Pintado con escena de mar tormentoso

virgen con el niño el padre ángeles y santos

Pintura al óleo sobre lienzo. Acompañado de tarjeta de atribución del Dr. Franco Moro. El lienzo forma parte de una gran producción sacra, que exaltaba la gloria de María y los santos cercanos al cliente. En el centro María se sienta en un trono con su pequeño Hijo en brazos, mientras arriba, desde el cielo abierto, el Padre Eterno mira su bendición, con el globo en sus manos, símbolo de su poder sobre el mundo; Está flanqueado por dos ángeles. Dos santos están de pie a ambos lados del trono: a la izquierda, Santo Domingo de Guzmán, vestido con el hábito dominicano y sosteniendo un lirio y un libro en sus manos; a la derecha, con su hábito característico, San Francisco de Asís, sujetando la cruz en forma de Tau y un libro, y en cuyas manos se aprecian las marcas de los estigmas. Toda la escena se caracteriza por la naturaleza estática de las figuras todavía típicas del Renacimiento, por los colores brillantes y por los rasgos serenos y delicados de los rostros. Además, algunos rasgos, excéntricos con respecto a la actitud neorrafaelesca común de la época, apuntan hacia el ambiente boloñés, en el que se encuentran en particular Bartolomeo y Tiburzio Passerotti. En particular, algunos aspectos extravagantes que fluyen en cada detalle del lienzo se refieren a este último: la correspondencia cromática de colores vivos y luminosos, el alargamiento esquemático de los miembros inferiores, acentuado por el marcado signo negro que caracteriza el contorno de las pestañas y cejas, hasta la persuasiva forma de la boca. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y picos nevados al fondo a la derecha, por el camino pasan unos pastores, conduciendo sus rebaños de vacas, ovejas y cabras. En el paisaje nórdico, la tonalidad rosácea del cielo y el carácter pastoril de la escena dan esa atmósfera idealista propia del paisajismo del siglo XVIII, en el que primaba la satisfacción del sentimiento por encima de la intención de transposición realista. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Vástago de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tommaso (nacido hacia 1226) fue a estudiar a Nápoles, en 1243 ingresó en la orden de los predicadores dominicos en contra de los deseos de sus parientes, pero durante el viaje a la El norteño fue arrestado por sus hermanos y estuvo preso durante aproximadamente un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado por ambos lados por cuatro figuras ricamente ataviadas, precisamente sus familiares, entre ellos probablemente su madre, que lo sostienen amablemente, casi abrazándolo, mientras con gestos de las manos y las miradas afligidas y amorosas tratan de convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están ubicadas en una prisión, como lo indican las rejas en la ventana de la derecha, para subrayar la acción coercitiva realizada. Ricos y detallados son los detalles de la vestimenta de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Tommaso, movimientos plásticos propiamente del gusto barroco. Ya restaurada y rebasada, la pintura se encuentra en buen estado, con evidentes cuarteaduras. Se presenta en marco antiguo re-lacado y re-dorado.

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. El cuadro representa en primer plano a la izquierda, a la sombra de frondosos árboles, a los dos santos sentados en las rocas, compartiendo un pan; San Pablo vestido tradicionalmente con pieles de animales, San Antonio el abad con el hábito de la orden y el libro de oraciones en la mano. Los dos santos se han representado a menudo juntos porque tienen muchos rasgos en común: ambos vivieron en el siglo III, ambos egipcios, muy jóvenes dejaron todas sus propiedades para dedicarse a una vida de completa soledad, viviendo en oración y pobreza. Sant'Antonio Abate fue uno de los ermitaños más famosos de la historia de la Iglesia. San Pablo Ermitaño también vivió toda su vida en el desierto en completa soledad, según el relato hagiográfico, alimentado únicamente del pan que le traía regularmente un cuervo. A medida que se acercaba su muerte recibió la visita de Sant'Antonio Abate, con quien compartió este pan. En esta representación, el contexto del paisaje no se refiere a las tierras desérticas de Egipto, sino que se ubican en un paisaje alpino nórdico. A la derecha un paisaje ermitaño, aunque verde y con un pequeño riachuelo en la parte inferior derecha. La pintura, ya restaurada y revestida, tiene un rizado muy evidente. Se presenta en un marco elegante.

Óleo sobre lienzo. Toda la escena se reproduce en el claroscuro de negro y rojo, con las llamas de fuego que todavía está latente entre las torres y las torres de la ciudad: en el primer plano las figuras de Eneas con su padre Anchises en su hombro, y su pequeño hijo Ascanius a su lado mientras que huir de la ciudad; a la derecha, en el segundo piso, el caballo de Troya. A pesar de la cercanía a la misma materia de Alessio De Marqués (1684-1752), la pintura también se refiere como el estilo de la pintura flamenca. Restaurado y ritelato. Se presenta en el antiguo marco.