Ángel del Bon - árboles en la orilla del lago

Marmittone se casa 1950

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. En el reverso hay un cartucho de la Galería Ranzini de Milán, relativo a la exposición personal del artista realizada en noviembre de 1950, que indica el título de la obra. Se trata de un tema original e insólito del pintor ligur, que se inspira en un cómic publicado a partir de 1928 en el Corriere dei Piccoli, que narra las aventuras del simple soldado Marmittone, un tipo no demasiado brillante pero de buena voluntad que, debido a patinazos o simplemente por pura mala suerte, termina en la cárcel al final de cada aventura. La obra de Noelqui es fantástica: los dos protagonistas de la escena, Marmittone y su novia, están flanqueados por personajes con apariencia de animales, el contexto está representado con casas geométricamente definidas con trazos simples, los colores son vivos y alegres. Parece casi la ilustración de un cuento infantil, que remite a la actividad del escritor, también de cuentos de hadas y cuentos, en los que se aventuró Noelqui. Noel Quintavalle (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entre tanto, también llevó a cabo la actividad literaria antes mencionada, publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también probó suerte con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato y el paisaje. La obra presentada está en un marco contemporáneo, con algunos pequeños defectos.

paisaje de invierno

Pasteles sobre papel aplicado a lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El gran paisaje está completamente dominado por el juego del color: dividido en dos semicampos dados por el cielo y la tierra (un terreno montañoso donde brotan esporádicamente abetos), ve prevalecer arriba el azul rosado del cielo, bajo el azul verdoso del la nieve en el suelo, dos tonalidades de una misma gama cromática que luego se encuentran en el horizonte de las montañas. Cinotti fue un paisajista exponente del divisionismo italiano, cuya pintura se caracteriza por una aplicación matérica y pastosa con toques de color espatulados. En marco coetáneo.

Tejido elaborado con corteza y decorado. Espléndido ejemplo de arte-artesanía, que hace referencia a uno de los métodos más antiguos para obtener ropa sin recurrir a tejer o tejer, pero utilizando la corteza interior de determinadas especies arbóreas. Es un método que se ha practicado en África Central, Sudeste Asiático, Japón, Norteamérica y desde Mesoamérica hasta las regiones de los Andes, Amazonas y Gran Chaco. El término Tapa denota en particular todos los tejidos de corteza de Oceanía, pero en realidad es una palabra originaria de las Islas Fiji. Dependiendo de la zona en que se producen estos tejidos de corteza, se utilizan diferentes especies de árboles: mientras que en África se utiliza la higuera, en Indonesia y las islas del Pacífico la corteza más utilizado es el de la morera de papel, con la que el más alto Se producen tejidos de calidad, que permanecen blancos y se pueden decorar de diferentes formas. Si alguna vez la tela de corteza se usó a diario, incluso simplemente envuelta alrededor del cuerpo, a lo largo de los siglos ha sido reemplazada por el algodón, pero aún hoy se prefiere a las telas occidentales para ocasiones rituales y ceremoniales; sobre todo, estos tejidos siguen siendo importantes bienes de intercambio, obsequios de valor en ocasiones de nacimientos, cumpleaños, bodas (con intercambios entre los familiares del novio y los de la novia), funerales y presentaciones ceremoniales a la familia real. A esto se suma la producción impulsada por el floreciente mercado turístico de este tejido. La tapa que aquí se presenta está decorada con motivos geométricos repetidos, que evocan las chozas y la calle del pueblo. El borde superior no es recto, pero tiene forma de grandes franjas triangulares. Se presenta montado sobre un panel y cerrado en una caja de plexiglás.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena de gran estilo, retoma las composiciones pictóricas de los siglos XVII y XVIII, los llamados caprichos arquitectónicos, que ubicaban estructuras arquitectónicas antiguas, a menudo en ruinas, dentro de un paisaje italiano animado por figuras populares. El mismo tema se encuentra en este gran lienzo de fuerte impacto decorativo. Se presenta en un elegante marco.

