Pintura atribuida a Marco Ricci - Mar agitado

El cuadro representa a Clelia cruzando el Tíber. Clelia fue una heroína romana, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; sin embargo, logró escapar cruzando a nado el Tíber. Porsenna pidió a los romanos que se lo devolvieran, quienes accedieron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole llevarse otros prisioneros con ella, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento de la representación es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, con un anciano canoso, acompañado de una joven con un cuerno de la abundancia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás chicas que forman un grupo numeroso y animado, junto al caballo de la protagonista, como recuerdan algunas versiones del cuento; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres, el cruce ya realizado, mientras que al fondo se puede ver la extensión con la ciudad Capitolina con un rostro clásico. La obra, como lo demuestra un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad entre Bérgamo y Venecia se puede hipotetizar. Las únicas dos obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. Estas pinturas presentan un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y la modalidad compositiva, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. Presentado en un marco dorado del siglo XVII, restaurado y reasentado.

El modelo deriva de un grabado de Marcantonio Raimondi basado en un dibujo de Rafael, realizado especialmente para la obra gráfica, derivado de una pintura colocada en la Stanza della Segnatura (1513-1515). Este modelo fue retomado y modificado por Hans von Aachen en un lienzo fechado en 1588 y hoy conservado en el Museo de la Cartuja de Douai, a su vez retomado en un grabado del año siguiente por Raphael Sadeler, en el Gabinete de Dibujos y Estampas. de la 'Academia Carrara de Bérgamo. El lienzo en cuestión se deriva de esta última versión, que muestra los mismos cambios realizados con respecto al original rafaelesco. En el centro de la escena, que transcurre inmersa en un paisaje natural, se encuentran las tres diosas que se disputan el título de las más bellas: Juno con el pavo real, su animal simbólico, Venus acompañada de Cupido y Minerva junto a las cuales se encuentran las casco, lanza y escudo. París, de espaldas, va entregando la manzana de oro que decreta vencedora a la diosa del amor, bajo la mirada del juez Mercurio. Dos querubines revolotean alrededor de los protagonistas, mientras que en primer plano, siempre de espaldas, aparece una figura masculina. Un internado rural se está llevando a cabo en el jardín trasero. La obra, como lo demuestra un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero del que se puede suponer el alcance de su actividad entre Bérgamo y Venecia. Las únicas dos obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. Estas pinturas presentan un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y la modalidad compositiva, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. Presentado en un marco dorado del siglo XVII, restaurado y reasentado.

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una gran estructura arquitectónica, imponente en su clasicismo, con altas columnas torcidas y elaborados capiteles de estilo corintio, domina un paisaje lacustre suave y matizado, que bulle con la actividad diaria de pequeñas figuras de caminantes, pescadores y plebeyos, bien descritas en sus peculiaridad. La pintura se aproxima al costumbrismo de Viviano Codazzi (1604 -1670) a quien tradicionalmente se le atribuía. Originario de Bérgamo pero luego activo en Roma y Nápoles, Codazzi fue un famoso pintor de perspectivas, considerado por muchos como el inventor de la vista y del capricho arquitectónico. Próximo también al género Bamboccianti, se distinguió por el cuidado descriptivo de los diversos protagonistas, sus gestos, su vestimenta, cuidado que indica una visión y un estudio de la vida cotidiana, leído e interpretado sin filtros literarios pero con marcado naturalismo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Amor y Psique

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena se refiere, con algunas variantes pero de tamaño muy cercano, a una parte del gran fresco titulado "Banchetto degli dei" en la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té en Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizados por Giulio Romano con su taller en el siglo XVI. La escena propuesta (que en Mantua se ubica a la derecha del gran banquete) muestra a Cupido y Psique acostados en un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas le lavan la mano a Cupido; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra al altar de una deidad, mientras que en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

Paisaje clásico con figuras del siglo XVII.

