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Edgard Farasyn
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Edgard Farasyn

Escena de trabajo en la playa

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Edgard Farasyn

Escena de trabajo en la playa

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. La imponente escena describe el emprendimiento de llevar a tierra un bote con un remolque tirado por caballos: las seis poderosas bestias son las protagonistas, ubicadas en pares en diferentes pisos, mientras unos pescadores arreglan las cuerdas de remolque; mar, cielo y playa se colocan en tres líneas paralelas, que también se desvanecen cromáticamente entre sí; perpendicular a estas líneas, el asta de la bandera del barco, que crea la unión entre los tres elementos. Edgar Pierre Jozef Farasyn (su nombre también aparece como "Edgard Farasyn" y "Edgard Farasijn"). Artista belga formado en Amberes donde luego trabajó, fue pintor, acuarelista, grabador, diseñador gráfico. I Inicialmente pintó escenas para niños, pero a partir de 1885 pasó a pintar al aire libre, pintando muchas escenas de la ciudad y en el antiguo mercado de pescado de Amberes, pero también muchos paisajes rurales y vistas de los pueblos. Atraído por el mar, permanecía allí con regularidad, creando muchas escenas realistas de la vida de los pescadores y sus familias. Sus primeras obras se caracterizaron por un estilo realista, con colores más bien grises y oscuros, y con una atmósfera rigurosa. Más tarde pasó a un uso más brillante del color y una representación sutil de la luz. La obra aquí presentada por sus considerables dimensiones (inusual para el artista), sugiere una obra para un cliente importante. Se presenta en un rico marco dorado de principios del siglo XX.

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El orador
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El orador

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El orador

Acuarela sobre papel. Firmado abajo a la derecha "Marqués de Salis". La simpática escena representada se desarrolla dentro de una escuela de religiosos, como lo indica el abcedario en el suelo de abajo; los personajes son filmados en el momento de la oración: están todos arrodillados, la superiora frente al altar con el Crucifijo dirige la oración, mientras todos los niños la siguen, más o menos serenos y atentos, supervisados por otra monja. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

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Louis Dorigny atribuible a
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Louis Dorigny atribuible a

Erminia entre los pastores

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Louis Dorigny atribuible a

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Par de pinturas sobre cuero
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Par de pinturas sobre cuero

Escena galante y escena pastoral

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Par de pinturas sobre cuero

Escena galante y escena pastoral

Par de pinturas sobre cuero, que representan una escena galante y una escena pastoral. En marcos con estilo.

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La escuela de costura
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La escuela de costura

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La escuela de costura

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana. Los grandes deriva Pintura de la mezcla de una obra de Guido Reni (1575-1642), "Virgen María en la escuela de costura", hoy perdida, pero conocido por copias del taller y grabados, y otra versión, dejaron sin terminar. Reni por sí mismo y luego completado por Gianandrea Sirani (1610-1670), que ahora se conserva en el Museo del Hermitage en San Petersburgo: el historiador de arte Massimo Pulini bien ha escrito sobre esta segunda versión, y el trabajo de acabado por Sirani, en el artículo "Gianandrea Sirani pintor de recitativos y consumador de la inacabada Reniani " La obra que aquí se presenta hace referencia a la versión de Sirani en la composición ocupando todo el escenario de figuras femeninas que participan en la escuela, a lo que se suma el perrito en la parte inferior (sin embargo, movido de izquierda a derecha), mientras que la versión de Reni se refiere esencialmente a la presencia sobre el derecho de la niña acompañada por su madre. Además, en esta obra aparece un elemento absolutamente novedoso, que convierte a este lienzo en una versión adicional: la presencia del paisaje abriéndose al fondo en el centro, enmarcado entre las dos pesadas cortinas. La obra ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco del siglo XVIII, restaurado y adaptado.

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Grupo de cuatro Paneles Pintados al Óleo sobre Madera
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Grupo de cuatro Paneles Pintados al Óleo sobre Madera

Escenas pastorales

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Grupo de cuatro Paneles Pintados al Óleo sobre Madera

Escenas pastorales

Aceite en la mesa. Decorado con escenas pastorales sobre un fondo monocromático verde claro, con parejas, niños, campesinos individuales tomadas en momentos de descanso y conversación, a la manera de modelos del siglo XVIII. Probablemente paneles de madera de puertas de muebles, las pinturas se han montado más recientemente en marcos de madera. Tienen diferentes gotas de color y manchas, especialmente en correspondencia con el fondo.

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Mauricio Denis
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Mauricio Denis

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

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Mauricio Denis

Sur le Canapé d'Argent pâle 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

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Pedro Bonnard
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Pedro Bonnard

La Femme au Chien 1924

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Pedro Bonnard

La Femme au Chien 1924

Aguatinta color. Firmado abajo a la izquierda ya la derecha a lápiz; número de serie 160/200 abajo a la izquierda. Pierre Bonnard, pintor, grabador y fotógrafo francés, comenzó a pintar mientras estudiaba derecho en París, pero pronto abandonó el arte forense para dedicarse únicamente a la pintura. En 1888, en la Julian Academy de París, Pierre Bonnard fundó con Paul Sérusier, Maurice Denis y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. En 1891 Pierre Bonnard crea su primera etiqueta para una empresa de vinos, unas litografías para "La Revue Blanche" (donde se reunían los Nabis) y también diseña proyectos de mobiliario y decoración para biombos que involucran a Toulouse-Lautrec con la calidad decorativa de sus cuadros y su personal uso del color. En 1892 expuso algunos de sus paneles decorativos en el Salon des Indépendants, comenzando a interesar a los críticos de arte. Poco a poco el pintor abandonó los grises tonos académicos y vivió con entusiasmo el encuentro del arte con el mundo de las cosas comunes y coloridas. Sus obras, pronto reconocibles por los colores iridiscentes, las líneas brillantes y la perspectiva abierta, fueron muy apreciadas. En 1896 realizó su primera exposición individual y su fama se extendió a Europa con exposiciones en Suecia y Noruega. Pasado por la influencia de la corriente del Art Nouveau, Bonnard se interesó por los grabados japoneses, muy de moda en el mundo artístico parisino a finales del siglo XIX, hasta el punto de llevar algunos rasgos en sus pinturas: Bonnard será apodado el " Nabi japonés". Con su amigo Edouard Vuillard, también desarrolló un nuevo interés por las escenas de interiores domésticos íntimos, un género que se conocería como "Intimismo" y que proponía el mundo parisino en los años previos a la Primera Guerra Mundial. En 1910 Pierre Bonnard descubre el sur de Francia y comienza así a pintar paisajes luminosos. En los últimos veinte años de su carrera artística continuó pintando, abarcando todos los temas y en todas las técnicas afines a él, creando pinturas decorativas pero también numerosos bocetos y dibujos, obras litográficas en color o en blanco y negro, carteles, ilustraciones para libros y revistas que han influido en el arte moderno. El aguatinta que se presenta aquí es parte de una gran producción de la década de 1920 de este tema, la "mujer con perro", propuesto en muchas variaciones. Se presenta en un marco.

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Aguafuerte de Filippo Ricci
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Aguafuerte de Filippo Ricci

Capriccio con figuras 1780

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Aguafuerte de Filippo Ricci

Capriccio con figuras 1780

Grabando. Abajo a la derecha el nombre del grabador y la fecha de creación. Como se indica en la parte inferior izquierda, el "Capriccio con pórtico y pulcinelli" conservado en la Accademia Carrara de Bérgamo está inspirado en Francesco Guardi: el grabador, fiel a la pintura en el diseño arquitectónico, en cambio, ha modificado completamente las figuras, reemplazando la pulcinella. con gente de la calle. Bien conservada, la estampa se presenta enmarcada.

