Afrodita de Capua Escultura Bronce

S. Giovanni del Tempio Sacile 1910

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. En la parte posterior del marco, el título y más fecha. Nacido en Venecia en 1872, Vittore Antonio Cargnel se matriculó en la Academia de Venecia, pero su formación transcurrió sobre todo en el estudio de Cesare Laurenti, conocido y estimado pintor de tendencia simbolista, y en la observación de las obras de Ciardi. , Favretto y Nono. Participó en las tres primeras ediciones de la Bienal de Venecia, con obras de carácter entre lo simbolista y lo intimista; posteriormente su producción, principalmente paisajística, se volvió particularmente atenta a las variaciones atmosféricas. En 1910 se traslada a Sacile, donde permanece hasta la derrota de Caporetto, para luego volver a Milán donde permanece hasta su muerte en 1931. La obra aquí propuesta presenta un atisbo de la aldea de Sacile, s. Giovanni del Tempio, con la pequeña iglesia del mismo nombre, hacia la que, en un día de invierno, se dirigen figuras indistintas. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Aceite sobre la mesa. finales del siglo XIX - principios del siglo XX. La tabla retoma la producción de arte sacro de los modelos del siglo XIV, tanto en la composición de las figuras como en la realización sobre fondo dorado, que continúa en el marco coetáneo. En la composición, que es estática, María está en el centro con el Niño en brazos, mientras dos santos se asoman detrás de ella, un franciscano a la derecha, un anciano a la izquierda, ambos con el asa de la alforja del peregrino. .

paisaje con montañas

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la derecha. En el reverso el pergamino del "Taller de Arte Salvetti" en Milán. Stefano Bersani, artista y poeta lombardo, se dedicó a la pintura de la vida, incluso la más humilde y común; de hecho, entre sus obras, además de varios paisajes lombardos, como este que propone que tiene como fondo la cadena alpina, también escenas de los campos con figuras de campesinos, animales de granja, figuras populares. Participó en numerosos concursos, expuso en numerosas galerías lombardas y fue muy solicitado en casas nobles, donde también fue pintor de interiores. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

pareja en el bosque

Aceite sobre la mesa. Firma abajo a la derecha. Panerai fue un pintor, maestro e ilustrador italiano, originario de Florencia, donde estudió en la Academia de Bellas Artes teniendo como maestro a Giovanni Fattori quien lo introdujo en la pintura de paisaje naturalista de la Maremma toscana. También se sintió atraído por el tema militar, con escenas de la vida militar y marinera, y se destacó como pintor animalista, dotado de una aguda sensibilidad. Su estilo remite a un impresionismo abocetado, fácil, fresco, vivaz. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

lavanderas

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Rica en luces y colores, la pintura ofrece un momento impresionista de la vida cotidiana de dos lavanderas, concentradas en su trabajo al borde de un canal de la ciudad. La obra remite a las influencias impresionistas que Flumiani, artista de Trieste, trajo de su estancia de estudios en Munich y de su encuentro con su conciudadano Umberto Veruda (1868-1904): la pincelada corta y rápida pero amplia parece impresionista .buscar el juego de luces y colores, mientras que la tonalidad cromática se mantiene en la región del Véneto. La producción de Ugo Flumiani se caracteriza precisamente por una producción paisajística marina: sus temas predilectos son las vistas de la laguna veneciana, los pueblos junto al mar o los barcos que navegan plácidamente, en todo caso siempre temas en los que pueden aparecer superficies acuáticas, en los que el artista puede hacen reverberar vibraciones cromáticas y luminosas. El paisaje es siempre el protagonista de las obras de Flumiani, incluso allí donde se insertan figuras humanas: incluso las dos lavanderas del cuadro aquí presentado forman parte del paisaje, se insertan de manera armoniosa, continua, sin interrupciones ni cromatismos y líneas. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Pavos

Óleo sobre madera contrachapada. Firmado abajo a la derecha. En el reverso hay un bloque de título con la indicación N.9 y el título. Artista de Livorno del Grupo Labronico, Giovanni Lomi se dedicó a la producción de figuras y paisajes, expresando un fuerte lirismo especialmente en los puertos deportivos. También era un barítono decente y supo combinar el amor por la música con el de la pintura. Al crecer en el campo en una familia de extracción social pobre, desarrolló un amor por la naturaleza y los animales, que a menudo eran los temas de sus obras. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Escena del bosque 1926

Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha. El artista turinés Mario Sturani se unió al Movimiento Futurista en su juventud. A partir de 1927 inicia su colaboración con la fábrica de cerámica Lenci, donde consigue renovar el repertorio formal y decorativo de la cerámica Lenci en clave antirretórica, evitando los rasgos estilísticos del arte del régimen. Incluso en el campo de la reproducción en serie, Sturani pudo expresar la libertad inventiva de la inspiración artística: en las superficies de los jarrones, por ejemplo, transpuso los temas naturalistas que le eran queridos, a veces transfigurándolos en tonos fabulosos; en otros casos un cierto gusto déco, los ritmos dinámicos de ascendencia futurista o las descomposiciones cubistas, como las elegantes estilizaciones del siglo XX. Entre 1928 y 1930 Sturani pintó una serie de pequeños cuadros, de tonos intimistas, que representan paisajes o naturalezas muertas. Durante más de treinta años, Sturani también trabajó como entomólogo, dentro del Instituto de Entomología Agrícola de la Universidad de Turín, y sus estudios también fueron muy apreciados por el mundo académico por el valor científico y el rigor metodológico con el que se llevaron a cabo. El pequeño dibujo que aquí se presenta pertenece a la producción temprana de Sturani, incluso antes de la colaboración con la manufactura Lenci. En esta mirada al campo con bosques y cervatillos, encontramos su propensión a transfundir los paisajes que reproduce en clave de cuento de hadas. En un marco expuesto.

Valle de Aosta

Óleo sobre madera contrachapada. firmado abajo a la derecha. Más firma y título en la parte posterior. Nacido en Como, Giulio Cisari se graduó en la Academia de Brera, donde también fue profesor durante muchos años. Atraído por el color, primero se acercó a la pintura de paisaje, para luego dedicarse al blanco y negro. Bajo la dirección de A. De Carolis, se perfeccionó en todas las técnicas de reproducción, desde la litografía hasta el grabado en cobre, encontrando en la xilografía su medio de expresión preferido. También fue ilustrador. Trabajo en marco.

Imprimir en papel. Raro cartel antirracista que, como se indica a continuación, fue publicado como suplemento de la revista "MAI" de junio del 68, en la serie "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione). Es un manifiesto de los movimientos beat que se difundieron en Italia en los años 1967-1968: gracias al uso del mimeógrafo, que permitió la impresión de numerosos volantes, carteles, antologías poéticas, pequeñas plaquetas y sobre todo revistas, los jóvenes beatniks se creó un canal informativo alternativo que representaba el principal vehículo de difusión de los principios que animaban el movimiento beat, frente a los circuitos culturales y de comunicación oficiales. Dentro de las revistas, y en general en las diversas actividades beat, la escritura poética asumió un papel fundamental como parte integral de la práctica del disenso, pues representó una de las principales formas de expresión y afirmación de un ideal de vida diferente, así como a partir de una idea diferente de colectividad. Giorgio Tavaglione fue uno de los exponentes artísticos más conocidos del movimiento beat: como Giò completamente autodidacta, diseñó los carteles, volantes y portadas de las primeras revistas underground italianas de los años 60; desaparecido durante años tras un viaje a la India, reapareció posteriormente como dibujante de cartas de tarot y talismanes en cuya creación transfirió su excelente calidad gráfica, su característico estilo meticuloso e imaginativo, esotérico y visionario. Trabajo en marco.

Puerta de granero en madera tallada, estilo Dogon. Los Dogon de Mali se encuentran entre las culturas africanas sobrevivientes más antiguas, conocidas en todo el mundo por su creación de puertas, paneles y contraventanas de madera tallada. Estos objetos tienen diversos usos en su sociedad: en primer lugar se elaboran como cierre de los graneros (de ahí el nombre), en segundo lugar se intercambian como regalos de cumpleaños, bodas, traen buena suerte. Estas puertas también se utilizan para ritos de paso y, cuando se usan como parte de la arquitectura, los símbolos grabados en ellas dan pistas sobre la función de la vivienda que protegen.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firma no identificada y fecha abajo a la derecha. Imagen sagrada de gusto antiguo, presenta a María y al Niño Jesús empeñados en competir por un pequeño pectoral: parece que María trata de quitárselo de las manos al pequeño Jesús, que malhumorado lo retiene. Es una escena de intimidad doméstica, de una relación madre-hijo muy terrenal, tanto que las dos figuras ni siquiera tienen aureola. En un marco coetáneo.

Sin título 1964

Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado a la izquierda. La obra pertenece a la producción de los años 60 de Amilcare Rambelli, período en el que el artista, pintor, ilustrador pero sobre todo escultor milanés, voltea su producción hacia el exterior, en busca de una implicación del espacio ambiental en la relación entre elementos de la vida orgánica. sistemas y estructuras de sistemas mecánicos: nace una secuencia proyectual que preludia en sus esculturas ensamblajes polimateriales complejos en los que acero, cobre, bronce, aluminio, plexiglás, fragmentos de dibujo y películas encuentran equilibrios inéditos. Son obras que tienden hacia una ambientación geométrica, técnicamente innovadoras y sugerentes, que atacan el espacio en todas direcciones con intenso dinamismo, testimoniando la búsqueda de una consonancia entre el artista y su propio tiempo. En las pinturas de este período, al que también pertenece la obra que aquí se presenta, Rambelli transpone sobre papel o lienzo los mismos proyectos realizados como escultor. La obra está enmarcada.