Serigrafía de Ibrahim Kodra

Valtelina 2000

Técnica mixta sobre lienzo. En el reverso figura la firma, el título, la fecha y la dedicatoria a la crítica de arte Rossana Bossaglia. La obra pertenece a la fase pictórica del pintor Massimo Soldati, que evolucionó a partir de 1985 y se caracterizó por la búsqueda de nuevas técnicas expresivas y el uso de diferentes materiales, pasando de la figuración formal a la figurativa informal y la abstracción conceptual. La obra se presenta en un marco.

Bajorrelieve en técnica mixta sobre aglomerado. Composición abstracta, con la fecha 1975 en la parte inferior izquierda. Al dorso el título, la fecha y la declaración de revisión del mismo, con dedicatoria y firma del artista Stefano Colombo.

Sin título 1958

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. La obra, de fuerte impacto emocional, propone un fondo violeta casi monocromático, en el que se intercalan unos trazos en blanco y negro para definir una silueta acurrucada a la izquierda, quizás una forma humana, recogida y cerrada sobre sí misma. Nacido en 1934 en Viareggio, donde aún vive, el pintor y escultor Mario Francesconi es considerado uno de los pocos supervivientes del dadaísmo, que desde finales de la década de 1950 atraviesa las estaciones del arte italiano y europeo en una búsqueda claramente personal de formas y técnicas. A partir de su primera exposición individual en 1959, desarrolla un camino artístico que pasa por diferentes fases, a menudo atribuibles a una pasión por los materiales pobres y reciclados. Su actividad artística se mueve entre las áreas de la pintura, la escultura, el collage y la instalación y bordea las áreas adyacentes de la poesía y la literatura, también gracias a amistades y relaciones profesionales con algunas de las figuras más significativas del mundo intelectual italiano de la segunda mitad. del siglo pasado, de Emilio Villa a Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia a Mario Luzi, de Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, de Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. La obra se presenta en un marco.

Imprimir en papel. Raro cartel antirracista que, como se indica a continuación, fue publicado como suplemento de la revista "MAI" de junio del 68, en la serie "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione). Es un manifiesto de los movimientos beat que se difundieron en Italia en los años 1967-1968: gracias al uso del mimeógrafo, que permitió la impresión de numerosos volantes, carteles, antologías poéticas, pequeñas plaquetas y sobre todo revistas, los jóvenes beatniks se creó un canal informativo alternativo que representaba el principal vehículo de difusión de los principios que animaban el movimiento beat, frente a los circuitos culturales y de comunicación oficiales. Dentro de las revistas, y en general en las diversas actividades beat, la escritura poética asumió un papel fundamental como parte integral de la práctica del disenso, pues representó una de las principales formas de expresión y afirmación de un ideal de vida diferente, así como a partir de una idea diferente de colectividad. Giorgio Tavaglione fue uno de los exponentes artísticos más conocidos del movimiento beat: como un Giò completamente autodidacta, diseñó los carteles, volantes y portadas de las primeras revistas underground italianas de los años sesenta. Tavaglione murió prematuramente en un trágico accidente. Trabajo en marco.

Par de dibujos a tinta

Tinta sobre papel. Uno de los dos está firmado en la parte inferior derecha. Las obras del artista ruso Vyacheslav Sawich Mikhailov se exhiben en prestigiosos museos como la Galería Tretyakov o el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Museo Nacional de Arte Ruso, el Museo de Arte Inconformista de San Petersburgo. Considerado un autor expresionista, crea escenas de intenso dramatismo con diferentes técnicas. El diseño que aquí se propone forma parte de una serie de escenas llenas de figuras dramáticamente entrelazadas en contorsiones del cuerpo, con elementos alegóricos y manchas a menudo de color rojo, que evocan la sangre. En el marco de.

Plancha de cobre bruñida y trabajada, con decoraciones en puntos más claros, voladizos y agujeros, montada sobre panel de contrachapado teñido de rojo.

Panel en cobre y latón, trabajado con figuras geométricas irregulares. Montado sobre un panel de madera lacado en blanco. Inspirada en las obras del escultor y pintor Lino Bersani (Génova 1935).