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El Trágico Regreso
ARTOTT0000724
El Trágico Regreso

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El Trágico Regreso

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

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Gian Rodolfo D'Accardi
ARARCO0160463
Gian Rodolfo D'Accardi

Caballeros en el bosque 1969

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Gian Rodolfo D'Accardi

Caballeros en el bosque 1969

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado en la parte inferior central. Al dorso, firma autenticada adicional y fecha. Originario de Palermo, pero de formación milanés, Gian Rodolfo D'Accardi debutó en la década de 1930, logrando un éxito generalizado en toda Italia. Su producción va del paisaje al retrato, de la naturaleza muerta a las máscaras: de vago molde posimpresionista, su arte se expresa con colores vivos y armoniosos y con formas imaginativas, impregnadas de intensidad poética. Entre sus temas se encuentra la vasta y variada serie de caballos y jinetes en el bosque, a la que también pertenece la obra que aquí se presenta. En el marco de.

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Guillermo Walcot
ARARNO0160983
Guillermo Walcot

Pequeño vistazo con figuras

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Guillermo Walcot

Pequeño vistazo con figuras

Acuarela sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha. El artista ruso-escocés William Walcot, arquitecto, diseñador gráfico y grabador, pintó numerosos atisbos de las ciudades europeas o sudafricanas donde vivió, en un estilo que lo convirtió en el principal exponente del Art Nouveau ruso. En el pequeño cuadro que aquí se propone podemos ver unas figuras probablemente de vendedores ambulantes, reunidas bajo un paraguas, cerca de una vía urbana atravesada por una calesa. En un marco elegante.

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La vida en los campos
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La vida en los campos

Arte etíope, hacia 1935

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La vida en los campos

Arte etíope, hacia 1935

El lienzo representa la vida cotidiana y su fluir a través del trabajo en el campo, elemento central de supervivencia. En la fila superior vemos el primer arado, seguido, tras la llegada de las lluvias, una segunda preparación del suelo. En la segunda fila, vemos las semillas extraídas de los graneros; se transportan en sacos y se siembran, con posterior cubrición con azada; la fila se cierra con el brote de plántulas. En la tercera fila, el agricultor vigila y protege a los sembrados de los animales salvajes; sigue la escena de la siega y la trilla, que termina con el guardado del fruto del trabajo en el granero. En la cuarta fila, una mujer prepara la harina y cuece una focaccia; luego le lava los pies a su marido y él responde ofreciéndole el primer bocado; la escena termina con toda la familia en la cama. Forma parte de un grupo de siete obras, que llegaron a Italia a finales de los años treinta; fueron adquiridos directamente en el lugar, como hemos reconstruido a partir de la correspondencia y las fotos familiares, por el abogado xxx, abuelo de los propietarios, quien fue enviado como representante legal de una productora italiana en 1935 en Etiopía, y de allí fue expulsado en 1938 por el general Graziani porque se consideró antifascista. Los lienzos quedaron en la colección familiar, en el palacio de la familia, y ahora se vuelven a proponer en todo su poder expresivo. Etiopía tiene una historia muy particular: ubicada entre África y Asia, y entre el Mediterráneo y el Océano Índico, fue cruce de caminos y punto de encuentro de diferentes culturas, estimulado también por los constantes e intensos flujos comerciales. Cinco siglos antes de Cristo se estableció la dinastía Aksum; bajo este reinado, en el siglo IV después de Cristo, el cristianismo se estableció como religión estatal, en su versión copta ortodoxa. Los textos sagrados medievales también hablan, sin embargo, de una relación directa con una de las diez tribus judías, que se refugió en Etiopía, de donde se derivó el linaje real a través de la reina de Saba. Y de hecho en Etiopía aún vive el linaje Falascià, judíos negros cuyos primeros registros históricos se remontan al 600 d.C. Etiopía era, por tanto, un baluarte judeo-cristiano, con influencias africanas, pero que debía considerarse casi el extremo sur de la cultura mediterránea.

