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Pintura antigua

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24 cm 253 cm

28 cm 393 cm

1 cm 550 cm
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Pintura antigua

Paisajes, naturalezas muertas, retratos, rostros, temas sagrados, atisbos y miradas de artistas italianos e internacionales: en esta sección todas las obras de Pintura Antigua disponibles en nuestro catálogo.

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Sic Tránsito Gloria Mundi
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ARARPI0126906

Sic Tránsito Gloria Mundi

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Sic Tránsito Gloria Mundi

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena se sitúa frente a un arco abierto en una estructura de piedra, que da acceso a estancias deshabitadas y desnudas. Dos figuras, una mujer y un angelote, están deleitando con diferentes instrumentos: interpreta a una mandolina y, esparcidos en el suelo, hay una paleta de colores, libros, joyas, armaduras y armas, otros instrumentos musicales, y un globo sobre. que se pone el putto, produciendo pompas de jabón; en el suelo en el centro, un cartucho menciona el dicho "Sic transit gloria mundi". Esta es una famosa frase latina, que en italiano significa "Así pasa la gloria del mundo", que se utiliza para enfatizar el valor efímero de las cosas de la vida, simbolizada por varios objetos (artes, la literatura, la riqueza ...), destinados a desaparecer como pompas de jabón. Toda la escena tiene, por tanto, un fuerte significado alegórico/simbólico: incluso la puesta de sol, que se vislumbra a la izquierda, expresa el mismo concepto, todo en el mundo está destinado a terminar. El tema de la fugacidad de la vida, siempre presente en el arte, tuvo su máximo desarrollo en el siglo XVII, muy relacionado con la sensación de precariedad que azotó al continente europeo tras la Guerra de los Treinta Años y la propagación de epidemias de peste. Con escenas alegóricas como esta, más que con las Vanitas o Memento mori, o escenas o bodegones con elementos simbólicos alusivos al tema de la fugacidad de la vida (la calavera, la vela que se consume, un reloj, una flor rota), queríamos precisamente para enfatizar la condición efímera de la existencia, del hombre y de los bienes terrenos. En el reverso de la obra hay una cartela que dice una probable atribución a Simon Vouet. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco antiguo readaptado.

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jacques callot
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ARARPI0135524

jacques callot

Par de aguafuertes

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jacques callot

Par de aguafuertes

Grabados. Están extraídos de "Paisajes grabados para Giovanni De Medici, o Paisajes italianos", obra creada por el grabador francés durante su larga estancia en Florencia, bajo la protección de Cristina de Lorena. En la parte inferior, los dos grabados llevan las palabras "Callot in. F. Israel ex cum privil. Regis", para subrayar la colaboración del autor con Israel Henriet (1590-1661), grabador local de Callot. La impresión se presenta en un elegante marco.

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Moisés hace brotar agua de la roca
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ARARPI0132736

Moisés hace brotar agua de la roca

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Moisés hace brotar agua de la roca

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII-XVIII. La gran escena muestra un episodio bíblico tomado del libro del Éxodo: mientras Moisés dirige al pueblo de Israel, liberado de la esclavitud de Egipto, en el desierto hacia la Tierra Prometida, su pueblo se queja de sed; luego se dirige a Dios pidiendo consejo, y recibe la orden de ir a una montaña y golpear una roca con su vara, de la cual brota milagrosamente toda el agua necesaria. En la escena ya se ha producido el milagro: Moisés está a la izquierda, con la vara en la mano, y seguido por su fiel hermano Aarón, mientras todo el campo lo ocupan varias mujeres que corren con cántaros para sacar el agua milagrosa que fluye. a sus pies. La pintura, en el primer lienzo, se presenta en un marco adaptado de finales del siglo XIX.

