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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Alegoría del amor
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Alegoría del amor

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Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

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S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate
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S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate

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S. Paolo Eremita y S. Antonio Abate

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. El cuadro representa en primer plano a la izquierda, a la sombra de frondosos árboles, a los dos santos sentados en las rocas, compartiendo un pan; San Pablo vestido tradicionalmente con pieles de animales, San Antonio el abad con el hábito de la orden y el libro de oraciones en la mano. Los dos santos se han representado a menudo juntos porque tienen muchos rasgos en común: ambos vivieron en el siglo III, ambos egipcios, muy jóvenes dejaron todas sus propiedades para dedicarse a una vida de completa soledad, viviendo en oración y pobreza. Sant'Antonio Abate fue uno de los ermitaños más famosos de la historia de la Iglesia. San Pablo Ermitaño también vivió toda su vida en el desierto en completa soledad, según el relato hagiográfico, alimentado únicamente del pan que le traía regularmente un cuervo. A medida que se acercaba su muerte recibió la visita de Sant'Antonio Abate, con quien compartió este pan. En esta representación, el contexto del paisaje no se refiere a las tierras desérticas de Egipto, sino que se ubican en un paisaje alpino nórdico. A la derecha un paisaje ermitaño, aunque verde y con un pequeño riachuelo en la parte inferior derecha. La pintura, ya restaurada y revestida, tiene un rizado muy evidente. Se presenta en un marco elegante.

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La huida de Eneas de Troya
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La huida de Eneas de Troya

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La huida de Eneas de Troya

Óleo sobre lienzo. Toda la escena se reproduce en el claroscuro de negro y rojo, con las llamas de fuego que todavía está latente entre las torres y las torres de la ciudad: en el primer plano las figuras de Eneas con su padre Anchises en su hombro, y su pequeño hijo Ascanius a su lado mientras que huir de la ciudad; a la derecha, en el segundo piso, el caballo de Troya. A pesar de la cercanía a la misma materia de Alessio De Marqués (1684-1752), la pintura también se refiere como el estilo de la pintura flamenca. Restaurado y ritelato. Se presenta en el antiguo marco.

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La figura está tallada con el marco del portal
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La figura está tallada con el marco del portal

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La figura está tallada con el marco del portal

La figura del posadero, está tallada en la ronda y pintado en policromada, que se inserta en un portal tallado sarmientos con hojas de vid, de oro gouache de un período posterior. La escultura representa a un host en el acto de la realización de una cesta de fruta. La escultura se encuentra bien definido, con una vuelta de tuerca y la expresividad en la cara. Muestra una influencia nórdica; está completamente pintado en policromada, está vestida de púrpura y bordes de la correa, el oro y la cesta verde con ramas de uvas negras. El portal, que probablemente añadida al final del siglo XVII., está hecho con vides que la guita, la creación de un momento de aguda, a partir de los dos grandes jefes de la barroca y termina en la cara de alas de querubín. Esta parte, probablemente nacido a un tema religioso, es completamente de oro.

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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso
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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso

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Grupo de cuatro cuadros con escenas de Orlando Furioso

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

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Pareja de Esculturas en Madera
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Pareja de Esculturas en Madera

Esculturas sosteniendo un jarrón

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Pareja de Esculturas en Madera

Esculturas sosteniendo un jarrón

Pareja de grandes esculturas con la figura de jóvenes. Ambos están en un ligero movimiento inestable tratando de sostener una carcasa de soporte de jarrón. Con los pies sobre rocas talladas van vestidos a la romana con una túnica cubriéndolos. Totalmente patinado.

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Giovanni Beltrami
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Giovanni Beltrami

Virgen con el niño

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Giovanni Beltrami

Virgen con el niño

Aceite en la mesa. En el centro, en el borde del vestido rojo, está escrito en letra antigua "G.Beltrami fecit". Hermosa composición en estilo neorrenacentista, la obra se remonta al artista Giovanni Beltrami quien, a raíz de la corriente en boga en el siglo XIX que replanteó los estilos artísticos del siglo XV-XVI, incursionó en este mesa con un tema sagrado. Pintor, ilustrador y crítico de arte milanés, además de amante de la pintura sobre vidrio y el mosaico, Il Beltrami creció en el Milán de la Scapigliatura, buscando con su estilo una mediación entre las tendencias modernas y la tradición. En el campo pictórico se consagró sobre todo como paisajista, pero siempre fue considerado un artista de gran y variado talento, que incluyó en su repertorio numerosas obras de temática sagrada, especialmente como decorador de interiores e iglesias. La pintura se presenta en un bello marco coetáneo, una pequeña capilla, dorada y con una decoración superior.

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Busto de mármol firmado A. Ilarioli F 1853
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Busto de mármol firmado A. Ilarioli F 1853

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Busto de mármol firmado A. Ilarioli F 1853

Busto de mármol que representa a un noble renacentista. La barba, la expresión facial y el vestido adamascado destacan la buena capacidad escultórica del escultor. En el reverso, firma del autor y fecha de producción incusse.