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Escena de género con niña y gallinas.
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Escena de género con niña y gallinas.

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Escena de género con niña y gallinas.

Pintura al óleo sobre lienzo. La bonita escena se desarrolla fuera de la puerta de un jardín (¿un parque?) Rodeado por un alto muro que se derrumba: una niña juega en el suelo, rodeada de gallinas que rascan. En el reverso hay una etiqueta con una antigua atribución a Achille Formis Befani (1830-1906), artista napolitano que luego trabajó en Milán, conforme a la escuela lombarda; se ocupó tanto de la pintura de paisajes como de figuras. La pintura se presenta en un marco dorado coetáneo.

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Eduardo Scognamiglio
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Eduardo Scognamiglio

Vistazo de la bahía de Nápoles

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Eduardo Scognamiglio

Vistazo de la bahía de Nápoles

Aceite en tableta. Firmado abajo a la derecha. En la parte posterior, sello del taller de arte de estudio del artista en Nápoles. La vista de la bahía de Nápoles ofrece una vista de un lugar de desembarco para barcos de pesca, a lo largo de una playa poblada por numerosas figuras; El Vesubio se eleva al fondo, cuyo perfil se desvanece en el cielo nublado y gris, que bloquea la luz del sol del día, más bien iluminado por el animado bullicio de la gente en el paseo marítimo. Se sabe muy poco del artista napolitano Eduardo Scognamiglio: en su producción hay numerosos destellos y vistas, especialmente napolitanas, pero también escenas de género popular y retratos de personajes populares. Su producción también fue ampliamente seguida en el extranjero, donde fue conocida, apreciada y ampliamente solicitada, lo que le valió el nombre en inglés de Edwardo. La pintura se presenta en un marco estilizado.

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Eliano Fantuzzi
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Eliano Fantuzzi

Figura en rojo

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Eliano Fantuzzi

Figura en rojo

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Firma adicional en la espalda. Eliano Fantuzzi, nacido en Módena pero criado y formado artísticamente en Verona, se trasladó a París cuando aún era muy joven, fascinado por las corrientes de la Ilustración primero y luego por las corrientes expresionistas, y en esta ciudad comenzó a exponer y construir su carrera. Después de unos años en el ejército francés, regresó a Italia en 1943, pero en 1948 fue llamado por el Emir Ibim Saud para decorar el palacio saudí de Taif, donde permaneció hasta 1952, pintando frescos en la sala de recepción. Después de regresar a Italia para siempre, expuso en exposiciones y bienales. Influenciado por el contacto con el expresionismo en sus años parisinos, Fantuzzi puso un marcado énfasis en sus obras en la expresión de las emociones, de los estados de ánimo. Sus figuras son, por tanto, sumarias, nunca del todo definidas, más bien deformadas en formas alargadas, los rostros anónimos y colocados en escenarios solitarios y melancólicos; Por otro lado, el color domina en sus lienzos en sus gamas más marcadas, generalmente los fríos tonos de azules, verdes y morados, que crean contrastes a veces violentos. Los temas principales de Fantuzzi son la soledad de la metrópoli y la dificultad de comunicarse en las relaciones interpersonales. La pintura se presenta en un marco.

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Pareja enamorada
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Pareja enamorada

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Pareja enamorada

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela de Europa del Este. Firmado Szego G. abajo. Se trata de dos obras que se propondrán alineadas porque representan a un niño y una niña tumbados en el mismo césped en posición de espejo, como si estuvieran frente a frente, probablemente en un juego de amor: visten ropas de gitanos y llevan consigo instrumentos musicales - ella una pandereta y él un violín- que remiten a dos personajes de etnia eslava, del mundo gitano. El conjunto es vivo y sereno. Las dos obras se presentan en marcos estilizados.

