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31 cm 226 cm

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Luigi Cavenaghi
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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

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Luigi Cavenaghi

Virgen rezando

Óleo sobre cartón. En el reverso, la indicación manuscrita "Bozzetto di Luigi Cavenaghi". Es probablemente un boceto preparatorio para un fresco por el famoso restaurador y pintor Luigi Cavenaghi: la Virgen rezando se inserta dentro de un arco de medio punto, sobre un fondo de oro, flanqueado por la inscripción latina "Ave María, gratia ..", incompleta porque justo incompleto. Luigi Cavenaghi, originario de Caravaggio (Bg), se formó artísticamente en Milán, primero como restaurador y luego como pintor. Considerado uno de los más importantes restauradores de pintura italiana, en su larga y exitosa carrera estuvo involucrado en la recuperación de importantes pinturas murales, a menudo asociadas con "descubrimientos". La culminación, tanto desde el punto de vista técnico como conceptual, fue la restauración de la Última Cena de Leonardo da Vinci en S. Maria delle Grazie en Milán, realizada en 1908 sin compensación como homenaje a Leonardo. Su producción pictórica estuvo ligada en gran medida a la actividad de restaurador, configurándose no tanto como una creación original, sino como una reconstrucción en el estilo, una restauración imaginativa, un cruce entre restauración y rehacer. La pintura que aquí se propone podría formar parte de esta producción. Se presentan los marcos de finales del siglo XIX y principios del XX.

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Caín y Abel
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Caín y Abel

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Caín y Abel

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia. De gran impacto escénico, la pintura narra el episodio del Libro del Génesis que tiene como protagonistas a los dos hermanos Caín y Abel, primeros hijos de Adán y Eva y por tanto primogénitos de lomos humanos. Caín, un agricultor, porque Dios había rechazado los frutos de su cosecha a favor de los corderos sacrificados por el pastor Abel, mata a su hermano. Los dos se convierten así, respectivamente, en Caín el primer hombre en nacer, Abel en el primero en morir y en el primer mártir de la historia sagrada. También se les considera como el arquetipo del fratricidio: es sobre todo en esta capacidad que su historia ha sido ampliamente contada tanto en la literatura como en el arte pictórico. En el cuadro que aquí se propone, que representa el momento culminante y trágico de la matanza, las dos figuras llenan la escena, como dos figuras contrastantes: Caín de pie, moreno de piel y cabello, la mirada sombría, animada por un intenso entusiasmo al levantar la cabeza. club listo para atacar; Abel en el suelo, tratando en vano de protegerse, pálido en su tez ya mortal, con los ojos muy abiertos en una expresión de terror. La particular efectividad de los rostros, especialmente la de Abel en el hábil escorzo, remite a las obras de Giuseppe Diamantini (1621-1705). Entre los dos cuerpos brilla la luz de la hoguera, que hace referencia a la pira de sacrificio más retrasada a la izquierda, de la que arde un fuego intenso, símbolo de la presencia divina de la que el acto de Caín no puede escapar. El renderizado de las cortinas que siguen los movimientos de los cuerpos también es eficaz. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco decorado con estilo.

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Francesco Mantovano
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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. De refinada calidad y en excelente estado, el cuadro representa una guirnalda de flores multicolores que enmarca la escena evangélica de la Anunciación a los pastores. El trabajo va acompañado de la experiencia del dr. Gianluca Bocchi, quien lo atribuye a la producción de Francesco Caldei, conocido como el Mantovano de su ciudad natal. Mantovano se formó artísticamente en Roma, donde permaneció entre 1613 y 1625, adquiriendo una formación floreciente. De hecho, su producción consiste principalmente en jarrones con flores. Tras trasladarse a Venecia, donde permaneció hasta su muerte, Il Mantovano importó a la ciudad los cánones pictóricos romanos que había adquirido, en particular el fracaso de las representaciones botánicas, pero también la tipología de la guirnalda, que los artistas romanos habían extraído. la tradición flamenca. La producción de guirnaldas incluyó la inclusión de escenas de figuras, con un tema mitológico o sagrado, a menudo realizadas en colaboración con pintores de figuras, a las que ni siquiera los mantosos desdeñaron recurrir. La escena del Anuncio a los pastores en este cuadro remite con bastante fidelidad a la obra homónima de Jacopo da Bassano (1515-1592), cuya bucólica producción tuvo tanto éxito que fue replanteada en numerosas copias por los hijos del mismo artista. y en numerosos grabados que circulan por toda Europa, lo que permitió a varios otros artistas se inspiran en ellos, como probablemente el Mantovano hizo. Por tanto, se puede concluir que la obra que aquí se presenta es una pintura de Francesco Mantovano realizada en Venecia hacia 1640-1650. La pintura se revistió en la antigüedad. Se presenta en un marco del siglo XVIII que ha sido adaptado y rehecho. En el reverso hay etiquetas que documentan el paso de la obra en el mercado francés del siglo XIX.