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Antonio Molinari atribuye a
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Antonio Molinari atribuye a

Aarón con Moisés ante el Faraón

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Antonio Molinari atribuye a

Aarón con Moisés ante el Faraón

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo XVII-XVIII. La gran escena narra un episodio bíblico del libro del Éxodo, en el que Aarón con Moisés ante el faraón de Egipto, transforma su vara en serpiente, para emular los trucos que habían hecho los magos egipcios para asustarlos. El Faraón sentado en su trono a la izquierda, rodeado de sirvientes, y los magos a la derecha, observan consternado y asustado el milagro, mientras en el centro Aarón, reconocible por el tocado sacerdotal, indica el acontecimiento mientras a su lado Moisés, con el dedo levantado indica el cielo, para devolver el milagro al poder divino. La serpiente aquí tiene la forma de un dragón alado, que está pisoteando las serpientes de los magos egipcios. La tipología de la escena y los modos pictóricos remiten a la producción de Antonio Molinari (1655 -1734), uno de los más autorizados representantes de la pintura veneciana de finales del siglo XVII y XVIII, que se distinguió por su estilo personal, caracterizado por una acentuada teatralidad de los gestos, de una paleta viva y una notable fluidez de la pincelada. Molinari logró un éxito considerable con la producción de pinturas de habitación que representan episodios de carácter histórico, mitológico o bíblico, que fueron ampliamente retomadas y re-propuestas. El gran lienzo, restaurado y reasentado, se presenta en un marco de época.

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marcelo jori
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marcelo jori

En el Piso Interior

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marcelo jori

En el Piso Interior

Acrílicos sobre tabla. Acompañado de autentificación sobre foto autografiada del autor, con sello de la Galería Verlato de Milán. La obra que aquí se presenta forma parte de la rica serie de obras denominada por el artista Cristalli, por la referencia a las geometrías de estos minerales, a los que considera contenedores de energía y luz. Sobre un tablero de forma tridimensional con salientes asimétricos, recordando la estructura de un cristal, Jori pinta elementos que emergen del fondo, con opciones cromáticas que hacen referencia a la misma gama pero con tonalidades distintas, para emular los reflejos de la luz. La obra procede de una importante colección privada milanesa.

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El sacrificio de Ifigenia
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El sacrificio de Ifigenia

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El sacrificio de Ifigenia

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana de mediados del siglo XVIII. La pintura propone el mito griego del sacrificio de Ifigenia, la hija del rey Agamenón, líder de la expedición aquea que debía partir hacia Troya. Como la flota griega no podía hacerse a la mar debido a los vientos desfavorables, el adivino Calcante predijo que, debido a una ofensa que el rey había infligido a la diosa Artemisa, ahora se oponía a su partida hasta que el rey no sacrificara a su pequeña hija. en el altar Ifigenia aceptó valientemente el sacrificio y subió espontáneamente al altar, pero en el último momento Artemisa, compadecida, la cambió por un cervatillo y se llevó viva a la niña en Tauris, donde se convirtió en sacerdotisa de la diosa que la había salvado. La gran escena, ambientada fuera del campamento griego junto al mar (los barcos anclados al fondo a la izquierda, las tiendas a la derecha), ve en el centro a la diosa Artemisa que cambia a la joven y hermosa Ifigenia por el cervatillo, mientras el el cura Calcante ya tiene en la mano el cuchillo del sacrificio; a la derecha la desesperación del rey Agamenón y su esposa Clitemnestra. La pintura es estilísticamente cercana a la producción de Fedele Fischetti (1732-1792), el artista napolitano que se dedicó principalmente a las escenas alegóricas/mitológicas, en particular en sus primeras obras de la década de 1860. La obra que aquí se presenta fue subastada en Sotheby's en abril de 1998. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo.

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Capriccio Arquitectónico con Figuras
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Capriccio Arquitectónico con Figuras

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Capriccio Arquitectónico con Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. De gran impacto y de buena calidad ejecutiva, la obra remite en cierto modo a la obra de Leonardo Coccorante (1680-1750), artista napolitano conocido por sus detallados paisajes de gran escala caracterizados por ruinas arquitectónicas clásicas, confirmando así la hipótesis de trabajo en la zona napolitana. Todo el escenario está ocupado por imponentes estructuras arquitectónicas, de estilo barroco, entre las que se mueven diversas figuras. En particular, en el centro, en primer plano, se destacan unos soldados a caballo con armadura de la antigua Roma, al frente de un pelotón de infantería, armados con lanzas, y precedidos por trompetas; todos están atentos a admirar la ciudad en la que entran, mientras a su alrededor, los ciudadanos atentos a sus actividades los observan. Restaurada y rebasada, la pintura aún presenta algunas pérdidas de color. Se presenta en un elegante marco.

