Murano 1940

Cuenco de cristal iridiscente modelado con grandes nervaduras. Fabricación Barovier.

Juego de té en porcelana blanca con decoración. Las pinturas de plomo para Giò Ponti, director y diseñador de la Richard-Ginori en aquellos años. Debajo de la base de la marca de la fábrica. Juego de té compuesto de una olla de té, un azucarero, una jarra de leche, doce platos y las once tazas.

bodegón con flores frutas un loro y juego

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición es rica en numerosos elementos diferentes: en el centro destaca una gran composición floral, de múltiples variedades en vivos colores; a la izquierda de las flores, descansando sobre un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrastan con los apagados de los pájaros que yacen en el suelo, junto a unas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte dr. Gianluca Bocchi (cuya experiencia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como a mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el homónimo boloñés. A Crespi de Como le encantaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra de Po, en compañía de pequeños animales, cerámica o cestas de mimbre, floreros, todo en el contexto de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de gran tamaño, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al Commendatore Arturo Stucchi, empresario de Como).

Elegante y austera mesa rectangular en madera maciza de cerezo. Diseñado por Frank Lloyd Wright en 1925, producido por Cassina desde 1989.

Segunda mitad del siglo XIX

urna de porcelana de Sèvres en azul cobalto con decoraciones fitomorfas doradas y medallones policromados, en uno representa un paisaje lacustre, mientras que en el otro una escena bucólica; en este último, firma “Cottiret”. La base polilobulada, las asas con cabezas femeninas y la piña de la tapa son de bronce dorado. Debajo de la tapa está escrito “Offert par le duc de Choiseul à Madam de Compan”; presentar doble marca con el emblema de la manufactura.

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Día de fiesta en el pueblo

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso de la pintura hay algunas etiquetas: una de un mercado inglés (probablemente una subasta de principios del siglo XX) que lleva el título; una segunda de una galería milanesa de via Montenapoleone (años 30) y finalmente una etiqueta de una importante colección privada. La escena propone un momento de celebración en un pueblo nórdico: en el centro de la calle hombres y mujeres bailan y charlan, mientras otros se sientan a las mesas bebiendo y jugando, niños y animales se persiguen; el ambiente es animado y alegre. El estilo pictórico y los métodos de ejecución son compatibles con la producción de David Teniers III (hijo de David Teniers II el Joven), pintor flamenco que incluye en su producción diversas escenas de fiesta y vida pueblerina. Restaurada y revestida a finales del siglo XIX, con marco de la misma época.

Siglo XX / 1901 - 2000

Pareja de candelabros de plata de cinco llamas con brazos de voluta de hojas, cabezas zoomorfas y adornos de motivos vegetales. Marca de plata y platería grabada en la base. Gramos 2830.

Mobiliario caracterizado por un cuerpo macizo y monolítico, inspirado en las decoraciones murales del Renacimiento, los cajones de madera originales, obtenidos de un aparador de los años 60, tienen forma de rombo y están contenidos por un acabado metálico rosa satinado. A los lados hay dos hornacinas cerradas por puertas, una solapa y otra abatible, que toman forma de rombo.

Aparador negro semibrillante caracterizado por formas sencillas y un sutil juego de voladizos y huecos. Las tres cajas de madera, obtenidas a partir de un mueble de los años 60, están ligeramente desplazadas en su posicionamiento y generan un juego de sombras y una superficie de apoyo intermedia. Los lados tienen compartimentos abiertos, cuyos fondos muestran los lados de las cajas de madera originales. Los detalles de latón cepillado de los tiradores, de los anillos circulares en el nicho central y de los pies dan a todo el mueble unos trazos de luz sobrios: un mueble que combina elegancia y funcionalidad.

Mobiliario caracterizado por un juego articulado de cantos, fuertes asimetrías y desalineaciones. El mueble de almacenaje con formas derivadas de la arquitectura moderna. Los tres elementos de madera en teca de los años 60 han sido restaurados y tienen diferentes tipos de aberturas. La presencia del compartimento abierto en el centro del mueble genera una fuerte sombra que dialoga con las de los compartimentos colocados en los lados inclinados.