Antorcha de bronce - Italia Finales del siglo XIX Principios del siglo XX

Pintura al óleo sobre lienzo. La identificación de la santa viene dada por la presencia de la gran rueda de madera, símbolo del instrumento de su martirio. Por lo general, la santa se representa con una corona en la cabeza y vestida con ropas reales para subrayar sus orígenes principescos. En cambio aquí tenemos una representación atípica de ella, con el pelo suelto, cubierta sólo por un gran manto rojo (el color de la sangre, por tanto de la humanidad mortal) que cae de sus hombros y la obliga a cubrirse los pechos con las manos; su mirada se dirige hacia arriba, donde los cielos se abren y desciende un ángel que sostiene con una mano la palma del martirio y con la otra coloca sobre su cabeza una corona de flores, símbolo de su matrimonio místico con Cristo. Se trata, pues, de una representación que la ve en el momento del paso a la vida eterna, similar a una Magdalena penitente en adoración mística, que se ofrece a Cristo sin ningún reconocimiento humano. Destacan en el cuadro las elecciones cromáticas, que sobre un fondo oscuro y lúgubre resaltan el rojo del cielo abierto y del manto, y la blancura de la carne, tanto de la mujer como del ángel. El lienzo, ya restaurado y reforrado, se presenta en un marco trabajado de finales del siglo XIX, con algunos defectos.

Pintura al óleo sobre lienzo. Las figuras sagradas están representadas en gloria, es decir, sentadas en el cielo y rodeadas de ángeles. María, coronada de estrellas, sostiene sobre sus rodillas al Niño Jesús, quien extiende su manita hacia el Santo arrodillado frente a ellos; Catalina, vestida con hábito dominicano y con la corona de espinas en la cabeza, extiende a su vez su mano sosteniendo el Rosario hacia Jesús, para unirse a Él en un matrimonio místico, que la Virgen sanciona con la corona de flores que quiere colocar. en la cabeza de la novia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Las nueve musas

Jugo de hierba. La palabra Euterp aparece en la parte inferior derecha. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y teniendo como guía al dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del "Todo" o la "eterna magnificencia de lo divino". Inicialmente consideradas de forma genérica como divinidades del canto y de las danzas alegres, encargadas de poner en música y en verso historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y de los hombres, las hazañas de Zeus, y frecuentemente representadas acompañadas de diversos instrumentos musicales. , a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones cantosas y musicales, incluidas las tristes y funerarias, y otras artes como el teatro, y cada una de ellas se asoció a un género artístico específico, de modo que podían ser invocadas individualmente. para ejercer su inspiración y protección. La palabra "Euterp" hace referencia al nombre de uno de ellos, Euterpe, musa de la poesía lírica y de la música, representada tradicionalmente con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente "La que alegra", la que trae alegría, por lo que se puede pensar que la elección de este nombre para titular el tapiz se refiere a la función más antigua de las Musas, la de traer alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, ataviadas con velos y ramas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas, aparecen instrumentos u otros objetos que simbolizan el arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, instrumentos musicales diversos...). El cuadro de gran tamaño tiene signos de desgaste y manchas de humedad.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La escena alegórica presenta a una mujer ligera de ropa sentada en el regazo de un hombre, cerca de una mesa dispuesta con una jarra, un cáliz, una tabaquera y un cigarro encendido. Los dos personajes adoptan una actitud de complicidad lúdica, ambos decididos a fumar en una larga pipa. El fondo ofrece un paisaje frondoso. Las figuras y objetos hacen referencia a los placeres materiales y carnales de la vida, fumar, beber, la compañía femenina; Los personajes sonrosados ​​y regordetes recuerdan también el placer de la buena comida. Estos temas fueron recurrentes en la pintura flamenca o, más generalmente, nórdica, que los propuso de una manera irónica y seductora. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Bordado sobre tela de algodón. Japón, período Meiji (1868 -1912). El gran panel de tela de algodón bordado ofrece un tema naturalista: águilas y otras aves aparecen representadas entre montañas estilizadas y ramas de pino y glicina. El bordado se presenta en marco estilo.

Desnudo femenino 1912

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Preciosa composición con una figura femenina desnuda sobre la cama, mirando una rosa colocada frente a ella, un pequeño espejo en la mano, un bonito jarrón sobre la mesita de al lado. Es obra del pintor húngaro Papp Bertalan, que se dedicó principalmente a retratos y naturalezas muertas, y que murió joven después de haber alcanzado ya un buen éxito. El cuadro se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una pequeña copia de la obra homónima de Tiziano, creada alrededor de 1532. y hoy conservado en el Museo del Louvre. Originalmente se pensó que la obra representaba a Alfonso d'Avalos, marqués de Vasto, despidiéndose de su esposa antes de ir a luchar contra los turcos. Más bien, es más probable que se trate de un prototipo de alegoría matrimonial que disfrutó de un gran éxito en Venecia. Los esposos están representados bajo la apariencia de Marte (con armadura) y Venus, y están acompañados por Cupido, deidad protectora del amor, que sostiene un haz de flechas, por Vesta, diosa del hogar doméstico, coronada con mirto, símbolo del matrimonio. fidelidad, y por Himeneo, divinidad de las bodas que ofrece una cesta de frutas y flores. La mujer sostiene una bola de cristal, como si quisiera mirar hacia el futuro. Las expresiones melancólicas de los protagonistas han sido leídas como una referencia a la posible muerte o partida de uno de los dos cónyuges. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura representa el rostro de un santo anciano, sosteniendo un lirio, símbolo de pureza, mientras lee un libro grande, presumiblemente un texto sagrado. Se supone que se trata de una representación de San José: si la tradición suele tenerlo representado con el Niño Jesús en brazos, a partir del Renacimiento se empezó a representar también a José absorto en la lectura de un libro, bajo la apariencia de un "filósofo", o de un hombre. quien obtuvo la sabiduría de saber tomar decisiones correctas y sabias al leer los textos sagrados. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre tabla. El pequeño vistazo representa un paisaje boscoso, frondoso y sombreado, en el que varias figuras pasean y se divierten. En la parte inferior central aparece la firma AJ Garnier, que hace referencia al artista francés Alfred Jean Garnier (1848 -1908), esmaltador, pintor y grabador. La pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Los dos bodegones proponen composiciones de objetos colocados sobre mesas de madera revestidas con telas de damasco y coronadas por cortinas drapeadas. Entre los objetos representados en ambas escenas se encuentran partituras musicales, en un caso también una flauta, y vasos de formas particulares, llenos de vino, flanqueados por jarras de metal repujado. También aparecen unos libros, una granada y un jarrón de cristal con flores en un cuadro; un plato de cerezas con una taza de cerámica, un limón y una rama de frambuesas en el otro lienzo. Las dos obras se presentan en marcos dorados de principios del siglo XX.