Tobiolo le devuelve la vista al padre Tobias

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. La escena, ubicada cerca del mar, está dominada por un gran complejo de ruinas arquitectónicas, con estatuas, arcos, jardines colgantes y animado por numerosas figurillas de plebeyos dedicados a diversas actividades. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del Norte de Europa. La pintura en tonos suaves y propone al espectador, personificada en la figura del hombre en la parte inferior derecha que observa escalar una rama de un árbol, una escena de entretenimiento orgiástica entre hombres y mujeres en un paisaje que evoca Edén con animales libres y en paz ( el pavo real, los conejos..). Entre los demás, a la izquierda un niño juega con pompas de jabón: es evidente la intención de contrastar la fugacidad de la vida con los placeres de los sentidos; en lo alto de las nubes, una deidad observa la escena, Chronos, el dios del tiempo, que con su guadaña subraya la mortalidad humana. Una etiqueta en el marco atribuye la obra al flamenco Philippe-Augustin Immenraet (1627-1679), por la proximidad del paisaje objeto de su estilo. La obra, restaurada y rebasada, presenta una gota de color central. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Juan Bautista estaba representado, envuelto en la tradicional piel de animal, sentado sobre una roca contemplando el crucifijo; abajo a la derecha, una fuente de agua, símbolo bautismal, brota de la roca. Aparecen entonces sus signos iconográficos tradicionales, testigos de sus peculiaridades misioneras, aunque la pose del santo es atípica, más contemplativa que la de un predicador. Las modalidades pictóricas son cercanas a la escuela española de derivación a Murillo, el mayor artista español del barroco religioso, que impregnaba sus figuras de una intensa interpretación psicológica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco coetáneo antiguo, con pequeñas carencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Mater dolorosa

Pintura al óleo sobre lienzo. Copia de tema realizada por Tiziano, que realizó tres autógrafos distintos, distintos entre sí para la pose de la Virgen: 1. Mater Dolorosa con las manos abiertas (óleo sobre mármol, Museo del Prado de Madrid); 2. Mater Dolorosa con manos juntas (óleo sobre tabla en el Museo Cerralbo, Madrid); 3. Mater Dolorosa con manos juntas (óleo sobre tabla, subastado, Nueva York, 06-04-2006). Estas obras datan de mediados del siglo XVI, pero posteriores a ellas, y sobre lienzo, existen otras variantes, atribuidas al artista veneciano y su taller. Es bien sabido que Tiziano también introdujo pequeñas variaciones en sus réplicas autografiadas para reforzar el efecto de autenticidad. Esta copia, que data del siglo siguiente, es sin embargo de excelente calidad ejecutiva. En la parte posterior hay un monograma (en la ventana del lienzo adherido) que probablemente sea la firma del artista. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana de mediados del siglo XVIII. La pintura propone el mito griego del sacrificio de Ifigenia, la hija del rey Agamenón, líder de la expedición aquea que debía partir hacia Troya. Como la flota griega no podía hacerse a la mar debido a los vientos desfavorables, el adivino Calcante predijo que, debido a una ofensa que el rey había infligido a la diosa Artemisa, ahora se oponía a su partida hasta que el rey no sacrificara a su pequeña hija. en el altar Ifigenia aceptó valientemente el sacrificio y subió espontáneamente al altar, pero en el último momento Artemisa, compadecida, la cambió por un cervatillo y se llevó viva a la niña en Tauris, donde se convirtió en sacerdotisa de la diosa que la había salvado. La gran escena, ambientada fuera del campamento griego junto al mar (los barcos anclados al fondo a la izquierda, las tiendas a la derecha), ve en el centro a la diosa Artemisa que cambia a la joven y hermosa Ifigenia por el cervatillo, mientras el el cura Calcante ya tiene en la mano el cuchillo del sacrificio; a la derecha la desesperación del rey Agamenón y su esposa Clitemnestra. La pintura es estilísticamente cercana a la producción de Fedele Fischetti (1732-1792), el artista napolitano que se dedicó principalmente a las escenas alegóricas/mitológicas, en particular en sus primeras obras de la década de 1860. La obra que aquí se presenta fue subastada en Sotheby's en abril de 1998. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo.