Espejo de los años 60

Pintura al óleo sobre lienzo. Iniciales y fecha abajo a la derecha. En el camino en medio del campo, una familia de viajeros con sus monturas se detiene al abrigo de las ramas de un árbol. Bajo un cielo gris, a lo lejos, se eleva en medio de los campos el humo de un incendio, que otro campesino observa. La obra se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. En el retrato de esta mujer ya no joven, vestida con un austero vestido negro que se funde con el fondo, el encaje blanco del cuello y las mangas y el peto desmontable, o más bien el babero ricamente bordado que simula una joya, inventado al final del '600 para cubrir los profundos escotes de los vestidos femeninos, siguiendo la influencia moralizadora católica de la corte francesa; Luego, la mujer exhibe un fino brazalete de oro en su muñeca. Restaurada y revestida en el siglo XIX, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

retrato masculino

Pastel y tiza sobre papel. Firmado abajo a la izquierda. En la parte inferior derecha está el texto "de fotografía". El pintor y poeta de Portogruaro se dedicó principalmente a la pintura decorativa sacra para las iglesias del Véneto y del Piamonte. El retrato que aquí se propone se presenta en un marco contemporáneo, que necesita restauración debido a múltiples deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Se dice que Santiago de Alfeo, uno de los Doce Apóstoles de Jesús, es el más joven para distinguirse claramente del otro apóstol llamado Santiago, cuyo padre era Zebedeo y al que tradicionalmente se le llama Santiago el Mayor. En este cuadro se le representa según la iconografía clásica, que lo describe con barba y cabello largo, vestido con túnica y palio, sosteniendo un largo palo ganchudo; su atributo, de hecho, es el instrumento con el que fue martirizado, es decir, el palo con el que se cardaba la lana y que tenía un extremo triangular en forma de gancho. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escena tomada al revés y con distintas variaciones en el fondo y en algunos detalles, de la obra de Pieter Van Avont (1600 -1652), probablemente difundida a través de grabados. Este tema sagrado fue ampliamente propuesto en la producción pictórica, como emblema de la Familia, modelo fundamental de los vínculos de afecto, amor y comprensión que toda familia humana está llamada a expresar. También en esta representación se traslucen la ternura paterna, los afectos de la familia extensa en la figura del primo pequeño Giovanni, las relaciones serenas entre los niños, vigilados por los adultos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco del siglo XIX.

Rostro

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En la vasta producción artística de Giacomo Manzù, excelente escultor, se encuentran también raras pinturas sobre lienzo y numerosos dibujos sobre papel, entre los cuales el rostro humano es uno de los temas más recurrentes, en particular el de su esposa Inge Schabel, musa inspiradora. y modelo favorito del artista. El rostro aquí dibujado, aunque apenas esbozado con algunos trazos realizados en técnica mixta, expresa una intensa expresividad. La obra se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. Retrato de una dama con curvas y serena, vestida de casa sobria. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Interior estable

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida previamente en la subasta de Sotheby's en Milán el 12/10/2007. Fue expuesto en 1991 en la exposición "Giovanni Sottocornola. Imágenes de una colección" celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a los retratos y las naturalezas muertas, en la década de 1880 Giovanni Sottocornola abordó temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas favoritos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más pobres de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura puntillista, sobre la que escribió en 1895: "Por ahora es seguro, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir determinadas sensaciones que ésta". Sin embargo, este tipo de pintura permaneció enteramente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como ocurre en el Interior de un establo, realizado a finales de los años 1980, donde los juegos de luces y sombras juegan y crean los efectos visuales en el pinceladas de color jugaron sobre unas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonalidades. La obra se presenta en un marco de época.

