Grupo de folletos figurados japoneses antiguos

Firmado J.M de Medeiros

Pintura al óleo sobre lienzo. En el margen derecho aparece una dedicatoria en portugués "Ill'... Offerece Agradecide (con gratitud)", con la firma JM De Medeiros y la fecha de 1875. La obra se remonta al pintor brasileño De Medeiros, de quien sólo se sabe que enseñó en la Academia de Bellas Artes de Río de Janeiro en 1885. El cuadro presenta el retrato de un hombre anciano, de barba suelta, mirada seria y concentrada en algo lejano, y vestido con túnica y palio. , por lo que evoca la figura de un pensador o filósofo de la antigüedad. La obra tiene parches en la espalda. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre tablilla. Firmado abajo a la derecha. Se trata de tres pequeños cuadros que proponen vistas de paisajes, realizados en el estilo naturalista típico de Lorenzo Gignous: los dos laterales, de 24 x 30 cm, proponen el tema más recurrente en la producción del artista lombardo, es decir, las vistas del lago Maggiore, animadas por barcos de pesca; en el centro un paisaje más pequeño (18 x 25 cm) con un grupo de árboles en el campo. Las tres pequeñas pinturas se presentan en un único marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. El sabor romántico impregna este paisaje nocturno, iluminado por la luz de la luna llena, apenas velado por finas nubes dispersas; en el camino rural, que discurre junto al curso torrencial de un río, se vislumbran dos figuras de caminantes, un niño de la mano de una mujer. El cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Retrato masculino de perfil

Óleo sobre cartón. firmado abajo a la derecha, con una dedicatoria "al amigo G. Rutelli". De orígenes humildes, Angelo Dall'Oca Bianca, aun cuando se convirtió en un artista consagrado y apreciado, frecuentando el ambiente artístico-cultural italiano e internacional, mantuvo siempre el vínculo con su ciudad, fuente continua de inspiración para su producción artística, y para es pobre; en 1939 construyó el Dall'Oca Village en Verona, en beneficio de los pobres de la ciudad, y en 1941 hizo testamento, dejando todo su dinero y sus pinturas a la ciudad de Verona para obras de caridad. Su pintura fue siempre de corte puramente realista, influida sobre todo por su contacto con Giacomo Favretto que le permitió enriquecer su técnica pictórica con colores vivos y un estilo amplio y vaporoso, y por el uso de la fotografía como memoria para la representación de verdad. . La obra, un retrato de una figura masculina vista de perfil, es vivaz en los colores. Se presenta en un elegante marco.