Pintura al óleo sobre lienzo. En un gran paisaje verde por donde fluye un río, emerge un pueblo en el centro; en primer plano a la derecha, sobre el camino hay un grupo de mujeres, vestidas con túnicas de colores. la pintura retoma las modalidades pictóricas de Gaspard Dughet, el pintor romano formado en la escuela de Poussin, que se dedicó principalmente a la producción paisajística, con una nueva libertad y una fresca naturalidad encaminada a descubrir un mundo real y mágico a la vez, pagano Naturaleza libre y salvaje. En la producción de Dughet las figuras humanas nunca fueron dominantes, ausentes en las primeras producciones y luego introducidas solo a pedido de la clientela, llegando a adoptar un tipo particular de figuras sin mayores cambios a lo largo de su carrera: figuras elegantes, de porte suelto, vestidas de túnica corta, vagamente antigua, generalmente anónima y perteneciente al pueblo. Tales rasgos se encuentran en esta obra, aunque la atribución a Dughet es incierta, y se piensa más bien situarlo en su círculo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. Es el retrato de pie de un hombre con armadura, en actitud orgullosa, casi en movimiento, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada; arriba a la izquierda un escudo de armas; en la parte inferior derecha un cartucho pintado con una larga escritura en latín, que identifica al hombre. Se trata de Bartolomeo III Olevano, perteneciente a la poderosa familia de los nobles Olevano, señores feudales de numerosos pueblos de Pavía y Lomellina (donde aún existe su castillo), que tuvo una gran voz en los acontecimientos de Pavía y su campo hasta el siglo XVIII siglo. Bartolomeo III, nacido en 1512, se dedicó al arte de la guerra durante cuarenta años, realizando numerosas y honradas hazañas, fue prefecto de Mortara y Novara durante la dominación de Carlos V, maestro de soldados y embajador de Felipe II. Sus logros más importantes se resumen en el cartucho: una traducción del texto está disponible. El escudo de armas representado muestra a la izquierda el olivo del que la familia tomó su nombre. La pintura proviene de una importante colección histórica familiar lombarda.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. La gran escena presenta en el centro a la Virgen sentada proponiendo su pecho al Niño Jesús, quien en su lugar se estira para intentar recoger una fruta de la cesta que le entrega San Juan, de pie debajo de ellos; alrededor, cinco figuras de santos, reconocibles por sus atributos iconográficos. De la izquierda tenéis: San Pablo, sosteniendo la espada, Santa Ana, velando amorosamente por su hija y su nieto, San Pedro sosteniendo las llaves del Reino, San José con su bastón y una herramienta de carpintero en la cintura, y finalmente, último a la derecha, San Carlo Borromeo, cuya presencia en la obra respalda al cliente lombardo. El cuadro también procede de la colección privada de una familia lombarda, de la que forma parte desde el siglo XIX. La obra se encuentra aún en el primer lienzo y con el marco original; en el dorso tiene unos pequeños parches y señales de parches anteriores. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana. Los grandes deriva Pintura de la mezcla de una obra de Guido Reni (1575-1642), "Virgen María en la escuela de costura", hoy perdida, pero conocido por copias del taller y grabados, y otra versión, dejaron sin terminar. Reni por sí mismo y luego completado por Gianandrea Sirani (1610-1670), que ahora se conserva en el Museo del Hermitage en San Petersburgo: el historiador de arte Massimo Pulini bien ha escrito sobre esta segunda versión, y el trabajo de acabado por Sirani, en el artículo "Gianandrea Sirani pintor de recitativos y consumador de la inacabada Reniani " La obra que aquí se presenta hace referencia a la versión de Sirani en la composición ocupando todo el escenario de figuras femeninas que participan en la escuela, a lo que se suma el perrito en la parte inferior (sin embargo, movido de izquierda a derecha), mientras que la versión de Reni se refiere esencialmente a la presencia sobre el derecho de la niña acompañada por su madre. Además, en esta obra aparece un elemento absolutamente novedoso, que convierte a este lienzo en una versión adicional: la presencia del paisaje abriéndose al fondo en el centro, enmarcado entre las dos pesadas cortinas. La obra ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco del siglo XVIII, restaurado y adaptado.