par de fans - Emilia Segunda Cuarta Siglo XVIII

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Un sacerdote, arrodillado frente al altar, mientras celebra o se prepara para celebrar la Santa Misa asistido por un monaguillo a la izquierda y una monja a la derecha, dirige su oración a dos santos, que aparecen sobre su cabeza en representación de su meditación y oración interior. En el altar destaca el fresco dedicado a María entronizada con el Niño Jesús, ángeles y santos. La obra tiene diferentes pérdidas de color y se propone en un marco dorado de finales del siglo XIX, con carencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo XVIII-XIX. El tema sagrado en esta escena adquiere una connotación familiar, llena de ternura e intimidad muy terrenales: en un contexto casi exótico, que evoca un oasis en el desierto de palmeras y un manantial de agua en un paisaje árido y montañoso. José y María se sientan a descansar durante su huida a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes; la madre sostiene con ternura al niño Jesús sobre sus rodillas, lo mira con ternura y lo envuelve, mientras José los observa complacido y relajado. Toda la escena se caracteriza por el predominio de los colores marrón-ocre, de los que sólo se diferencia el vestido de María, en sus tradicionales colores azul y rojo; al fondo, un cielo despejado con los colores de un amanecer que acaba de amanecer, con matices rosas. El lienzo se aplicó sobre un marco nuevo de mediados del siglo XX y se colocó en un marco del mismo período, que presenta algunas deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La obra de carácter devocional, ve a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sujetan sus vestiduras, es venerada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha la joven vestida de príncipe, a cuyos pies está descansando una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que lleva en brazos al Niño Jesús se identifica como San Caetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan junto con las posiciones y los gestos, para crear un movimiento casi circular. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo restaurado a principios del siglo XX, con varias carencias actuales (por restaurar).

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Es un gran paisaje montañoso, rico en vegetación y atravesado por un pequeño arroyo, a lo largo del cual dos hombres, en el centro de la escena de abajo, están pescando en un charco de agua. Sobre ellos un cielo lleno de nubes, que se desvanecen en la distancia, evocando lluvias inminentes. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Amplio paisaje campestre, con árboles frondosos, un camino que conduce al río y al pequeño pueblo a lo lejos. Paisaje tradicional con fines decorativos, típico de la producción del siglo XVIII y principios del XIX. Sometido a restauración en el siglo pasado, se cambió el chasis. Marco con estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII-XVIII. En el reverso hay una etiqueta de la Galería de Arte Di Rosa, que atribuye la obra a la "Escuela veneciana de 1600". La gran escena, rica en figuras y muy animada en el entrelazamiento y superposición de los cuerpos, narra el episodio del Evangelio de Juan en el que una mujer sorprendida en adulterio es llevada ante Jesús por escribas y fariseos para conocer su opinión sobre la suya. sentencia a ser apedreado. Jesús, mientras escribe en el suelo con el dedo, insta a sus interlocutores a la misericordia con la frase "El que esté libre de pecado que tire la primera piedra", salvando así a la mujer de la pena de muerte y dejándola libre para marcharse, con la exhortación a no pecar más. El tema ha sido ampliamente replanteado en el arte, con diferentes visiones de los personajes. En este cuadro, la mujer está en una posición central, pero todos los demás personajes a su alrededor hacen converger la mirada hacia abajo, hacia la mano con la que Jesús, agachado, escribe en el suelo; tanto el rostro como el brazo derecho de la mujer son prácticamente paralelos a los de Cristo, como si siguieran y se ajustaran a la dirección que Jesús le indica. En las otras numerosas figuras domina la curiosidad, el intento de comprender, la pregunta que plantea Jesús con su pregunta, representada en múltiples variantes expresivas tanto de rostros como de cuerpos; curioso es el detalle de las lentes -las gafas del sacerdote cuya cabeza sale por detrás de la mujer y la lupa de la figura agachada de la izquierda al fondo- que utilizan dos figuras para "ver mejor" lo que sucede. Las modalidades pictóricas e interpretativas de la pintura recuerdan la producción veneciana cercana a Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), el artista veneciano cuya pintura representa el camino intermedio entre la gran tradición de la pintura tardobarroca similar a Luca Giordano y la innovadora sensibilidad colorística propia de gracia del siglo XVIII. Restaurado y reasentado, el cuadro se presenta en un marco coetáneo, en madera tallada, estucada y lacada.