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Retrato de una mujer con un collar de perlas
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ARARPI0132217

Retrato de una mujer con un collar de perlas

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Retrato de una mujer con un collar de perlas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. El simpático retrato de una mujer joven con un elegante vestido de noche adornado con una ronda de perlas alrededor del cuello, recuerda las formas pictóricas de Peter Lely (1618 -1680), el pintor holandés que se dedicó principalmente al retrato, convirtiéndose en la corte de Londres y en todo el reino de Inglaterra el sucesor, en el papel de retratista, de Antoon van Dyck. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

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Retrato de una mujer con partituras
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Retrato de una mujer con partituras

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Retrato de una mujer con partituras

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del Norte de Europa. Una joven quiere recordar su pasión, o quizás su compromiso, con el mundo de la música, haciéndose retratar con una partitura en la mano. Restaurado y reasentado, el cuadro se presenta en un marco de estilo dorado.

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Vista de los Foros Imperiales de Roma
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ARARPI0132735

Vista de los Foros Imperiales de Roma

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Vista de los Foros Imperiales de Roma

Pintura al óleo sobre lienzo. La vista amplia de los foros imperiales de Roma es parte de la vasta producción del paisaje del período Grand Tour, destinada a aristócratas europeos ricos que viajan a Europa - y en particular en Italia, donde Roma se consideró una necesidad - que querían un recuerdo de la lugares visitados. Los Foros Imperiales Romanos son un conjunto arquitectónico formado por una serie de edificios monumentales y plazas, centro de la actividad política de la antigua Roma, construidos en un período de unos 150 años, entre el 46 a. y 113 d.C. A pesar de las ampliaciones, los incendios, las restauraciones y las reconstrucciones, durante la Antigüedad los Foros Imperiales mantuvieron intacta tanto su conformación arquitectónica como su función. Su destrucción casi definitiva se produjo durante el Renacimiento a manos del Papa Julio II (1503-1513), quien utilizó toda la zona como cantera de materiales para reutilizar en la edificación y renovación artística de la ciudad por él iniciada. De poco sirvieron las protestas de destacados artistas como Rafael y Miguel Ángel. En los siglos siguientes se llevaron a cabo varias campañas de excavación, con mayor vigor a partir del siglo XIX, pero el área fue excavada por completo a principios del siglo XX y la arquitectura antigua fue borrada casi por completo para dar cabida a la construcción de via dei Fori. Imperiali, que conecta la plaza Venecia, el Coliseo. El Foro fue redescubierto a partir del siglo XVI también gracias a los paisajistas romanos que en aquella época adoraban pintar las ruinas que aparecían en la zona de pastos. La vista que aquí se propone presenta los Foros Imperiales antes de las excavaciones iniciadas en el siglo XIX, cuando aún no se había construido el camino que aún los atraviesa: aún están rodeados de verde campiña y las colinas romanas destacan al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reformado del siglo XIX.

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escena báquica
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ARARPI0132215

escena báquica

ARARPI0132215

escena báquica

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del Norte de Europa. La pintura en tonos suaves y propone al espectador, personificada en la figura del hombre en la parte inferior derecha que observa escalar una rama de un árbol, una escena de entretenimiento orgiástica entre hombres y mujeres en un paisaje que evoca Edén con animales libres y en paz ( el pavo real, los conejos..). Entre los demás, a la izquierda un niño juega con pompas de jabón: es evidente la intención de contrastar la fugacidad de la vida con los placeres de los sentidos; en lo alto de las nubes, una deidad observa la escena, Chronos, el dios del tiempo, que con su guadaña subraya la mortalidad humana. Una etiqueta en el marco atribuye la obra al flamenco Philippe-Augustin Immenraet (1627-1679), por la proximidad del paisaje objeto de su estilo. La obra, restaurada y rebasada, presenta una gota de color central. Se presenta en un elegante marco.

