Aplique farol

Cuatro mujeres 1986

Aguafuerte y aguatinta sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha; número de serie 54/95 abajo a la izquierda. La obra, creada en 1986, propone uno de los temas más recurrentes en la producción de Renato Guttuso, la mujer, que propone siempre de forma apasionada en el tono, incisivo y marcado en el signo, para captar la mirada de forma erótica y sensual. énfasis Musa inspiradora y protagonista indiscutible de muchas obras de la artista de Bagheria fue Marta Marzotto, cuyos rasgos también se encuentran en esta obra. Son cuatro mujeres y sin embargo ella es una sola; están cerca uno del otro casi tocándose, pero cada uno ignora la presencia del que está al lado. No hay intención narrativa en Guttuso, sino que las mujeres se persiguen sobre la superficie de la hoja como en un libro de estudio, apuntes para las grandes composiciones sobre las que trabaja el artista. Por tanto, como es característico de los estudios, lo que interesa aquí a Guttuso es seguir el despliegue de los signos hasta recomponerlos en una síntesis que los transforma en una imagen completa. El aguafuerte traza con delicadeza contornos y líneas internas que unas pocas pinceladas de aguatinta apenas colorean; o jugar libremente con las intrincadas masas de cabello que siempre han sido un elemento típicamente y exclusivamente gráfico para Guttuso. La litografía está montada sobre un panel con un marco visible.

Óleo sobre madera contrachapada. Firma sin descifrar abajo a la derecha. Un rico ramo de rosas rosadas y blancas llena un jarrón de cerámica estampado de colores brillantes que se destaca sobre el fondo marrón. La pintura se presenta en un imponente marco guilloché contemporáneo.

Paisaje montañoso con cabaña

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Un atisbo de colinas onduladas caracterizadas por el brillo del color verde, en una amplia gama de tonalidades realzadas por bordes suaves, coronadas por el azul del cielo e interrumpidas únicamente por una cabaña, que también incorpora los mismos colores de la tierra y el campo. Es obra del joven artista milanés Amerigo Canegrati, que tuvo gran fama en los años treinta, y está considerado entre los representantes de las corrientes pictóricas lombardas del siglo XX italiano; su pintura expresa profundas cualidades colorísticas tanto en los paisajes como en las composiciones y figuras. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Vistazo de Mandello Lario 1909

Pintura al óleo sobre lienzo. Firma y ubicación (Mandello) abajo a la izquierda. Al dorso firma adicional, fecha y título completo. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se educó en el clima del romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también creó valiosas naturalezas muertas, con colores vivos y un dibujo preciso y realista. Su producción paisajística se nutre de los diversos lugares que visitó y vivió, en Italia y en el extranjero, especialmente en España y Francia. En este paisaje, Pellegrini ofrece una visión de la montaña que domina la ciudad a orillas del lago de Como: una montaña árida y pelada, aunque habitada, con la choza en la cima y una figura femenina llenando los cubos en la corriente de agua que fluye. entre las rocas; los colores son los de las nieblas invernales, divididos casi transversalmente entre el azul grisáceo de la parte alta, con nubes cargadas de lluvia que dominan las cumbres al otro lado del lago (que se intuye, sin que se vea), y el marrón verdoso de la tierra que ocupa la mitad inferior, con las ramas de los árboles desnudos estiradas para conectar las dos mitades. La quietud de las montañas, título de la obra, trasluce claramente y se apodera de la mente del observador. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Paisaje surrealista 1974

Técnica mixta sobre madera. Firmado y fechado abajo a la derecha. Firma adicional y fecha al dorso (1973, no coincide en un año con la del reverso). Bruno Artioli, artista originario de Nocera Umbra, fue ante todo un paisajista, que interpretó tanto con un naturalismo clásico como con una pureza geométrica en clave abstracta. En esta segunda clave interpretativa, las miradas de Bruno Artioli van más allá de la realidad fenoménica para adquirir un carácter completamente objetivo, desprovisto de todo particularismo, los elementos del paisaje acaban reducidos a puras formas y puros colores. La obra presentada se inscribe en esta concepción del paisaje, escaso, geométrico, limpio en cada línea así como en la subdivisión de colores, que mantienen cada uno su propia identidad y ocupan un espacio bien definido. En el marco de.

Aceite en el panel. Firmado en el ángulo inferior derecho y en la parte posterior Verschafeldt. Pequeñas gotas de color. Presentado en contemporáneo marco, con deficiencias.

