Paisaje con arquitectura y personajes de mediados del siglo XX.

Tejido elaborado con corteza y decorado. Espléndido ejemplo de arte-artesanía, que hace referencia a uno de los métodos más antiguos para obtener ropa sin recurrir a tejer o tejer, pero utilizando la corteza interior de determinadas especies arbóreas. Es un método que se ha practicado en África Central, Sudeste Asiático, Japón, Norteamérica y desde Mesoamérica hasta las regiones de los Andes, Amazonas y Gran Chaco. El término Tapa denota en particular todos los tejidos de corteza de Oceanía, pero en realidad es una palabra originaria de las Islas Fiji. Dependiendo de la zona en que se producen estos tejidos de corteza, se utilizan diferentes especies de árboles: mientras que en África se utiliza la higuera, en Indonesia y las islas del Pacífico la corteza más utilizado es el de la morera de papel, con la que el más alto Se producen tejidos de calidad, que permanecen blancos y se pueden decorar de diferentes formas. Si alguna vez la tela de corteza se usó a diario, incluso simplemente envuelta alrededor del cuerpo, a lo largo de los siglos ha sido reemplazada por el algodón, pero aún hoy se prefiere a las telas occidentales para ocasiones rituales y ceremoniales; sobre todo, estos tejidos siguen siendo importantes bienes de intercambio, obsequios de valor en ocasiones de nacimientos, cumpleaños, bodas (con intercambios entre los familiares del novio y los de la novia), funerales y presentaciones ceremoniales a la familia real. A esto se suma la producción impulsada por el floreciente mercado turístico de este tejido. La tapa que aquí se presenta está decorada con motivos geométricos repetidos, que evocan las chozas y la calle del pueblo. El borde superior no es recto, pero tiene forma de grandes franjas triangulares. Se presenta montado sobre un panel y cerrado en una caja de plexiglás.

Pintura al óleo sobre lienzo. Gran presentación de la Sagrada Maternidad, con María sentada sobre las nubes y el Niño en sus brazos, bendiciendo, mientras sostiene una rosa en la otra mano. El fondo es neutro, de un color dorado que ayuda a dar solemnidad a la escena. La pintura se presenta en un marco dorado de finales de 1800-principios de 1900, que necesita restauración de los estucos.

Vista de Viena desde el Belvedere

Técnica mixta (acrílicos y óleos) sobre lienzo. Producción en los años 60 y 70. Se trata de una copia de una de las muchas vistas de Viena que pintó Bernardo Bellotto, más conocido como Canaletto, entre 1758 y 1761, y que se conserva en el Kunsthistorisches Museum de Viena. La gran vista, animada por numerosas figuras en el estilo típico de la pintura veneciana del siglo XVIII y de Canaletto en particular, está tomada desde el Belvedere superior del palacio del mismo nombre, residencia de verano del príncipe Eugenio de Saboya, construido sobre una colina al sur del centro de la ciudad. En la vista, una serie de grandes edificios barrocos aparecen al fondo detrás de los jardines, en particular de izquierda a derecha: en el recto a la izquierda con su cúpula monumental está la Karlskirche (Iglesia de San Carlo Borromeo), el Palacio Schwarzenberg con su exagerada proporciones, la Orangerie y el Bajo Belvedere del Palacio. Finalmente a la derecha está el Convento de los Salesianos. Detrás de ellos, aún más al fondo, se puede ver el centro de la ciudad con sus fortificaciones y las torres de Stephansdom (Catedral de San Esteban). El cuadro se presenta en un marco de la primera mitad del siglo XX. .

El lienzo muestra al rey David tocando el arpa. Representada con rasgos etíopes, la pintura subraya la ascendencia directa de las personas del linaje davídico. Forma parte de un grupo de siete obras, que llegaron a Italia a finales de los años treinta; fueron adquiridos directamente en el lugar, como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y las fotos familiares, por el abogado xxx, abuelo de los propietarios, quien fue enviado como representante legal de una productora italiana en 1935 en Etiopía, y de allí fue expulsado en 1938 por el general Graziani porque se consideró antifascista. Los lienzos quedaron en la colección familiar, en el palacio de la familia, y ahora se vuelven a proponer en todo su poder expresivo. Etiopía tiene una historia muy particular: ubicada entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulado también por los constantes e intensos flujos comerciales. Cinco siglos antes de Cristo se estableció la dinastía Aksum; bajo este reinado, en el siglo IV después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión estatal, en su versión copta ortodoxa. Los textos sagrados medievales también hablan, sin embargo, de una relación directa con una de las diez tribus judías, que se refugió en Etiopía, de donde se derivó el linaje real a través de la reina de Saba. Y de hecho en Etiopía aún vive el linaje Falascià, judíos negros cuyos primeros registros históricos se remontan al 600 d.C. Etiopía era, por tanto, un baluarte judeo-cristiano, con influencias africanas, pero que debía considerarse casi el extremo sur de la cultura mediterránea.