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San Juan Bautista
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ARARPI0132211

San Juan Bautista

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San Juan Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Juan Bautista estaba representado, envuelto en la tradicional piel de animal, sentado sobre una roca contemplando el crucifijo; abajo a la derecha, una fuente de agua, símbolo bautismal, brota de la roca. Aparecen entonces sus signos iconográficos tradicionales, testigos de sus peculiaridades misioneras, aunque la pose del santo es atípica, más contemplativa que la de un predicador. Las modalidades pictóricas son cercanas a la escuela española de derivación a Murillo, el mayor artista español del barroco religioso, que impregnaba sus figuras de una intensa interpretación psicológica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco coetáneo antiguo, con pequeñas carencias.

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Tema histórico
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ARARPI0133337

Tema histórico

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Tema histórico

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana. La escena, ambientada en un territorio desértico cerca de montañas cubiertas de nieve, ve una caravana ambulante, con una importante figura femenina en el centro en el lomo de un camello, dirigiéndose a un sirviente abajo; Se infiere la clase social alta de mujeres, dominante sobre todas las demás, y se hipotetiza la representación de la Reina de Saba, la riquísima reina bíblica que viene de Oriente para encontrarse con el Rey Salomón. Los métodos pictóricos recuerdan la producción de Francesco Fontebasso (1707-1769) uno de los principales exponentes de la pintura veneciana del período rococó. Probablemente la pequeña obra fue un boceto de un lienzo o fresco más grande. En la parte posterior hay una etiqueta de la colección histórica Simonetti en Roma. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Jacob recibe la túnica ensangrentada de José
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Jacob recibe la túnica ensangrentada de José

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Jacob recibe la túnica ensangrentada de José

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

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Adoración del Niño Jesús
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ARARPI0132216

Adoración del Niño Jesús

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Adoración del Niño Jesús

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

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Frederik De Wit
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ARARPI0133926

Frederik De Wit

Mapa del Ducado de Toscana hacia 1680

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Frederik De Wit

Mapa del Ducado de Toscana hacia 1680

Aguafuerte sobre papel, realizada por el cartógrafo holandés Frederik De Wit. el título en latín "Status Ecclesiasticus et Magnus Ducatus Thoscanae" se muestra en el cartucho en la parte superior derecha, con la fecha. Es el mapa geográfico del territorio del centro de Italia a finales del siglo XVII, correspondiente al Estado Pontificio y al Gran Ducado de Toscana. Presentado en el marco.

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Tobiolo le devuelve la vista al padre Tobias
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ARARPI0132229

Tobiolo le devuelve la vista al padre Tobias

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Tobiolo le devuelve la vista al padre Tobias

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. Se representa un episodio bíblico extraído del libro de Tobías del Antiguo Testamento, en el que se narra cómo Tobiolo, al regresar de un largo viaje iniciático, en el que lo acompañaban el ángel Rafael y el perro, devolvió la vista a su padre ciego. En la escena destacan en el centro las figuras de los dos protagonistas, el padre anciano, sentado en un banco y vigilado por su fiel esposa, y el joven Tobiolo de rodillas; detrás de ellos el ángel los domina, con sus grandes alas protectoras abiertas sobre los dos hombres y que envuelve a Tobiolo en un abrazo, signo de participación divina y protección para el hombre que realiza el milagro. La escena se construye en torno a la dinámica gestual de curación - Tobías tocando los ojos ciegos de su padre ungiéndolos con la hiel del pescado que pescó durante el viaje y que sostiene en la otra mano - que se interpreta según la tradición como una especie de unción que produce salvación. Destaca en esta obra la vivacidad cromática y el movimiento de los cuerpos, entrelazados, superpuestos, interactuando para dar dinamismo pero al mismo tiempo casi para crear un unicum, encerrados en una forma casi circular, bien delimitada por las alas del ángel. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo readaptado.