Paisaje con River Glimpse 1906

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El artista nacido en Roma Cesare Maggi se estableció como un paisajista puntillista, retratando paisajes alpinos en la Engadina y el Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Amigo del pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se orientó con éxito hacia el género del retrato, dejando de lado la técnica puntillista. Si bien todavía favorecía las vistas de alta montaña, amplió sus temas al involucrarse también en paisajes marinos y naturalezas muertas. En esta obra, todavía de la primera época, Maggi retrata un atisbo de campo atravesado por un río tranquilo, bordeado por hileras de árboles desnudos y pequeñas colinas cubiertas de hierba, detrás de las cuales se asoman los cortijos: ya no vinculados a las técnicas divisionistas, el la obra se caracteriza más bien por mezclas de color densas y opacas, en las que la tierra, el agua y los cortijos se superponen en un continuo interrumpido únicamente por la franja de cielo superior. La obra se presenta en un marco de época.

tres figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso hay un sello de la galería histórica Palmieri de Milán (ya no existe). La obra ofrece los personajes típicos de la pintura satírica de Franz Borghese: se trata de figuras que recuerdan, en gestos y vestimentas, a los personajes de 1910, retratados con rasgos y poses casi caricaturescas y sarcásticas. De hecho, la producción de Borghese, después de un período inicial caracterizado por una pintura oscura y profunda, casi dramática, a partir de los años 70 se transformó en una pintura de sátira y sarcasmo, acentuada por una paleta cromática brillante, que apunta especialmente a la burguesía desde el principio. del siglo. Las tres figuras de esta obra, dos hombres y una dama, están representadas de lado mientras caminan en fila india con sus elegantes ropas de paseo: las expresiones serias, las miradas distantes, parecen subrayar la indiferencia mutua, así como el aburrimiento y el vacío. de su vida, que contrastan con los colores vivos y brillantes. La obra se presenta en un marco.

Alegoría del Fuego con Júpiter y Sémele

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena ve en el centro, volando sobre las rocas, un pájaro del que flotan llamas, representando alegóricamente el elemento natural; en el lado izquierdo de la escena se desarrolla la vida frenética de una fragua: en primer plano dos hombres con cestas llenas de leña, otros dos más apartados están concentrados en conversar con amorcillos, delante de un altar. Sin embargo, la parte principal del encuadre la ocupan Júpiter y Sémele: en la parte superior el rey de los dioses desciende del cielo, cubierto por un ondeante paño naranja, en sus manos sostiene un haz de relámpagos y lo acompaña los vientos; abajo a la derecha la princesa, reclinada sobre un cojín y rodeada de querubines. La pintura es atribuible al taller de Luca Giordano (1634-1705), probablemente creada en la década de 1680. De hecho, nuestro lienzo vuelve a proponer, aunque con algunas modificaciones, el mismo tema que Giordano ya había pintado para el Palacio de la Zarzuela de Madrid, a donde fue enviado en 1688 junto con otros cuadros de tema mitológico. Este tema debió ser especialmente apreciado, porque se conoce al menos otra copia del taller, realizada como réplica de la del palacio de Madrid, conservada en el Museo Casa Martelli de Florencia: esta versión pertenece a una serie de pinturas de Giordano. que representan los cuatro elementos, provenientes de las colecciones de don Gaspar de Haro y Guzmán, marqués del Carpio y virrey de Nápoles de 1683 a 1687. Comparada con la original, nuestra versión también presenta cambios: no en contraparte, pero con la misma ambientación de La escena, sin embargo, difiere en tamaño, ampliando ligeramente la altura de 114 cm del original a 125 cm de este lienzo, permitiendo así un encuadre más amplio. Esta astucia nos lleva plausiblemente a suponer que el cuadro en cuestión habría sido realizado para un cliente muy concreto, quizás italiano, y en las dimensiones adecuadas al lugar de colocación. Otro cambio importante también puede leerse como una petición directa del cliente, a saber, el hecho de que la princesa Sémele se presenta en una variante más casta, ya no casi desnuda y cubierta sólo con una ligera cortina, sino vestida con una túnica y un abrigo. Comparada con el autógrafo original de Luca Giordano, nuestra versión demuestra, a pesar de la alta calidad pictórica, un mayor ingenio y una interpretación menos meticulosa, lo que lleva a la atribución al taller. La pintura presenta signos de restauración y rebase.