta de participación en la exposición en la misma, cartucho de exposición adicional de 1951 en la Galería de Arte Rascacielos de Legnano, otros dos sellos de otras galerías de arte. El cuadro va acompañado de autenticación en foto con sello del catálogo general de obras de A. Del bon y número de catálogo. Nacido en Milán y formado en la Academia de Brera como alumno de di Alciati, Angelo Del Bon debutó en Monza en 1924 en la exposición de retratos femeninos. En 1926 participó en la segunda exposición del siglo XX italiano, pero enseguida se apartó de este movimiento y de su pesadez y estática, buscando más bien una mayor ligereza de matices y desplazando el interés de la forma al color, para llegar a una definición esencialmente cromática. del cuadro. , también sobre las sugerencias del postimpresionismo. A partir de 1930, año en que vuelve a estar presente en la Bienal de Venecia, comienza el diálogo con la naturaleza y la clara descripción del paisaje lombardo, buscando una definición más clara y luminosa del espacio circundante. A partir de 1932 llega a una total puesta a cero de los valores superficiales, introduciendo grandes manchas de blanco y definiendo una técnica propia y peculiar, que consistía en aplicar sobre la tela una capa uniforme de blanco de zinc, procediendo posteriormente a mezclas puras de color y raspados para dejar la preparación emerge del fondo. Del Bon obtuvo obras de absoluta claridad y brillo, acentuadas por el uso de colores pastel, que caracterizaron sus pinturas a partir de 1933. Pintó principalmente paisajes lombardos; a partir de 1941 inicia la serie de bodegones y flores. En 1940 montó la galería Annunciata con su amigo Grossetti, a la que Del Bon cedió en exclusiva toda su producción. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Naturaleza muerta 1948

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Artista milanés descendiente de una rama cadete de la nobleza Gonzaga de Mantua, Giovan Francesco participó en la Segunda Guerra Mundial con la Caballería de Saboya cuando aún tenía veinte años, participando con el escuadrón “Fantasma” en acciones de patrulla en la estepa rusa. . Los meses que pasó en estrecho contacto con el caballo durante la guerra despertaron en él una verdadera pasión por los caballos, que se convirtieron en el tema privilegiado de numerosas pinturas, esculturas y poemas. Artista autodidacta, declaró "La naturaleza es mi verdadera maestra", y fiel a ella, después de los caballos, se dedicó principalmente a los paisajes y bodegones, siempre representados "al aire libre". Vittorio Sgarbi escribió sobre él: "La sabiduría de Giovan Francesco Gonzaga reside en el diseño, que es fuerte y decisivo... Las imágenes vibran con inquietud, en el signo de la lucha del hombre contra sí mismo, en el infierno de una historia que siempre parece repetir el mismo drama, pero si el dibujo preparatorio es admirable, el color de este artista tiene una realeza y una sensibilidad que provienen de una percepción musical del color, donde la paleta se expresa en botones repentinos, variaciones y ritmos. ". Sus obras aparecen en varios museos, incluido el de la Caballería Pinerolo, el Museo Histórico de la Guardia di Finanza en Roma, el Museo de Tel Aviv, el Museo de Arte de Los Ángeles, en colecciones públicas y privadas en Italia, Francia, España, Luxemburgo , Indonesia, China, Japón, Singapur y América. En este bodegón aparecen sobre una mesa los elementos de un momento de la vida cotidiana, el de un té de la tarde: dos teteras de plata, la taza con la cuchara y la servilleta de encaje, un plato con limón reposando sobre unas fotos; en la pared de fondo roja, una lámina enmarcada. Destaca el intenso cromatismo y la fuerza expresiva de los elementos. La obra se presenta en un marco.

paisaje piamontés

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la derecha. Al reverso esta etiqueta de la Galería Bolzani de Milán, con el título de la obra. Nacido en Crespellano (BO) en 1889 de la mano del pintor Ugo Gheduzzi, Giuseppe aprendió de él los rudimentos del arte junto con sus hermanos Cesare, Mario y Augusto. Después de su debut en Vignola en 1907 con la pintura Paisaje alpino, Giuseppe Gheduzzi perfeccionó su formación en Turín en la Academia Albertina como alumno de Andrea Marchisio y Paolo Gaidano. Dejando la Academia, colabora con su padre para la realización de las escenografías del Teatro Regio. Giuseppe es un hábil paisajista: pinta destellos y panoramas venecianos, vistas de los lagos y valles del Piamonte y de la Riviera de Liguria. Pero, a diferencia de su hermano Cesare, también se destaca en la pintura de interiores con figuras y temas orientalistas: sus escenas de género y pinturas que representan interiores de tiendas de artesanos, anticuarios y establos son especialmente apreciadas por el público y la crítica. Durante su vida, Giuseppe participó en muchas revistas de la Promotora de Bellas Artes de Turín y en el Circolo degli Artisti de Turín, y realizó varias exposiciones personales. Murió en Turín el 21 de mayo de 1957. Esta vista de la campiña piamontesa también forma parte de su vasta producción paisajística, con una figurilla solitaria caminando por el sendero. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Mercado de flores de Santa Lucía