Arte etíope, hacia 1935

El lienzo representa el encuentro entre la reina de Saba y el rey Salomón. La reina se la representa sentada en un trono, en el centro de la escena, y a la izquierda aparece la siguiente, que trae ricos regalos para el rey. Salomón está sentado en su trono, que se caracteriza por la imagen del león en el lado de, detrás de él entró en su corte. En la parte subyacente, los músicos hacen hincapié en el carácter de la fiesta de la reunión. Es parte de un grupo de siete obras, que llegó a Italia en la final de los años '30; fueron comprados directamente en el sitio , como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y de las fotos de la familia, el abogado xxx, el abuelo de los propietarios, que fue enviado como representante legal de una empresa de producción italiana en 1935 en Etiopía, y a partir de aquí se fue expulsado en el año 1938 por el general Graziani, porque fue considerada anti-fascista. Las pinturas permanecieron en la colección de la familia, en el palacio de la familia, y ahora se presentan en toda su fuerza expresiva. Etiopía tiene una historia muy particular: está situado entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue un cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulada también por el constante e intenso de los flujos de comercio. Cinco siglos antes de Cristo, se estabilizó la dinastía de Axum; en este reino, en el cuarto siglo después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión de estado, en su versión, la iglesia copta ortodoxa. Los textos sagrados de la medieval hablar también, sin embargo, una relación directa con una de las diez tribus hebreas, después de huir a Etiopía, de la que surgió la familia real a través de la reina de Saba. Y de hecho, en Etiopía viven todavía hoy en día), la línea de la Falascià, negro judíos, cuya primera mención histórica se remonta a 600 después de Cristo. Etiopía era entonces un bastión de la judeo-cristiana, con influencias africanas, pero para ser considerado casi el borde meridional de la cultura mediterránea.

Arte etíope, hacia 1935

La pintura, óleo sobre lienzo, es en realidad muy probablemente una escena que se superpone a varios temas típicos que están muy reproducidos en el arte tradicional etíope de principios del siglo XX. Un tema recurrente es el de la caza de esclavos. Una pintura similar a la nuestra para la disposición de las escenas y la narración se encuentra en el museo de Bremen y retoma la historia de Iyassu, príncipe de la población de Amhara, que lucha después de la muerte de Menelik II contra el pueblo de Gimirra, que ocupó el sur. parte de Etiopía. La pintura contrasta al Amhara, vestido y con los comandantes con una especie de sombrero con flecos, a los "bárbaros" Gimirra, medio desnudos, que son asesinados y castrados. La expedición terminó con la adquisición de unos 20.000 nuevos esclavos. De hecho, en nuestra pintura también hay citas que hacen referencia a la acción de Ras Tafari, que en 1928, tras la coronación a negus, reprime la revuelta de los Oromo, en la provincia de Uollo. Una mención más es la presencia de numerosos fusiles, que recuerdan la batalla de 1930 con la derrota definitiva de Gugsa Oliè y el posterior nombramiento de Ras Tafari como emperador. Entonces, la pintura, realizada alrededor de 1935 para un cliente italiano, suma estos temas en nuestra opinión. Forma parte de un grupo de siete obras, que llegaron a Italia a finales de los años treinta; Fueron adquiridos directamente en el lugar, como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y las fotos familiares, por el abogado xxx, abuelo de los propietarios, que fue enviado como representante legal de una productora italiana en 1935 en Etiopía, y de allí fue expulsado en 1938 por el general Graziani, debido a que se consideró antifascista. Los lienzos quedaron en la colección familiar, en el palacio de la familia, y ahora se vuelven a proponer en todo su poder expresivo. Etiopía tiene una historia muy particular: ubicada entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulado también por los constantes e intensos flujos comerciales. Cinco siglos antes de Cristo se estableció la dinastía Aksum; bajo este reinado, en el siglo IV después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión estatal, en su versión copta ortodoxa. Los textos sagrados medievales también hablan, sin embargo, de una relación directa con una de las diez tribus judías, que se refugió en Etiopía, de donde se derivó el linaje real a través de la reina de Saba. Y de hecho en Etiopía aún vive el linaje Falascià, judíos negros cuyos primeros registros históricos se remontan al 600 d.C. Etiopía era, por tanto, un baluarte judeo-cristiano, con influencias africanas, pero que debía considerarse casi el extremo sur de la cultura mediterránea.