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Mentor Silvani
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ARAROT0147772
Mentor Silvani

Paisaje nevado con figuras 1872

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Paisaje nevado con figuras 1872

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y ubicado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escénico, que encaja bien en el tradicionalismo escenográfico de la pintura de Mentore Silvani, artista nativo de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada por el blanco de una corta nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y secos, un camino de terracería serpentea atravesado por un viajero; a la derecha un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Estímulo de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad donde sus obras se encuentran hoy (en el Municipio de Parma, la Galería Nacional, la escuela secundaria artística Paolo Toschi) ; sin embargo, también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani ocupó este cargo en Parma pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña de Parma, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. El trabajo propuesto aquí se presenta en un marco contemporáneo.

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Busto en mármol Luigi Crippa
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Busto en mármol Luigi Crippa

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Busto en mármol Luigi Crippa

Escultura de mármol que representa a un caballero. Detrás, firma grabada del autor y fecha de producción.

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Busto de mármol Costantino Pandiani
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Busto de mármol Costantino Pandiani

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Busto de mármol Costantino Pandiani

Escultura de mármol que representa a un caballero. Firma del autor y fecha de producción grabada al dorso.

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Tema histórico
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ARAROT0132005
Tema histórico

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Tema histórico

Pintura al óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena narra un episodio histórico no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven en armas, acompañado de su madre, que apoya su súplica. El escenario es el interior de la sala de recepción del alto prelado, presumiblemente en el palacio del obispo, que desde la logia del fondo se asoma a la Catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado de sus subordinados y guardias, mientras asisten diferentes personas del pueblo. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera contando. La atmósfera se juega con los contrastes entre luces y sombras, entre los colores brillantes de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y difusos de las figuras circundantes, que literalmente tienden a desaparecer en las sombras en los límites de la escena. La obra forma parte de esa gran producción decimonónica que se nutre del tema histórico o literario, replanteándolo en clave romántica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco importante de la segunda mitad del siglo XIX, con algunas carencias.

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Busto de Niño en Mármol
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Busto de Niño en Mármol

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Busto de Niño en Mármol

Escultura de mármol blanco de estilo renacentista que representa el busto de un niño. El traje con sus pliegues y mangas finamente talladas con bordados resaltan la buena capacidad escultórica del artista anónimo.

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Joseph Zais
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Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

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Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura está acompañada por la experiencia de dos historiadores del arte, el dr. Dario Succi y la Dra. Federica Spadotto. Ambos confirman la atribución del cuadro a Giuseppe Zais, "el maestro de Belluno reconocido unánimemente como uno de los más originales y genuinos intérpretes del gran paisaje veneciano del siglo XVII". En el paisaje, bajo las ramas de un árbol que enmarca la izquierda y con el fondo de montañas azules, una pastora y su pequeño hijo destacan en primer plano, haciendo que sus animales (ovejas y vacas) rieguen del río. El Zais, tras una formación inicial en su país natal en la escuela de su compatriota Marco Ricci, que se trasladó a Venecia en 1732, pronto pasó a formar parte de las filas de los arquitectos paisajistas de lagunas, apreciados y contratados para grandes obras decorativas en los palacios de la ciudad. En la década de 1970 el Zais abandonó esta producción y optó por dedicarse solo a obras pequeñas, que reflejaban una adhesión al mundo de los humildes y una dimensión contemplativa del pasado, raramente sujetos presentes en las pinturas de importantes clientes. El trabajo que aquí se presenta se puede considerar un ejemplo de esta última fase creativa, de acuerdo con los historiadores del arte en los años 70 del siglo XVIII: el Zais propone un paisaje faldas en lugar estéril, donde la pastora seguido por su pequeño hijo jugar el su asignación, sin cualquier concesión a una belleza ideal, sino más bien con un recordatorio de una vida real precisa, dura, sencilla, hecha de esfuerzo y cariño al mismo tiempo. Incluso los colores del lienzo realzan la empatía del artista por el mundo que representa: los cálidos tonos dorados del paisaje, iluminados por el azul de los picos distantes que reverberan el del cielo, envuelven las figuras humanas y animales en primer plano, que surgen gracias a las pinceladas de materiales y colores más brillantes, pero no brillantes, especialmente en la lana de los animales y con ropa de mujer. También son peculiares de los Zais los rostros, redondos y llenos, con rasgos que se repiten siempre idénticos en las figuras campesinas de sus obras, asociadas a cuerpos torneados, vestidos con ropas que parecen papel maché. La obra muestra signos de restauración, aunque todavía en el primer lienzo. En la parte posterior hay una inscripción en alemán con el nombre del propietario anterior y la fecha "Navidad de 1977". Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con pequeñas grietas y carencias.

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Busto de mármol
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Busto de mármol

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Busto de mármol

Escultura de mármol que representa el busto de un hombre. Firma del autor "F. Parisi" grabada en la base.

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