Vistazo al Claustro de la Catedral de Monreale

Técnica mixta, con lienzo, paneles de madera, hilos metálicos, pequeñas cuentas, etc. En la parte inferior central está el nombre del artista, no identificado. Se trata de una reconstrucción tridimensional y en perspectiva del claustro de la catedral de Monreale, con la fuente en primer plano. La obra se presenta en una vitrina con marco dorado de principios del siglo XX.

Composición de cuatro paneles, 1978.

Técnica mixta sobre lienzo aplicada sobre paneles de madera, que proponen una secuencia. Abajo a la derecha las iniciales del artista GB y la numeración de los paneles; en el reverso de cada tabla aparece la firma completa, con la fecha y los siguientes títulos secuenciales: "Por El Bosco", "Declinación de un búho", Transcripción" y "Desaparición por coquetería". Gabriella Benedini ha definido su figura como artista como "una nómada en busca del significado profundo de las cosas". Aunque atraída e interesada por la pintura abstracto-informal primero, por el Realismo Existencial y luego por la Nueva Figuración, Gabriella Benedini continúa con una investigación estrictamente personal no asimilable a ninguna corriente específica. Los años setenta estuvieron marcados principalmente por obras pictóricas que eran reflejo de ideas literarias filtradas por su necesidad de crecimiento y comparación. A través de su pasión por la Alquimia, Benedini comenzó a transformar todo lo que podía en obras de arte. Libros antiguos, botellas, todo se combina en un conjunto armonioso que recuerda los espacios, por lo que sus obras se vuelven sobre todo tridimensionales, o para colgar en la pared, o son esculturas, incluso de gran tamaño. Los cuatro paneles se presentan aquí en un solo marco.

Vista de la ciudad

Óleo sobre la mesa. Firmado al dorso. Riccardo Viriglio, pintor paisajista de Pavía, retrató vistas urbanas principalmente de su ciudad y paisajes, especialmente de Lombardía. También aquí se ve una plaza de la ciudad con un pórtico. En un marco elegante.

El camino de San Rocco (Camogli)

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso este título a lápiz. Raúl Viviani, paisajista sumamente original que experimentó con la pintura al óleo pero también con la acuarela y el grabado, se acercó mucho a la pintura puntillista, pero desarrolló una técnica propia, caracterizada por finísimos filamentos de color en forma de finas comas, que definen el estructuras de sus paisajes. Con su traslado a Liguria, que hizo del paisaje de aquella región el protagonista de sus obras, su técnica cambió, alejándose del divisionismo original para abrirse a una pincelada amplia y sumaria, que finalmente desembocó en la última época en una producción de Muerte de la naturaleza con colores violentos y contrastantes. Este paisaje también se puede situar en la época de Liguria, lo que permite vislumbrar una conocida localidad de Liguria, todavía representada en el estilo característico de Viviani, hecho de pinceladas en finos filamentos, superpuestas a manchas de color vivo, en las gamas cromáticas. de los colores de la naturaleza. En el marco de.

juegos de pulcinella

Óleo (mixto) sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Más firma, título, técnica y declaración de autenticidad al dorso. Mario Cortiello, pintor napolitano, alumno de Gennaro Villani y luego amigo y colaborador de Umberto Lilloni, participó con su estilo personal en la renovación de la pintura napolitana, sin apartarse de la tradición. Dotado de una fértil invención y de una notable capacidad representativa, dejó una rica y variada producción. Las vistas paisajísticas o urbanas son recurrentes en su producción, poblada de numerosas figuras, a menudo, en ambientación napolitana, de Pulcinella, representadas flotando sobre fondos oníricos, tanto que se le define como el Chagall napolitano. En esta obra Cortiello subraya el alma lúdica y al mismo tiempo erótica del personaje enmascarado que encarna el espíritu napolitano, proponiendo unas intenciones de Pulcinella en los juegos eróticos con mujeres desnudas, en pleno campo. La obra se presenta en un marco.