par de apliques - Italia principios del siglo XX

Paisaje con River Glimpse 1906

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El artista nacido en Roma Cesare Maggi se estableció como un paisajista puntillista, retratando paisajes alpinos en la Engadina y el Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Amigo del pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se orientó con éxito hacia el género del retrato, dejando de lado la técnica puntillista. Si bien todavía favorecía las vistas de alta montaña, amplió sus temas al involucrarse también en paisajes marinos y naturalezas muertas. En esta obra, todavía de la primera época, Maggi retrata un atisbo de campo atravesado por un río tranquilo, bordeado por hileras de árboles desnudos y pequeñas colinas cubiertas de hierba, detrás de las cuales se asoman los cortijos: ya no vinculados a las técnicas divisionistas, el la obra se caracteriza más bien por mezclas de color densas y opacas, en las que la tierra, el agua y los cortijos se superponen en un continuo interrumpido únicamente por la franja de cielo superior. La obra se presenta en un marco de época.

tres figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso hay un sello de la galería histórica Palmieri de Milán (ya no existe). La obra ofrece los personajes típicos de la pintura satírica de Franz Borghese: se trata de figuras que recuerdan, en gestos y vestimentas, a los personajes de 1910, retratados con rasgos y poses casi caricaturescas y sarcásticas. De hecho, la producción de Borghese, después de un período inicial caracterizado por una pintura oscura y profunda, casi dramática, a partir de los años 70 se transformó en una pintura de sátira y sarcasmo, acentuada por una paleta cromática brillante, que apunta especialmente a la burguesía desde el principio. del siglo. Las tres figuras de esta obra, dos hombres y una dama, están representadas de lado mientras caminan en fila india con sus elegantes ropas de paseo: las expresiones serias, las miradas distantes, parecen subrayar la indiferencia mutua, así como el aburrimiento y el vacío. de su vida, que contrastan con los colores vivos y brillantes. La obra se presenta en un marco.

El camino de San Rocco (Camogli)

Óleo sobre cartón. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso este título a lápiz. Raúl Viviani, paisajista sumamente original que experimentó con la pintura al óleo pero también con la acuarela y el grabado, se acercó mucho a la pintura puntillista, pero desarrolló una técnica propia, caracterizada por finísimos filamentos de color en forma de finas comas, que definen el estructuras de sus paisajes. Con su traslado a Liguria, que hizo del paisaje de aquella región el protagonista de sus obras, su técnica cambió, alejándose del divisionismo original para abrirse a una pincelada amplia y sumaria, que finalmente desembocó en la última época en una producción de Muerte de la naturaleza con colores violentos y contrastantes. Este paisaje también se puede situar en la época de Liguria, lo que permite vislumbrar una conocida localidad de Liguria, todavía representada en el estilo característico de Viviani, hecho de pinceladas en finos filamentos, superpuestas a manchas de color vivo, en las gamas cromáticas. de los colores de la naturaleza. En el marco de.

Naturaleza muerta

Óleo sobre la mesa. Firmado arriba a la derecha. Raúl Viviani, paisajista sumamente original que experimentó con la pintura al óleo pero también con la acuarela y el grabado, se acercó mucho a la pintura puntillista, pero desarrolló una técnica propia, caracterizada por finísimos filamentos de color en forma de finas comas, que definen el estructuras de sus paisajes. Con su traslado a Liguria, que hizo del paisaje de aquella región el protagonista de sus obras, su técnica cambió, alejándose del divisionismo original para abrirse a una pincelada amplia y sumaria, que finalmente desembocó en la última época en una producción de Muerte de la naturaleza con colores violentos y contrastantes. Este bodegón, una composición de verduras y una botella de colores vivos, se puede situar en esta época. La obra se presenta en un marco.

Amapolas en jarrón 1948

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Composición de amapolas en jarrón, con Madonnina de cerámica en la pared trasera. Noel Quintavalle (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entretanto también realizó actividades literarias publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también experimentó con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato (con preferencia por determinadas figuras femeninas, como bailarinas) y el paisaje. Su producción de temas florales se remonta a la década de 1940, vinculada al período en el que recupera la necesidad de interioridad, acercándose a los conceptos estéticos del arte del "siglo XX". La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Escena de trabajo en la playa

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. La imponente escena describe la hazaña de tirar de un bote a la orilla con un remolque de caballos: las seis poderosas bestias son las protagonistas, ubicadas en parejas en diferentes pisos, mientras unos pescadores arreglan las cuerdas de remolque; mar, cielo y playa se disponen en tres líneas paralelas, que también se funden cromáticamente; perpendicular a estas líneas, el mástil de la embarcación, que crea la unión entre los tres elementos. Edgar Pierre Jozef Farasyn (su nombre también aparece como "Edgard Farasyn" y "Edgard Farasijn".) Artista belga formado en Amberes donde trabajó más tarde, fue pintor, acuarelista, grabador, artista gráfico. Inicialmente pintó escenas para niños, pero a partir de 1885 cambió a la pintura al aire libre, pintando muchas escenas de la ciudad y en el antiguo mercado de pescado de Amberes, pero también muchos paisajes rurales y vistas de pueblos. Atraído por el mar, permaneció allí regularmente, creando muchas escenas realistas de la vida de los pescadores y sus familias. Sus primeras obras se caracterizaron por un estilo realista, con colores más bien grises y tétricos, y con una atmósfera severa. Posteriormente pasó a un uso más luminoso del color ya una sutil representación de la luz. Debido al gran tamaño (inusual para el artista), la obra que aquí se presenta sugiere un trabajo para un cliente importante. Se presenta en un rico marco dorado de principios del siglo XX.

