TRUMEAU - El último trimestre del año 1700

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana de mediados del siglo XVIII. La pintura propone el mito griego del sacrificio de Ifigenia, la hija del rey Agamenón, líder de la expedición aquea que debía partir hacia Troya. Como la flota griega no podía hacerse a la mar debido a los vientos desfavorables, el adivino Calcante predijo que, debido a una ofensa que el rey había infligido a la diosa Artemisa, ahora se oponía a su partida hasta que el rey no sacrificara a su pequeña hija. en el altar Ifigenia aceptó valientemente el sacrificio y subió espontáneamente al altar, pero en el último momento Artemisa, compadecida, la cambió por un cervatillo y se llevó viva a la niña en Tauris, donde se convirtió en sacerdotisa de la diosa que la había salvado. La gran escena, ambientada fuera del campamento griego junto al mar (los barcos anclados al fondo a la izquierda, las tiendas a la derecha), ve en el centro a la diosa Artemisa que cambia a la joven y hermosa Ifigenia por el cervatillo, mientras el el cura Calcante ya tiene en la mano el cuchillo del sacrificio; a la derecha la desesperación del rey Agamenón y su esposa Clitemnestra. La pintura es estilísticamente cercana a la producción de Fedele Fischetti (1732-1792), el artista napolitano que se dedicó principalmente a las escenas alegóricas/mitológicas, en particular en sus primeras obras de la década de 1860. La obra que aquí se presenta fue subastada en Sotheby's en abril de 1998. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Es un gran paisaje montañoso, rico en vegetación y atravesado por un pequeño arroyo, a lo largo del cual dos hombres, en el centro de la escena de abajo, están pescando en un charco de agua. Sobre ellos un cielo lleno de nubes, que se desvanecen en la distancia, evocando lluvias inminentes. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de mediados del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Amplio paisaje campestre, con árboles frondosos, un camino que conduce al río y al pequeño pueblo a lo lejos. Paisaje tradicional con fines decorativos, típico de la producción del siglo XVIII y principios del XIX. Sometido a restauración en el siglo pasado, se cambió el chasis. Marco con estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de principios del siglo XVIII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, prepara un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. Este bello cuadro representa a la bella reina de medio cuerpo, seductora en el juego de la desnudez cubierta de preciosas joyas y envuelta en ricos tejidos, mientras se dispone a sumergir una gran perla en un cáliz: a su izquierda el rostro de Antonio que mira fijamente ella asombrada, fijada en un gesto de manos que expresa el asombro de ser la beneficiaria de este acto extremo, a la derecha unas criadas, admiradas y asombradas. La blancura de la tez de Cleopatra se destaca en el centro, mientras que las otras figuras se desvanecen en las sombras de los lados, así la apoteosis de la belleza. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII-XVIII. En el reverso hay una etiqueta de la Galería de Arte Di Rosa, que atribuye la obra a la "Escuela veneciana de 1600". La gran escena, rica en figuras y muy animada en el entrelazamiento y superposición de los cuerpos, narra el episodio del Evangelio de Juan en el que una mujer sorprendida en adulterio es llevada ante Jesús por escribas y fariseos para conocer su opinión sobre la suya. sentencia a ser apedreado. Jesús, mientras escribe en el suelo con el dedo, insta a sus interlocutores a la misericordia con la frase "El que esté libre de pecado que tire la primera piedra", salvando así a la mujer de la pena de muerte y dejándola libre para marcharse, con la exhortación a no pecar más. El tema ha sido ampliamente replanteado en el arte, con diferentes visiones de los personajes. En este cuadro, la mujer está en una posición central, pero todos los demás personajes a su alrededor hacen converger la mirada hacia abajo, hacia la mano con la que Jesús, agachado, escribe en el suelo; tanto el rostro como el brazo derecho de la mujer son prácticamente paralelos a los de Cristo, como si siguieran y se ajustaran a la dirección que Jesús le indica. En las otras numerosas figuras domina la curiosidad, el intento de comprender, la pregunta que plantea Jesús con su pregunta, representada en múltiples variantes expresivas tanto de rostros como de cuerpos; curioso es el detalle de las lentes -las gafas del sacerdote cuya cabeza sale por detrás de la mujer y la lupa de la figura agachada de la izquierda al fondo- que utilizan dos figuras para "ver mejor" lo que sucede. Las modalidades pictóricas e interpretativas de la pintura recuerdan la producción veneciana cercana a Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), el artista veneciano cuya pintura representa el camino intermedio entre la gran tradición de la pintura tardobarroca similar a Luca Giordano y la innovadora sensibilidad colorística propia de gracia del siglo XVIII. Restaurado y reasentado, el cuadro se presenta en un marco coetáneo, en madera tallada, estucada y lacada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En el reverso esta etiqueta de la Galería de Arte con la indicación "Escuela Veneciana de 1600". Se representa el episodio evangélico del descenso de Cristo de la cruz. El cuerpo de Jesús, que destaca el blanco por la palidez de la muerte pero también como símbolo de su pureza, destaca en el centro entre las demás figuras, el único inerte entre los demás personajes. Sus brazos aún abiertos mientras está desprendido de la Cruz, constituyen un vínculo entre las dos figuras de María y Juan que están debajo de él, y el cielo. Alrededor de varias figuras que coralmente crean movimiento, entrelazamiento, formas y colores. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco coetáneo, en madera tallada, estucada y lacada.

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Italia (¿veneciana?) del siglo XVIII. La forma de la mesa sugiere que el cuadro formaba parte de un conjunto de mobiliario, insertado en una estructura de pared compuesta junto con otras escenas mitológico-alegóricas. La pintura representa un episodio mitológico narrado en las Metamorfosis de Ovidio: Mercurio se dispone a dormir a Argos con las persuasivas melodías de su flauta, y luego lo mata por orden de Júpiter. Argos, el pastor de los cien ojos y dotado de una gran fuerza, había sido comisionado por Juno para velar por el joven Io, amado por Júpiter y transformado por él en novilla. En esta representación, situada dentro de un paisaje bucólico, se puede identificar a Mercurio con su sombrero y zapatos alados, mientras toca su flauta, y a Argo sentado mirando a la novilla blanca detrás de él: como en muchas representaciones de este mito, también en obras de gran fama. , Argo es representado como un simple pastor, sin cien ojos y sin dotes especiales. La dimensión bucólica más que dramática subraya la intención decorativa del panel, que busca evocar ligereza en lugar de patetismo. La obra se encuentra en buen estado.