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Xavier Bueno
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Xavier Bueno

Chico, 1966

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Xavier Bueno

Chico, 1966

Óleo sobre lienzo cartón. Firmado en la parte inferior izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. Tras su infancia en España, su país natal, Ginebra y París, en 1940 Xavier Bueno se trasladó a Italia, en Fiesole, donde se unió a su hermano Antonio, Pietro Annigoni y Gregorio Sciltian. al grupo de "Pintores Modernos de la Realidad", cuyo manifiesto proponía una observación "objetiva" de la verdad, de la naturaleza y su fiel reproducción posible. La experiencia de la guerra civil española primero y luego la italiana orientó cada vez más al artista hacia un realismo ligado a razones de fuerte contenido social. 1953 supuso un importante punto de inflexión en la carrera de Xavier: fue el año de su adhesión explícita a la poética del realismo socialista, adhesión que llegó después de un itinerario personal que lo vio practicar la pintura "comprometida" desde la preguerra, con un claro avance en el arte de la izquierda italiana. Otra etapa fundamental en la carrera de Xavier fue el viaje a Brasil en 1954: el artista regresó de esta experiencia lleno de entusiasmo y con una serie de tintas cuyos principales protagonistas son niños, adolescentes, obreros. A partir de este momento, el tema de la infancia se volvió cada vez más recurrente, poco a poco los personajes fueron retratados inmóviles, en una especie de niebla irreal, desprovista de profundidad, de rigor de perspectiva, en la que emergen como evocados. El trabajo aquí presentado pertenece a esta producción. Entre 1959 y 1964 Xavier creó el ciclo de "Niños", imágenes sufrientes y melancólicas obras simbólicas de una humanidad humillada y oprimida, que el artista presentó en la exposición "España libre". Su técnica también sufrió una evolución, que le llevó a buscar un espesamiento del material, espesado por la adición de arena a la pintura; el uso del collage, ya experimentado por él en naturalezas muertas, se hizo patente también en el campo del retrato figurativo. El material de sus pinturas llegó a ser tal que las definió como "fresco sobre lienzo". Obra presentada en marco.

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Giovanni Baglione, atribuido a
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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Inspirada en los relatos evangélicos de la vida de Juan el Bautista, la escena muestra a la reina Herodías recibiendo la cabeza del predicador en un plato, que su hija Salomé le había pedido a Herodes a cambio de su danza. Herodías está representada aquí en toda su realeza, con la corona y el cetro, vestida con ropas y joyas, pero con una expresión distante e indiferente, casi aburrida, incluso frente al espectáculo macabro, mientras realiza el gesto de apartar con desdén. de sí misma el trofeo que un sirviente le está entregando en bandeja. La obra, ya subastado en Dorotheum en 2008, se publicó y bien descrito en el texto "estudios de historia del arte en honor de Fabricio Lemme", publicado en 2017, en el capítulo de Michele Nicolaci (historiador del arte experto en la pintura del siglo XVII) , que lo presenta como un cuadro inédito de Giovanni Baglione. Fue un artista y escritor romano, conocido sobre todo por haber escrito "La vida de pintores, escultores y arquitectos desde el pontificado de Gregorio XIII de 1572 hasta la época del Papa Urbano Octavo" en 1642, la primera colección publicada de biografías de artistas. en la Roma del siglo XVII. También es de considerable importancia su escrito "Las nueve iglesias de Roma", publicado en 1639. Su actividad pictórica se desarrolló entre Roma y Nápoles; inicialmente de estilo manierista tardío, cuando conoció a Caravaggio, se adaptó a su estilo casi llegando a la imitación, tanto que despertó la indignación y el escarnio de Merisi, así como la escasa consideración de sus colegas romanos; aislado e insultado, Baglione volvió a su estilo personal, pero sin embargo pudo lograr un buen éxito en la alta sociedad romana, gracias también a su capacidad para ganarse el favor de los poderosos y reinventarse a sí mismo como un hombre de letras en la corte de Barberini. . Su punto de inflexión estilístico con la vuelta a un enfoque manierista tuvo lugar hacia 1630 y se definió en una producción caracterizada por el forzamiento compositivo y los personajes casi caricaturizados. Esta Herodías también se puede situar en este período: aunque en la forma redundante y excesiva, casi irónica de retratar al personaje, esta obra no carece de elegancia, en la pose teatral de la mujer, pero también del sirviente, en el hábil juego. de contrastes. cromática (en el vestido de la reina, sino también en las diferencias entre los encarnados), en la sobreabundancia de la ropa y joyas. El lienzo ha sido restaurado y revestido. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX. Publicación adjunta al cuadro.

