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Pintura antigua

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120 € 18000 € Aplicar

dimensioni opera


18 cm 226 cm

17 cm 245 cm

1 cm 9 cm

33 cm 52 cm
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Pintura antigua

Paisajes, bodegones, retratos, figuras, temas religiosos, vistas de artistas italianos e internacionales: en esta sección todas las obras de Pintura disponible en nuestro catálogo.

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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Caín y Abel
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Caín y Abel

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Caín y Abel

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del centro de Italia. De gran impacto escénico, la pintura narra el episodio del Libro del Génesis que tiene como protagonistas a los dos hermanos Caín y Abel, primeros hijos de Adán y Eva y por tanto primogénitos de lomos humanos. Caín, un agricultor, porque Dios había rechazado los frutos de su cosecha a favor de los corderos sacrificados por el pastor Abel, mata a su hermano. Los dos se convierten así, respectivamente, en Caín el primer hombre en nacer, Abel en el primero en morir y en el primer mártir de la historia sagrada. También se les considera como el arquetipo del fratricidio: es sobre todo en esta capacidad que su historia ha sido ampliamente contada tanto en la literatura como en el arte pictórico. En el cuadro que aquí se propone, que representa el momento culminante y trágico de la matanza, las dos figuras llenan la escena, como dos figuras contrastantes: Caín de pie, moreno de piel y cabello, la mirada sombría, animada por un intenso entusiasmo al levantar la cabeza. club listo para atacar; Abel en el suelo, tratando en vano de protegerse, pálido en su tez ya mortal, con los ojos muy abiertos en una expresión de terror. La particular efectividad de los rostros, especialmente la de Abel en el hábil escorzo, remite a las obras de Giuseppe Diamantini (1621-1705). Entre los dos cuerpos brilla la luz de la hoguera, que hace referencia a la pira de sacrificio más retrasada a la izquierda, de la que arde un fuego intenso, símbolo de la presencia divina de la que el acto de Caín no puede escapar. El renderizado de las cortinas que siguen los movimientos de los cuerpos también es eficaz. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco decorado con estilo.

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Ferdinando Porta
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Ferdinando Porta

Descanse en la Huida a Egipto

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Ferdinando Porta

Descanse en la Huida a Egipto

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso esta atribución a Ferdinando Porta. La escena propone el momento del resto de la Sagrada Familia, durante la huida a Egipto: a la izquierda, sentada en el suelo descansa María, empeñada en leer, y Jesús ya un niño, pero todavía infantilmente abandonado en el regazo de su madre; a la derecha, parado aunque apoyado contra una roca detrás, Joseph contempla a su familia. Por encima, por encima de la nube que envuelve el árbol cargado de frutos que ha dado paz a la familia, una multitud de ángeles, también se presenta no sólo en la forma de los niños, sino también como hombres jóvenes, como para acompañar el crecimiento de Jesús. Composición de la escena, así como las modalidades de representación de las figuras y los colores están en consonancia con las modalidades pictóricas de Ferdinando Porta. El pintor milanés, hijo de Andrea Porta, artista de impronta emiliana, se estableció en la escena del arte lombardo después de formarse en Bolonia, donde fue alumno de Carlo Cignani. Desafortunadamente, su producción conocida hoy solo comienza a partir de la cuarta década del siglo XVIII, porque sus obras documentadas anteriores, para las iglesias milanesas y para el Palazzo Casati Dugnani, se han perdido. Por otro lado, se conocen los siguientes trabajos, de los cuales algunos importantes encargos que le hicieron afirmar definitivamente; entre 1741 y 1753 trabajó en la Basílica de San Ambrosio de Milán, en el Duomo de Monza y en la Catedral de Vigevano, creando obras que ayudaron a definir el carácter y alcance de la modalidad pictórica de la Porta: sólidamente ligada a la tradición lombarda figurativa, después de que la influencia Emilian inicial, introdujo en sus modalidades de pintura que están parcialmente afectadas, tanto en la plasticidad vigoroso de las figuras, y en la caracterización naturalista de los temas alegóricos o sagrados, de la pintura veneciana, en particular de Tiepolo , con el que había trabajado. En la observación de una de sus obras posteriores, pero considerado como uno de sus mejores momentos, el retablo del Bautismo de Cristo hecha por Porta entre 1753 y 1754 para la catedral de Vigevano, encontramos métodos compositivos y cromáticos muy próximos a los de la nuestra Resto En la huida a Egipto: las figuras, plásticamente bien definidas pero sombreadas en los contornos, con contrastes cromáticos en los que predominan los tonos marrones y fríos como en el grupo compuesto por María y Jesús, mientras que destaca el mayor brillo aunque aislado del manto de José ; por encima de la composición de los ángeles, compleja en el entrelazamiento de los cuerpos, pero no definida pero casi borrosa, así como el paisaje, desnudo y desprovisto de elementos connotativos. Estos son todos los elementos que resaltan claramente los lazos de Porta con la tradición del siglo XVII Lombard, que todavía le valió un amplio consenso y la fortuna con clientes tanto públicos como privados en Milán y las ciudades vecinas, en un momento en el neoclasicismo. La pintura, en el primer lienzo pero retensada, muestra signos de restauración. Se propone en un marco elegante.