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Tulio Silvestri
ARARNO0159686
Tulio Silvestri

Mujeres en oración

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Tulio Silvestri

Mujeres en oración

Grabado, monotipo. Abajo a lápiz, a la derecha la firma, a la izquierda el título. El artista veneciano Tullio Silvestri expresó constantemente en su producción los módulos de la pintura lagunar de finales del siglo XIX, con sus implicaciones simbolistas, caracterizadas por un signo suelto y rápido, en "acción directa". Creó muchos monotipos, de los cuales fue un hábil intérprete. Le encantaba representar momentos de la vida del país, hechos y personajes populares; pintó procesiones, vislumbres, figuras de taberna, músicos callejeros, retrató a planchadoras, campesinas, encajeras, jugadoras de cartas y, como en el monotipo aquí propuesto, mujeres en oración. La obra se presenta en un marco.

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Domenico Gargiulo atribuido a
ARARPI0129544
Domenico Gargiulo atribuido a

Paisaje con Arquitectura y Figuras

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Domenico Gargiulo atribuido a

Paisaje con Arquitectura y Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje está dominado por una imponente estructura arquitectónica con columnas que miran al mar, que ocupa toda la parte central del lienzo, mientras que a la derecha se perfila una fortaleza. La escena es animada luego por numerosas figuras de plebeyos dedicados a las actividades cotidianas: en primer plano a la izquierda, en el muelle, un grupo de hombres espera la carga de numerosos cajones y baúles. El monograma D.G. Esta abreviatura, junto con la modalidad estilística barroca, hace referencia a la atribución a Domenico Gargiulo, nombre artístico del pintor napolitano Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Activo principalmente en Nápoles, especialmente en las dos décadas comprendidas entre mediados del siglo XVII, el Gargiulo se consagró principalmente como paisajista y sobre todo por haber documentado los tumultuosos acontecimientos de Nápoles en el siglo XVII (erupciones, epidemias, la revuelta de Masaniello ). La progresiva especialización en la representación de paisajes o escenas de la ciudad, llena de figuritas presentados con breves descripciones minuto y con la atención a la realidad social popular, hecho que a su comisión era principalmente de naturaleza privada, que recibe encargos de numerosos notables napolitanos, regidores, caballeros y hallazgo sus obras en todas las colecciones napolitanas más importantes de la época. Entre sus principales clientes se encontraba también el gran coleccionista flamenco Gaspare Roomer, a quien el Gargiulo debía su fortuna. Gargiulo a menudo insertaba sus abreviaturas en sus obras, pero rara vez las fechaba; sólo fue posible establecer la datación de su producción gracias a la realización de una serie de obras para los monjes de la Certosa di S. Martino, que tuvo lugar entre 1638 y 1646, entre las pocas obras religiosas que realizó pero las únicas en ser documentado con cierta exactitud. El gran lienzo propuesto aquí se presenta en un marco elegante.

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roberta musi
ARARCO0146402
roberta musi

La caída de San Pablo 2003

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roberta musi

La caída de San Pablo 2003

Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. Al reverso: firma adicional del artista con los datos técnicos de la obra, certificado de autenticidad de la obra firmado por el artista, dedicatoria autógrafa a un cura amigo y descripción autógrafa de los datos de la obra. También se adjunta un folleto de la exposición personal del pintor, con varios "Homenajes" a pintores de la antigüedad, entre ellos esta obra. El motivo recurrente de estas obras es el caballo, que en la producción de la artista parmesana Roberta Musi es un tema recurrente de forma dulcemente obsesiva, lo que la ha llevado a desandar hacia atrás la iconografía histórico-artística vinculada a este animal: ha tomado retoman las obras de Vitale da Bologna y Paolo Uccello, Cosmé Tura y Delacroix, o del Parmigianino aquí propuesto, reinterpretándolas con amplios márgenes de libertad e introduciendo en ellas profundas bocanadas de vitalidad. En particular, esta obra rinde homenaje al cuadro homónimo de Parmigianino, realizado en 1527 y conservado en el Kunsthistorisches Museum de Viena. La obra se presenta en un marco.

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