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escena interior
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ARARPI0131971

escena interior

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escena interior

Aceite en la mesa. Escuela flamenca. Firma sin cifrar en la parte inferior derecha. Ambientada en la habitación de una casa rural, la escena representa un momento de la vida cotidiana de una familia campesina: el padre mira la olla sobre la chimenea, la madre cose, la niña juega en el suelo con el perro; En la habitación contigua, una mujer joven entra por la trampilla que conduce al sótano, con una jarra en la mano. Destaca la marcada perspectiva de la sala, jugada a través de las vigas y tablones de madera del techo; Los detalles de los muebles sencillos están bien definidos. El lienzo muestra huellas de restauración. Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

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Retrato de una mujer joven 1666
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Retrato de una mujer joven 1666

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Retrato de una mujer joven 1666

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Se retrata a una joven sonriente con un elegante vestido negro, adornado con encaje en el escote y un juego de cordones y lazos rojos y verdes en las mangas, a juego con la enagua roja bordada; lleva sus joyas al cuello, muñecas, orejas, en el peinado de su cabello, donde la austeridad de las perlas se aligera con cintas de colores; sostiene un ramo de flores en la mano, lo que enfatiza su gracia y gracia. Restaurada y revestida, en el segundo lienzo está escrito, probablemente una copia del original en el primer lienzo, que indica quién es la joven: "Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII ", seguido de un escudo de armas con las iniciales C FAS Este escrito, además de definir el nombre y la edad, destaca la pertenencia de la joven al Colegio de las Vírgenes de Jesús en Castiglione delle Stiviere, fundado en 1608 por la marquesa Guidonia Gonzaga junto con las dos hermanas Cinzia y Olimpia, todas sobrinas de San Luis Gonzaga. Este colegio tenía el propósito de impartir una educación a jóvenes nobles o jóvenes de buenas familias, quienes, con la dote donada al colegio, contribuían al sustento del mismo. El retrato tiene pequeños defectos. Se presenta en un marco antiguo, no coetáneo, con pequeñas deficiencias.

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Bodegón con flores, frutas y jilgueros
ARARPI0132207

Bodegón con flores, frutas y jilgueros

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Bodegón con flores, frutas y jilgueros

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Composición rica con cuenco lleno de flores jaspeadas, frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero que recoge los granos del racimo de uvas colocado sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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Retrato de Giulia Barcaioli
ARARPI0132231

Retrato de Giulia Barcaioli

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Retrato de Giulia Barcaioli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela de italiano del siglo XVII. La dama, vestida de negro, posa junto a una pequeña columna en la que se coloca un medallón con un escudo de armas y en el que está grabada la edad de la mujer, de 60 años. En el reverso del segundo lienzo, en proceso de restauración, se ha estampado el nombre de la mujer. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo y no coetáneo.

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Naturaleza muerta con frutas, flores y aves
ARARPI0132206

Naturaleza muerta con frutas, flores y aves

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Naturaleza muerta con frutas, flores y aves

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Rica composición con cuenco lleno de flores abigarradas, un frutero con melocotones, una gran canasta llena de higos y un jilguero recogiendo granos del racimo de uvas colocadas juntas sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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El almuerzo de Fraticelli
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El almuerzo de Fraticelli

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El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

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Retrato del Beato Giovanni Giovenale Ancina
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Retrato del Beato Giovanni Giovenale Ancina

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Retrato del Beato Giovanni Giovenale Ancina

Pintura al óleo sobre lienzo. Principios del siglo XVIII. El retrato del caballero, vestido con sotana, está inscrito en un marco pintado con adornos de hojas, que en la parte inferior también envuelve una inscripción en latín que identifica al personaje. Nacido en 1504, Giovanni Giovenale Ancina, médico en su juventud, fue uno de los primeros seguidores de San Filippo Neri: para el Oratorio, principal obra apostólica de la Congregación, trabajó con inteligencia y dedicación, poniendo también sus dotes literarias a su alcance. servicio y como artista, así como un estudioso de las ciencias teológicas y un predicador admirado. En 1596 fue nombrado obispo de Saluzzo, donde permaneció hasta su muerte en 1604. En 1890 fue declarado beato por el Papa León XIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

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