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Francesco Mantovano
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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

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Francesco Mantovano

Guirnalda de flores con anuncio a los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. De refinada calidad y en excelente estado, el cuadro representa una guirnalda de flores multicolores que enmarca la escena evangélica de la Anunciación a los pastores. El trabajo va acompañado de la experiencia del dr. Gianluca Bocchi, quien lo atribuye a la producción de Francesco Caldei, conocido como el Mantovano de su ciudad natal. Mantovano se formó artísticamente en Roma, donde permaneció entre 1613 y 1625, adquiriendo una formación floreciente. De hecho, su producción consiste principalmente en jarrones con flores. Tras trasladarse a Venecia, donde permaneció hasta su muerte, Il Mantovano importó a la ciudad los cánones pictóricos romanos que había adquirido, en particular el fracaso de las representaciones botánicas, pero también la tipología de la guirnalda, que los artistas romanos habían extraído. la tradición flamenca. La producción de guirnaldas incluyó la inclusión de escenas de figuras, con un tema mitológico o sagrado, a menudo realizadas en colaboración con pintores de figuras, a las que ni siquiera los mantosos desdeñaron recurrir. La escena del Anuncio a los pastores en este cuadro remite con bastante fidelidad a la obra homónima de Jacopo da Bassano (1515-1592), cuya bucólica producción tuvo tanto éxito que fue replanteada en numerosas copias por los hijos del mismo artista. y en numerosos grabados que circulan por toda Europa, lo que permitió a varios otros artistas se inspiran en ellos, como probablemente el Mantovano hizo. Por tanto, se puede concluir que la obra que aquí se presenta es una pintura de Francesco Mantovano realizada en Venecia hacia 1640-1650. La pintura se revistió en la antigüedad. Se presenta en un marco del siglo XVIII que ha sido adaptado y rehecho. En el reverso hay etiquetas que documentan el paso de la obra en el mercado francés del siglo XIX.

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Giovanni Baglione, atribuido a
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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

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Giovanni Baglione, atribuido a

Herodías recibe la cabeza del Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Inspirada en los relatos evangélicos de la vida de Juan el Bautista, la escena muestra a la reina Herodías recibiendo la cabeza del predicador en un plato, que su hija Salomé le había pedido a Herodes a cambio de su danza. Herodías está representada aquí en toda su realeza, con la corona y el cetro, vestida con ropas y joyas, pero con una expresión distante e indiferente, casi aburrida, incluso frente al espectáculo macabro, mientras realiza el gesto de apartar con desdén. de sí misma el trofeo que un sirviente le está entregando en bandeja. La obra, ya subastado en Dorotheum en 2008, se publicó y bien descrito en el texto "estudios de historia del arte en honor de Fabricio Lemme", publicado en 2017, en el capítulo de Michele Nicolaci (historiador del arte experto en la pintura del siglo XVII) , que lo presenta como un cuadro inédito de Giovanni Baglione. Fue un artista y escritor romano, conocido sobre todo por haber escrito "La vida de pintores, escultores y arquitectos desde el pontificado de Gregorio XIII de 1572 hasta la época del Papa Urbano Octavo" en 1642, la primera colección publicada de biografías de artistas. en la Roma del siglo XVII. También es de considerable importancia su escrito "Las nueve iglesias de Roma", publicado en 1639. Su actividad pictórica se desarrolló entre Roma y Nápoles; inicialmente de estilo manierista tardío, cuando conoció a Caravaggio, se adaptó a su estilo casi llegando a la imitación, tanto que despertó la indignación y el escarnio de Merisi, así como la escasa consideración de sus colegas romanos; aislado e insultado, Baglione volvió a su estilo personal, pero sin embargo pudo lograr un buen éxito en la alta sociedad romana, gracias también a su capacidad para ganarse el favor de los poderosos y reinventarse a sí mismo como un hombre de letras en la corte de Barberini. . Su punto de inflexión estilístico con la vuelta a un enfoque manierista tuvo lugar hacia 1630 y se definió en una producción caracterizada por el forzamiento compositivo y los personajes casi caricaturizados. Esta Herodías también se puede situar en este período: aunque en la forma redundante y excesiva, casi irónica de retratar al personaje, esta obra no carece de elegancia, en la pose teatral de la mujer, pero también del sirviente, en el hábil juego. de contrastes. cromática (en el vestido de la reina, sino también en las diferencias entre los encarnados), en la sobreabundancia de la ropa y joyas. El lienzo ha sido restaurado y revestido. Se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX. Publicación adjunta al cuadro.

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