Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, santa Verónica fue la "mujer piadosa" que, al ver la pasión de Jesús cargando la cruz y su rostro sucio de sudor y sangre, lo limpió con un lienzo, en el que habría quedado la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como Sábana Santa, se ha convertido, por tanto, en el signo iconográfico del santo: también en este cuadro la Verónica aparece en el centro, mientras que dos ángeles a los lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo coronado de espinas. ; debajo, un cáliz que recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta del santo flota el Espíritu Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Dulce representación de la paternidad putativa de San José, quien sostiene delicadamente en brazos a su pequeño hijo quien a su vez le acaricia la barba, mientras se miran tiernamente a los ojos. Curioso es el detalle de la tela blanca con rayas azules que el santo sostiene con una mano y que corresponde al Talled (o Tallit), o mantón judío utilizado por los hombres para las oraciones rituales. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintado bajo vidrio. La obra parece estar compuesta por un grabado aplicado sobre el vidrio y pintado en el reverso. Se representa a San Pedro Apóstol, concentrado en la oración y escuchando la voz divina que proviene del cielo abierto sobre él; Según la iconografía tradicional, Pedro lleva consigo un manojo de llaves, signo de su investidura como primer jefe de la Iglesia, y un gallo, que recuerda en cambio el episodio de la negación de Jesús: Cristo le había predicho que durante su Pasión, Antes de que cantara el gallo, Pedro le habría negado tres veces, y así fue.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, Magdalena aparece representada escasamente vestida, con los largos cabellos sueltos, mientras contempla extasiada el Crucifijo que aquí sostiene entre sus brazos, con actitud amorosa. Frente a ella, apoyados sobre una superficie, tres de sus símbolos iconográficos: el libro de meditación, la calavera, Memento mori por excelencia, y el frasco con el precioso ungüento con el que la mujer, según el relato evangélico, ungió los pies de Jesús, anticipación tanto de la muerte de Jesús como de su papel real. La figura se sitúa sobre un fondo oscuro y sin contornos, del que emerge con el color claro de su tez y el rojo de la tela que rodea sus entrañas. La pintura está en el primer lienzo; tiene un pequeño parche. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Vástago de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tommaso (nacido hacia 1226) fue a estudiar a Nápoles, en 1243 ingresó en la orden de los predicadores dominicos en contra de los deseos de sus parientes, pero durante el viaje a la El norteño fue arrestado por sus hermanos y estuvo preso durante aproximadamente un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado por ambos lados por cuatro figuras ricamente ataviadas, precisamente sus familiares, entre ellos probablemente su madre, que lo sostienen amablemente, casi abrazándolo, mientras con gestos de las manos y las miradas afligidas y amorosas tratan de convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están ubicadas en una prisión, como lo indican las rejas en la ventana de la derecha, para subrayar la acción coercitiva realizada. Ricos y detallados son los detalles de la vestimenta de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Tommaso, movimientos plásticos propiamente del gusto barroco. Ya restaurada y rebasada, la pintura se encuentra en buen estado, con evidentes cuarteaduras. Se presenta en marco antiguo re-lacado y re-dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. El Santo está representado en el interior de su estudio, concentrado en leer y estudiar los textos sagrados, pero con ropaje penitencial, es decir, vestido únicamente con un paño rojo que envuelve su cuerpo desnudo. El cuadro, rebasado, presenta una importante grieta; Está colocado en un marco de madera dorada contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII-XVIII. La gran escena está repleta de figuras con antiguos trajes orientales, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos a lo lejos. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: viste una pobre túnica hecha de pieles de animales, pero envuelve un manto rojo, símbolo del martirio; con una mano sostiene el palo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el rollo con la inscripción "Ecce Agnus Dei", símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima del sacrificio y por tanto símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano Juan señala a alguien a su derecha fuera del marco de la escena, pero que obviamente es Cristo: este gesto cataliza las miradas de toda la multitud situada a la derecha de la escena, una multitud variada que representa géneros, clases sociales y razas diferentes, lo que indica la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y revestida, presenta una pátina generalizada que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. El Santo, en primer plano, está representado de rodillas, adorando el Crucifijo que sostiene con una mano, mientras que con la otra apunta hacia la calavera, el tradicional "Memento mori". La figura está situada en el interior de una cueva, desde cuya apertura se vislumbra un paisaje árido y árido; la luz entra por un agujero en la roca y se irradia linealmente sobre la Cruz hasta llegar al rostro del Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro lleva en la parte superior el nombre del artista (Giovani Piana) y la fecha de creación 1616. Representa a San Simón con un libro y una sierra en la mano, su atributo iconográfico que indicaría el martirio sufrido. Restaurada y rebasada, la pintura muestra huellas de la restauración a lo largo de los márgenes.

Pintura al óleo sobre lienzo. La identificación de la santa viene dada por la presencia de la gran rueda de madera, símbolo del instrumento de su martirio. Por lo general, la santa se representa con una corona en la cabeza y vestida con ropas reales para subrayar sus orígenes principescos. En cambio aquí tenemos una representación atípica de ella, con el pelo suelto, cubierta sólo por un gran manto rojo (el color de la sangre, por tanto de la humanidad mortal) que cae de sus hombros y la obliga a cubrirse los pechos con las manos; su mirada se dirige hacia arriba, donde los cielos se abren y desciende un ángel que sostiene con una mano la palma del martirio y con la otra coloca sobre su cabeza una corona de flores, símbolo de su matrimonio místico con Cristo. Se trata, pues, de una representación que la ve en el momento del paso a la vida eterna, similar a una Magdalena penitente en adoración mística, que se ofrece a Cristo sin ningún reconocimiento humano. Destacan en el cuadro las elecciones cromáticas, que sobre un fondo oscuro y lúgubre resaltan el rojo del cielo abierto y del manto, y la blancura de la carne, tanto de la mujer como del ángel. El lienzo, ya restaurado y reforrado, se presenta en un marco trabajado de finales del siglo XIX, con algunos defectos.