A lo largo del Sesia 1970

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. En el reverso el título con más fecha. Giuseppe Ajmone, un artista de Valsesia formado en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo de 1946. Además de las naturalezas muertas y los paisajes, dominantes en su primer período artístico, Ajmone está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizará a una gran parte de su producción pictórica hecha de mediados de los sesenta hasta la actualidad. El paisaje propuesto es un destello lleno de sugerencia de su Sesia. La obra se presenta en un marco.

Movimiento, 1982

Óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior derecha. La parte de atrás contó con el título y la firma. Giuseppe Ajmone, artista de la Valsesia y se formó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, fue uno de los firmantes del Manifiesto del Realismo en 1946. Además de los bodegones y paisajes, dominante en su primer periodo artístico, Ajmone usted está interesado en la tendencia de los desnudos que caracterizan a una gran parte de su producción artística realizada por los mediados de los años Sesenta hasta el presente. En el marco.

Los jarrones en Fondo Bleu 1961

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. En el reverso hay otra firma, fecha y escritura manuscrita con el título de la obra y la ubicación (Del estudio de Milán). También hay una etiqueta de la Galería Gussoni de Milán relativa a la exposición personal del artista en 1962. Artista milanés autodidacta, Giovan Francesco Gonzaga declaró "mi verdadera maestra es la Naturaleza", y fiel a ella, se dedicó principalmente a las escenas con caballos (pasión heredada de su experiencia en la Savoia Cavalleria durante la guerra), a los paisajes y a las vidas , siempre representado "en plein air". Vittorio Sgarbi escribió sobre él: "La sabiduría de Giovanni Francesco Gonzaga está en el diseño, que es fuerte y decisivo... Las imágenes vibran con inquietud, en el signo de la lucha del hombre contra sí mismo, en el infierno de una historia que siempre parece repetir el mismo drama. Pero si el dibujo preparatorio es admirable, el color de este artista tiene una realeza y una sensibilidad que provienen de una percepción musical del color, donde la paleta se expresa en botones repentinos, variaciones y ritmos”. En esta composición domina el color azul, representado en una amplia gama de tonalidades que definen y diferencian los jarrones, de todas las formas, el candelero y los fondos: los juegos cromáticos crean un ambiente vivo pero personal, íntimo, y el artista parece expresar a través del sentido de la vista, sus estados de ánimo, sus percepciones internas de la realidad que lo rodea. La pintura tiene dos pequeños parches en la parte posterior. Se presenta en un elegante marco.

Reproducción textil

Reproducción textil en seda, en dos colores. Hecho con un diseño de T. Strazza, como se muestra a continuación a la izquierda. La fiel reproducción de la pintura de Leonardo es parte de una floreciente producción manufacturera lombarda, que volvió a proponer la obra maestra en diferentes formatos. La obra se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Figura en rojo

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Firma adicional en la espalda. Eliano Fantuzzi, nacido en Módena pero criado y formado artísticamente en Verona, se trasladó a París cuando aún era muy joven, fascinado por las corrientes de la Ilustración primero y luego por las corrientes expresionistas, y en esta ciudad comenzó a exponer y construir su carrera. Después de unos años en el ejército francés, regresó a Italia en 1943, pero en 1948 fue llamado por el Emir Ibim Saud para decorar el palacio saudí de Taif, donde permaneció hasta 1952, pintando frescos en la sala de recepción. Después de regresar a Italia para siempre, expuso en exposiciones y bienales. Influenciado por el contacto con el expresionismo en sus años parisinos, Fantuzzi puso un marcado énfasis en sus obras en la expresión de las emociones, de los estados de ánimo. Sus figuras son, por tanto, sumarias, nunca del todo definidas, más bien deformadas en formas alargadas, los rostros anónimos y colocados en escenarios solitarios y melancólicos; Por otro lado, el color domina en sus lienzos en sus gamas más marcadas, generalmente los fríos tonos de azules, verdes y morados, que crean contrastes a veces violentos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópoli y la dificultad de comunicarse en las relaciones interpersonales. La pintura se presenta en un marco.

Pensamiento repentino 1984

Óleo sobre cartón. firmado arriba al centro y fechado abajo a la derecha. Más firma, fecha y título en la parte posterior. La obra pertenece al último período del pintor de origen marche Renato Bontempi, que primero se formó en Luca pero luego vivió en Milán. Desde la producción figurativa inicial, Bontempi avanza progresivamente hacia una pintura abstracta, a la que pertenece el cuadro que aquí se propone. En Crónica.