Temple sobre lienzo. Mediados de 1900. Los cuatro grandes paneles decorativos tienen la forma de delimitar el orificio central de la lámpara de araña. Están decorados con un motivo de guirnalda de hojas, con frutas y cintas, que en los paneles ensamblados forman una corona; en cada panel aparece un putto, con la intención de jugar con la guirnalda. La razón es neoclásica. La decoración total mide 350 x 240 cm.

Trompe l'oeil, 1993

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. En la parte posterior hay más escritura en caracteres cirílicos y una etiqueta. Preciosa obra de la artista rusa, que retoma la modalidad compositiva del trampantojo del '600 y' 700, ubicándola en un entorno rural ruso. Representa una esquina de la pared cubierta con un tapiz estampado de flores, en el que está montado un estante cubierto con un mantel bordado, sobre la que descansa un haz de oídos, urnas de metal, muñecas en trajes tradicionales, y varios frascos, cestas, ramas secas , colillas de velas; encima del estante, un marco de fotos. La pintura se presenta en un marco.

Pavos

Óleo sobre madera contrachapada. Firmado abajo a la derecha. En el reverso hay un bloque de título con la indicación N.9 y el título. Artista de Livorno del Grupo Labronico, Giovanni Lomi se dedicó a la producción de figuras y paisajes, expresando un fuerte lirismo especialmente en los puertos deportivos. También era un barítono decente y supo combinar el amor por la música con el de la pintura. Al crecer en el campo en una familia de extracción social pobre, desarrolló un amor por la naturaleza y los animales, que a menudo eran los temas de sus obras. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Sur le Canapé d'Argent Pale 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

Sin título 1930

Tinta sobre papel. Firma y fecha a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.

El profeta 1927

Tinta sobre papel. Firma, fecha y título a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.

Retrato femenino 1950

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado (1-5-1950) en el ángulo inferior izquierdo. Nacido en Bolonia pero formado artísticamente en la Academia Brera de Milán, a principios del siglo XX estudia en París, donde puede admirar la pintura de los grandes maestros del pasado y seguir con gran interés las nuevas tendencias pictóricas que avanzan en el clima de renovación general que trae el nuevo siglo. De hecho, en su pintura de las primeras décadas del siglo XX se pueden encontrar influencias de temas como el simbolismo y el divisionismo, pero Mascarini opta por no dejarse llevar por las nuevas corrientes que aclaman la deconstrucción de la forma, permaneciendo en el recinto de su estudio para pintar los afectos y las miradas de la vida cotidiana más cercana a él. Su lenguaje figurativo bebe del naturalismo lombardo de finales del siglo XIX, su pintura se enmarca en un dibujo sobrio y equilibrado. Paisajista y retratista, propone escenarios delicados y plácidos, como los glaciares que pinta mientras escala en el silencio de las altas montañas que tanto ama, y retratos con rostros armoniosamente enmarcados por suaves pinceladas, que expresan sentimientos íntimos. El retrato de una dama que aquí se presenta propone una figura que, aunque elegante en su traje de noche, expresa serenidad, calma, intimidad más que mundanalidad en su rostro y pose. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Proyecto para Muro de Esquina 1982

Técnica mixta sobre tablillas. Montado tridimensionalmente en un contenedor de plexiglás. En el reverso figura la firma, la fecha y el título de la obra. Desde un principio, la investigación artística de Gianfranco Pardi se ha basado en una planificación espacial y constructiva que da vida a obras de gran rigor formal, caracterizadas por la integración del dibujo, la pintura y la escultura en una dimensión espacial de amplitud arquitectónica. A partir de una planificación rigurosa, el artista revela la dinámica y las relaciones de forma y materia: interiores arquitectónicos imaginarios, esculturas rígidamente geométricas o biomórficas, matrimonios de construcciones arquitectónicas y entornos naturales.