Arte etíope, hacia 1935

El lienzo representa la vida cotidiana y su fluir a través del trabajo en el campo, elemento central de supervivencia. En la fila superior vemos el primer arado, seguido, tras la llegada de las lluvias, una segunda preparación del suelo. En la segunda fila, vemos las semillas extraídas de los graneros; se transportan en sacos y se siembran, con posterior cubrición con azada; la fila se cierra con el brote de plántulas. En la tercera fila, el agricultor vigila y protege a los sembrados de los animales salvajes; sigue la escena de la siega y la trilla, que termina con el guardado del fruto del trabajo en el granero. En la cuarta fila, una mujer prepara la harina y cuece una focaccia; luego le lava los pies a su marido y él responde ofreciéndole el primer bocado; la escena termina con toda la familia en la cama. Forma parte de un grupo de siete obras, que llegaron a Italia a finales de los años treinta; fueron adquiridos directamente en el lugar, como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y las fotos familiares, por el abogado xxx, abuelo de los propietarios, quien fue enviado como representante legal de una productora italiana en 1935 en Etiopía, y de allí fue expulsado en 1938 por el general Graziani porque se consideró antifascista. Los lienzos quedaron en la colección familiar, en el palacio de la familia, y ahora se vuelven a proponer en todo su poder expresivo. Etiopía tiene una historia muy particular: ubicada entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulado también por los constantes e intensos flujos comerciales. Cinco siglos antes de Cristo se estableció la dinastía Aksum; bajo este reinado, en el siglo IV después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión estatal, en su versión copta ortodoxa. Los textos sagrados medievales también hablan, sin embargo, de una relación directa con una de las diez tribus judías, que se refugió en Etiopía, de donde se derivó el linaje real a través de la reina de Saba. Y de hecho en Etiopía aún vive el linaje Falascià, judíos negros cuyos primeros registros históricos se remontan al 600 d.C. Etiopía era, por tanto, un baluarte judeo-cristiano, con influencias africanas, pero que debía considerarse casi el extremo sur de la cultura mediterránea.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado arriba a la izquierda. Más firma, ubicación de Roma y fecha en el reverso. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se educó en el clima del romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también creó valiosas naturalezas muertas, con colores vivos y un dibujo preciso y realista. En esta composición, en el centro, una gran langosta yace entre un grupo de peces a la izquierda y unas verduras a la derecha, entre las que destacan unos nabos; más al fondo, una jarra de cerámica verde y plantas aromáticas cuyo color verde oscuro se funde con el fondo bruñido. La pintura se presenta en un marco de madera tallada de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior derecha. En la parte posterior hay más escritura en caracteres cirílicos y una etiqueta. Preciosa obra de la artista rusa, que retoma la modalidad compositiva del trampantojo del '600 y' 700, ubicándola en un entorno rural ruso. Representa una esquina de la pared cubierta con un tapiz estampado de flores, en el que está montado un estante cubierto con un mantel bordado, sobre la que descansa un haz de oídos, urnas de metal, muñecas en trajes tradicionales, y varios frascos, cestas, ramas secas , colillas de velas; encima del estante, un marco de fotos. La pintura se presenta en un marco.

Pavos

Óleo sobre madera contrachapada. Firmado abajo a la derecha. En el reverso hay un bloque de título con la indicación N.9 y el título. Artista de Livorno del Grupo Labronico, Giovanni Lomi se dedicó a la producción de figuras y paisajes, expresando un fuerte lirismo especialmente en los puertos deportivos. También era un barítono decente y supo combinar el amor por la música con el de la pintura. Al crecer en el campo en una familia de extracción social pobre, desarrolló un amor por la naturaleza y los animales, que a menudo eran los temas de sus obras. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

Sur le Canapé d'Argent Pale 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

Sin título 1930

Tinta sobre papel. Firma y fecha a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.