Jarrón, excavaciones romanas, 1860

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Más firma, fecha y título en la parte posterior. En el marco hay un sello de una importante colección privada. La obra propone una composición de ánfora y plato de cerámica pintada, rodeada a la derecha por rosas. Pintor y decorador milanés, Luigi Scrosati asistió inicialmente a la Academia de Brera, que pronto abandonó para dedicarse a numerosos viajes al extranjero, en particular a París. Ya desde el comienzo de su actividad, en la década de 1940, trabajó como pintor de naturalezas muertas fuertemente influenciado por ejemplos franceses, en particular de la escuela de Lyon. Junto a la producción de caballete y acuarela, dominada por la especialización de bodegones de flores, Scrosati fue muy activa como decoradora de interiores, a menudo trabajando en equipo con arquitectos y directores de proyectos, pero siempre con una gran autonomía y un estilo característico, sustancialmente ecléctico y dirigida a una reinterpretación de los estilos del pasado. El debut en esta zona, a finales de 1842, consiste en un ciclo de frescos en la residencia de San Fiorano (LO) propiedad de Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, para el que Scrosati decoró una sala gótica, un salón rococó y una pequeña entrada compartimiento. Sus frescos se pueden encontrar en numerosas villas de Milán y sus alrededores, obras en las que Scrosati hace referencia a los estilos del pasado, re-proponiendo sugerencias del siglo XVIII, pero también del Barroco. Las decoraciones en el Gabinete de Dante primero y luego en otras salas del Palazzo Poldi Pezzoli de Milán (ahora sede del Museo del mismo nombre) fueron en cambio de gusto neomedieval, realizadas con el equipo Bertini del que formaba parte Scorsati. La enfermedad que afectó a Scrosati en los miembros inferiores en 1857, enfermándolo, probablemente le impidió continuar su actividad como decorador, obligándolo a recurrir a la pintura floral de caballete, lo que lo llevó a realizar bodegones de flores, pero también retratos. o falsos bajorrelieves con guirnaldas de flores o incluso interiores y escenas de género, en las que se deja influenciar por la producción alemana y vienesa de tipo Biedermeier y la francesa de la escuela de Lyon. En 1862 Scrosati recibe el encargo de dirigir un nuevo curso de Ornato en la Academia de Brera, con especial referencia a la pintura de flores y las relaciones con la industria, curso creado por la institución Braidense para ampliar la ya floreciente escuela de pintura ornamental. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La Virgen está representada en gloria, de pie en el cielo y rodeada de angelitos. La obra, todavía en el primer lienzo, fue aplicada sobre un bastidor moderno: este hecho, junto con lo incompleto de la figura de María, sugiere que la pintura formaba parte de un lienzo más grande. La pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Aulo Vitelio Germánico Augusto es uno de los once emperadores romanos que fueron retratados de medio cuerpo en una serie creada por Tiziano en 1536-40 para Federico II, duque de Mantua. Pasadas primero a la casa real inglesa y luego a la corte española, las pinturas fueron destruidas en un incendio catastrófico en el Real Alcázar de Madrid en 1734 y ahora sólo se conocen a partir de copias realizadas por varios grabadores flamencos entre finales del siglo XVI y principios del siglo XVII. Entre ellos, nos ha llegado el grabado del retrato de Vitelio realizado por Aegidius Sadeler (1570 -1629), respecto al cual nuestra copia presenta algunas pequeñas diferencias, como era habitual cuando se copiaban obras de otros grandes artistas. El emperador, caracterizado por una nariz prominente, labios finos, mejillas regordetas y papada, sostiene el bastón de mando y viste una armadura con una capa roja encima. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Caratacus fue un rey celta de la tribu británica Catuvellauni y líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Gran Bretaña a partir del año 43 d.C. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de lucha en lucha, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que no fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d. C. por Cartimandua, reina de los bandidos de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia: llevado ante el emperador, el rey británico habló con tal sabiduría y orgullo (con el discurso relatado por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió la gracia. a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro presenta el momento de la perorata de Carataco, en el centro de la escena encadenado, defendiendo fervientemente su caso ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. La pintura, restaurada y revestida a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. El paisaje desarrollado verticalmente ve una imponente estructura arquitectónica en ruinas en el centro, invadida por la maleza y presentada con colores y características matizadas, como para subrayar su decadencia. Delante, en primer plano y bien definidas, algunas figuras de pastores en reposo, mientras las vacas pastan: un pastor toca el silbato, el segundo, sentado apoyado en su bastón, observa al tercero, que, desnudo, está decidido a lavándose, tendido lánguidamente al borde del abrevadero. A la izquierda se vislumbran picos rocosos, grises bajo un cielo con atmósferas de amanecer. El cuadro restaurado y enmarcado se presenta con marco de listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, santa Verónica fue la "mujer piadosa" que, al ver la pasión de Jesús cargando la cruz y su rostro sucio de sudor y sangre, lo limpió con un lienzo, en el que habría quedado la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como Sábana Santa, se ha convertido, por tanto, en el signo iconográfico del santo: también en este cuadro la Verónica aparece en el centro, mientras que dos ángeles a los lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo coronado de espinas. ; debajo, un cáliz que recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta del santo flota el Espíritu Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición presenta una liebre colgada en el centro, flanqueada por unas codornices y una paloma; en el lado derecho, una cesta de mimbre que contiene castañas y ramas de pino; en el lado izquierdo un manojo de espárragos y un jarrón con flores de colores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con el resto de elementos, todos en tonos marrones y grises. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reutilizado del siglo XIX.