Chica

Aceite sobre la mesa. En el reverso hay huellas de la firma y dos etiquetas de la Galleria D'arte, la Bottega d'arte de Livorno y la Galleria Manzoni de Milán, con el nombre del autor, el título y los datos técnicos de la obra. Livornés de nacimiento, Ludovico Tommasi se formó cerca de la corriente Macchiaioli, desarrollando una fuerte sensibilidad por el color, que lo llevó a crear obras realistas impregnadas de cromatismos armónicos. El trabajo se presenta en un marco elegante.

Parque

Acuarela sobre papel. Firmado abajo a la derecha. En el reverso hay una etiqueta de la Galería de Arte Manzoni de Milán, con los datos de la obra. Máximo exponente de la pintura lombarda del siglo XIX, siempre ligada al amor por lo "real", Pompeo Mariani fue llamado también "el impresionista italiano", por la influencia en sus obras del impresionismo francés y de esas experiencias, no sólo culturales , que constituyó la era de la Belle Époque, que el artista vivió entre Milán, Bordighera, Niza y Montecarlo. En esta pequeña acuarela, Mariani ofrece una visión de un parque de la ciudad, adornado con estatuas a lo largo de la puerta. La pintura se presenta en un marco de época.

Escena de duelo 1915

Aceite sobre la mesa. Firmado abajo a la izquierda. Más firma y fecha en la parte posterior. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se formó en el clima del romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también creó valiosas naturalezas muertas, con colores vivos y un diseño preciso y realista. Su producción paisajística bebe de los diversos lugares que visitó y vivió, tanto en Italia como en el extranjero, especialmente en España y Francia. En esta obra Pellegrini propone una escena de género, un duelo al amanecer fuera de los muros de un jardín, un tema bastante típico del género romántico, especialmente literario. Las dinámicas figuras de los duelistas, enfrascados en el acto violento y cruento del duelo, asistidos por los padrinos, contrastan con la quietud del jardín y la delicadeza de los arbustos en flor. Los juegos de luces y sombras juegan bien, prolongando las formas de las figuras y la vegetación, ya de contornos exiguos. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Marmittone se casa 1950

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. En el reverso hay un cartucho de la Galería Ranzini de Milán, relativo a la exposición personal del artista realizada en noviembre de 1950, que indica el título de la obra. Se trata de un tema original e insólito del pintor ligur, que se inspira en un cómic publicado a partir de 1928 en el Corriere dei Piccoli, que narra las aventuras del simple soldado Marmittone, un tipo no demasiado brillante pero de buena voluntad que, debido a patinazos o simplemente por pura mala suerte, termina en la cárcel al final de cada aventura. La obra de Noelqui es fantástica: los dos protagonistas de la escena, Marmittone y su novia, están flanqueados por personajes con apariencia de animales, el contexto está representado con casas geométricamente definidas con trazos simples, los colores son vivos y alegres. Parece casi la ilustración de un cuento infantil, que remite a la actividad del escritor, también de cuentos de hadas y cuentos, en los que se aventuró Noelqui. Noel Quintavalle (conocido con el seudónimo de Noelqui), natural de Ferrara pero criado y formado artísticamente en Milán, fue un artista polifacético. Licenciado en Arquitectura, fue autodidacta en las artes, pero luego de la gran guerra en la que participó activamente, rápidamente se distinguió y expuso en numerosas exposiciones nacionales e internacionales; entre tanto, también llevó a cabo la actividad literaria antes mencionada, publicando varios volúmenes (sátira, cuentos de hadas, memorias breves de la guerra) y también probó suerte con la escultura y la xilografía. Su producción pictórica, iniciada como puntillista, estuvo luego influenciada por la síntesis de la pintura moderna. Los temas más queridos para él eran el retrato y el paisaje. La obra presentada está en un marco contemporáneo, con algunos pequeños defectos.

Estratosfera 1962

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso se encuentra el título, la fecha y la firma del artista. Presente orla de la Galería Falchi de Milán. Felice Canonico nació en Messina, donde debutó como autodidacta, destacándose dentro del circuito de exposiciones de la ciudad; luego sigue un período de formación en Florencia con Ardengo Soffici y Pietro Annigoni. Desde el '51 al '60, colaboró con las principales obras de construcción en Messina. Trasladándose a Milán, asistió a la galería Blu, entrando en contacto con los artistas más innovadores de la época: Fontana, Burri, Vedova, Borlotti, Santomaso. Expone en Roma, Venecia, París, Londres, Stuttgart, Copenhague, Los Ángeles, ganando también varios premios. En su dilatada y polifacética actividad experimenta con las más diversas y alternativas técnicas artísticas. La obra se presenta en un marco.

Vistazo de la bahía de Nápoles

Aceite en tableta. Firmado abajo a la derecha. En la parte posterior, sello del taller de arte de estudio del artista en Nápoles. La vista de la bahía de Nápoles ofrece una vista de un lugar de desembarco para barcos de pesca, a lo largo de una playa poblada por numerosas figuras; El Vesubio se eleva al fondo, cuyo perfil se desvanece en el cielo nublado y gris, que bloquea la luz del sol del día, más bien iluminado por el animado bullicio de la gente en el paseo marítimo. Se sabe muy poco del artista napolitano Eduardo Scognamiglio: en su producción hay numerosos destellos y vistas, especialmente napolitanas, pero también escenas de género popular y retratos de personajes populares. Su producción también fue ampliamente seguida en el extranjero, donde fue conocida, apreciada y ampliamente solicitada, lo que le valió el nombre en inglés de Edwardo. La pintura se presenta en un marco estilizado.