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El trabajo de Arman
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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

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El trabajo de Arman

10000 Cendrillons

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión es una composición de la ironía, titulado 10000 Cendrillons, es decir, 10000 día cinderellas. Consta de seis pares de zapatos de diseño, Prada corte en la mitad, montado sobre tela y cubiertos con pintura. El trabajo es conceptual y su interpretación está ligada a la comprensión de la filosofía de la artista y el período histórico en el que trabajaba. Representa una visión personal y crítica, alumbrada por el título de la burla, del consumismo desenfrenado. Arman el trabajo de la "profanación" de un objeto, los zapatos de Prada, el cual es considerado como un simulacro, en el mundo de la moda, un objeto de deseo. Demuestra con su trabajo como en la parte inferior, un zapato firmado, a la que atribuimos el valor de un símbolo de estatus, no es nada más que un zapato, y por último un simple objeto que como cualquier otro se convertirá en un residuo. El trabajo viene de estudio de la artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. AN. actualmente, es la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

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Sin título por Arman
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Sin título por Arman

Jeté

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Sin título por Arman

Jeté

Técnica mixta sobre lienzo. Armand Fernández, en el arte, Arman nació en Niza en el año 1928. Él es recordado como uno de los líderes más importantes e influyentes del movimiento artístico "Nouveau Réalisme", la declinación de los europeo-americanos de Nueva Dada. El Nouveau Réalisme desarrollado en los años '60 en Francia en torno a la figura del crítico Pierre Restany. Es una forma de hacer arte, anti-convencional, que incorpora muchos de los aspectos de las vanguardias de principios de siglo, como por ejemplo el relegamento de la pintura y la escultura técnicas de segundo orden. Por contra se da valor artístico de los objetos ordinarios, de la esfera de la vida cotidiana, que se presentan en las obras exactamente en su objetividad, sin la acción decontestualizzante que caracteriza a los ready-mades de Duchamp. El período de la posguerra, que se caracteriza por cambios radicales desde el punto de vista de la social y la económica está representada por los exponentes de la Nouveau Réalisme provocadoramente, y la crítica a través de sus productos: los objetos en la sobre-abundancia, productos de desecho, residuos torpe, y así sucesivamente. Cada artista declina esta filosofía en una forma personal y original; Arman es conocida por sus acumulaciones hasta el límite de la obsesión. Su trabajo se lleva a los movimientos de las calles, donde se recoge lo que se tira, olvidado. Los objetos que no están en uso, lo que se considera basura se convierte en el protagonista de sus "esculturas", induciendo al público a una reflexión sobre las implicaciones de la sociedad de consumo. La obra en cuestión se compone de un violín corte está montado sobre un lienzo se ponen en la mesa con restos de la mezcla de colores. El título es Jeté, en italiano, "Arrojado", la referencia al mundo de los desechos es directa e inmediata. Parte de la serie "Colères," operaciones "dissemblage", es decir, la destrucción de los instrumentos musicales de la tradición burguesa: violines, violas, trompetas, y los pianos que son descuartizados, quemados, o disecados. En este ciclo de obras revela el impulso destructivo. El gesto es importante, central en la filosofía de la Nouveau Réalisme. Como dijo el mismo Arman "yo Creo que en la acción de la destrucción hay un deseo de detener el tiempo, la suspensión de los eventos de pegar, juntos en el poliéster..." El trabajo que viene desde el estudio del artista en Nueva York y es autenticado por el correo electrónico de la Fundación A. R. M. A. N. devuelve el número del archivo. La Fundación A. R. M. A. N. es actualmente la única institución autorizada para emitir la certificación de las obras de Arman. Adjunto también una foto de la obra firmado por el artista, indicando el número del archivo, el título, el tamaño y la técnica. En la parte de atrás de la fotografía es el sello de la Galería de Dante Vecchiato, que en los primeros años de 2000, ha sido el punto de referencia para la distribución de obras por Arman en Italia.

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