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la derecha. Al dorso el título a lápiz. Es una mirada viva e intensa al Pallonetto di S. Lucia, el conocido callejón en terrazas napolitano que, junto con los de San Liborio y Santa Chiara, constituye los tres Pallonetti de Nápoles; llamativos y peculiares los contrastes de luces y colores Oscar Ricciardi fue un prolífico pintor napolitano considerado por algunos como la cabeza del impresionismo napolitano; pintó como temas principales marinos, playas, miradas, paisajes y costumbres y tradiciones napolitanas de su ciudad. En sus obras el cromatismo intenso, el estudio del natural, el abandono del dibujo y la luz límpida y clara que impregna las escenas, revelan el conocimiento del impresionismo, debido a la presencia en Nápoles de Giuseppe De Nittis. La pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Flores amarillas en jarrón con marco, 1947

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Composición de margaritas amarillas en jarrón, con marco de fotos detrás. Noel Quintavalle, (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entretanto también realizó actividades literarias publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también experimentó con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato (con preferencia por determinadas figuras femeninas, como bailarinas) y el paisaje. Su producción de temas florales se remonta a la década de 1940, vinculada al período en el que recupera la necesidad de interioridad, acercándose a los conceptos estéticos del arte del "siglo XX". La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Amapolas en jarrón 1948

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Composición de amapolas en jarrón, con Madonnina de cerámica en la pared trasera. Noel Quintavalle (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entretanto también realizó actividades literarias publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también experimentó con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato (con preferencia por determinadas figuras femeninas, como bailarinas) y el paisaje. Su producción de temas florales se remonta a la década de 1940, vinculada al período en el que recupera la necesidad de interioridad, acercándose a los conceptos estéticos del arte del "siglo XX". La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Jarrón de flores 1949

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Composición de flores rosas en un jarrón, que se refleja en el retrovisor. Noel Quintavalle (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entretanto también realizó actividades literarias publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también experimentó con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato (con preferencia por determinadas figuras femeninas, como bailarinas) y el paisaje. Su producción de temas florales se remonta a la década de 1940, vinculada al período en el que recupera la necesidad de interioridad, acercándose a los conceptos estéticos del arte del "siglo XX". La obra se presenta en un marco contemporáneo.

El puerto de Livorno después de la guerra, 1947

Aceite en la mesa. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. En el reverso de esta dedicatoria manuscrita del autor y escrita por el comprador, el pintor colega Valsecchi, con el título y el registro de origen de la "Exposición de pintores toscanos" en la Galería Lucas. Cafiero Filippelli nació en Livorno y se formó artísticamente en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde entró en contacto con Giovanni Fattori y el maestro del arte de la libertad Galileo Chini. Filippelli se especializó en interiores de luz artificial, revelando una inclinación íntima, pero también supo variar en la pintura al aire libre: sus puertos deportivos y paisajes, repletos de figuras principalmente femeninas, revelan una marcada aptitud para el retrato. La obra presentada ofrece una visión del puerto de Livorno, dominado por los dos cargueros, cuyos reflejos en el agua crean un efecto cromático agradable y sugerente. En el marco de.

Arte etíope, hacia 1935

El lienzo representa la vida cotidiana y su fluir a través del trabajo en el campo, elemento central de supervivencia. En la fila superior vemos el primer arado, seguido, tras la llegada de las lluvias, una segunda preparación del suelo. En la segunda fila, vemos las semillas extraídas de los graneros; se transportan en sacos y se siembran, con posterior cubrición con azada; la fila se cierra con el brote de plántulas. En la tercera fila, el agricultor vigila y protege a los sembrados de los animales salvajes; sigue la escena de la siega y la trilla, que termina con el guardado del fruto del trabajo en el granero. En la cuarta fila, una mujer prepara la harina y cuece una focaccia; luego le lava los pies a su marido y él responde ofreciéndole el primer bocado; la escena termina con toda la familia en la cama. Forma parte de un grupo de siete obras, que llegaron a Italia a finales de los años treinta; fueron adquiridos directamente en el lugar, como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y las fotos familiares, por el abogado xxx, abuelo de los propietarios, quien fue enviado como representante legal de una productora italiana en 1935 en Etiopía, y de allí fue expulsado en 1938 por el general Graziani porque se consideró antifascista. Los lienzos quedaron en la colección familiar, en el palacio de la familia, y ahora se vuelven a proponer en todo su poder expresivo. Etiopía tiene una historia muy particular: ubicada entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulado también por los constantes e intensos flujos comerciales. Cinco siglos antes de Cristo se estableció la dinastía Aksum; bajo este reinado, en el siglo IV después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión estatal, en su versión copta ortodoxa. Los textos sagrados medievales también hablan, sin embargo, de una relación directa con una de las diez tribus judías, que se refugió en Etiopía, de donde se derivó el linaje real a través de la reina de Saba. Y de hecho en Etiopía aún vive el linaje Falascià, judíos negros cuyos primeros registros históricos se remontan al 600 d.C. Etiopía era, por tanto, un baluarte judeo-cristiano, con influencias africanas, pero que debía considerarse casi el extremo sur de la cultura mediterránea.