Pintura al óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado hace referencia a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por haber orado a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando un ángel para cerrar las fauces de las bestias, y el rey perdonó a Daniel condenando a los que lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia pero también por su sabor exótico debido a la presencia de bestias salvajes; en particular recordamos la versión de Rubens de 1615, donde el profeta es representado desnudo en el pozo subterráneo, mientras ora ardientemente, rodeado de una multitud de feroces leones. La obra que aquí se presenta propone en cambio una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, quienes se enfrentan, destacándose con los vivos colores de sus túnicas sobre el fondo oscuro de una prisión; hay un solo león, mansamente agachado a los pies del ángel, y por eso prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en la pintura de Caravaggio y el arte barroco, que tuvo la oportunidad de contemplar el cuadro años atrás, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por la composición y elecciones cromáticas. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta con marco de listelo.

Cara de un joven plebeyo

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El artista Giovanni Madonini fue un retratista pero sobre todo de personajes populares, a menudo representados concentrados en pequeñas actividades y con colores vivos. Obra presentada en marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. El rostro de la Virgen recuerda a modo de representación las pinturas de Giovanni Battista Salvi conocido como Sassoferrato (1609 -1685), cuyo estilo fue ampliamente utilizado en los siglos XVIII y XIX. En el reverso del cuadro hay un cartucho con el número de inventario (n. 193) y el nombre del coleccionista Giuseppe Bertarelli (1804-1875), comerciante y filántropo milanés, conocido bancos por las donaciones de importantes obras de arte a la Galería de Arte Ambrosiana. La pintura está en el primer lienzo; necesita restauración debido a pequeñas gotas de color y dos pequeños agujeros. Se presenta en un marco contemporáneo.

Lápiz, carboncillo y albayalde sobre papel. Firmado (¿Amalia Bianchi?) Y fechado en la parte inferior derecha. El uso de diferentes pigmentos pictóricos es muy efectivo, creando un juego de luz y oscuridad y subrayando bien los elementos de la figura. El retrato se presenta en un marco de madera del siglo XIX, adornado con inserciones de cuero en forma de hojas y flores, con algunas pequeñas caídas y deficiencias.

Rostro femenino 2001

Pintura al óleo sobre lienzo. Fechado y firmado al dorso. Nacido en Seregno, Danilo Martinis se formó con Osvaldo Minotti. Pintor y diseñador, ha amueblado prestigiosas residencias en todo el mundo, sus obras son especialmente apreciadas en los Emiratos Árabes Unidos y en Rusia. Le encanta expresar sus pensamientos a través de imágenes gráfico-figurativas plasmadas mediante efectos geométricos y juegos cromáticos, utilizando principalmente figuras femeninas como intérpretes. En esta obra propone un primer plano de un rostro femenino, potenciando su expresividad a través del juego de colores en las gamas del amarillo.

Óleo sobre papel aplicado a lienzo. Las cuatro obras proponen temas pastoriles, animados por pastores con sus rebaños y sus perros fieles, a veces descansando al borde del camino, en dos escenas flanqueadas también por vendedores de frutas. Las obras se inspiran (así como en la cita al dorso de una de ellas) en la producción de Francesco Londonio, el artista milanés del siglo XVIII que se dio a conocer por sus escenas rurales y pastoriles, en un repertorio de sabrosas instantáneas de la vida campesina. Las cuatro pinturas se presentan en marcos dorados contemporáneos, con pequeños defectos.

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran escorzo del paisaje ofrece una vista de un lago encerrado por picos de montañas, que evocan el lago de Como; en primer plano, en la ladera desde la que se abre la vista, un rincón del jardín con flores enterradas y plantas en maceta, para crear un rincón de color en contraste con las gamas dominantes de azules y verdes. La pintura tiene un pequeño parche en la parte posterior. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la bata confeccionada en un elegante tejido floral, en tonos rojo ladrillo que recuerdan el color de la peluca. La severidad de la pose y la mirada austera del personaje casi contrastan con la elegancia casi frívola de su vestimenta. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. En un paisaje costero de tipo mediterráneo, debido a la vegetación caracterizada por la palmera y el agave en primer plano a la derecha, se encuentra a la derecha una estructura arquitectónica de piedra en la que se reconoce el Castillo de Terracina, mientras que en el a la izquierda se abre el lago del Circeo y a lo lejos se alzan cumbres áridas; en primer plano a la izquierda hay una figura masculina que intenta saciar su sed con la piel de cuero; con la otra mano se apoya en el fusil largo, mientras se coloca en el suelo un característico tocado, que recuerda al que llevaban los bandoleros del siglo XIX. La escena está ambientada al atardecer, como evoca el cielo absolutamente anaranjado, lo que le otorga una atmósfera romántica y sugerente. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El paisaje reproduce un campo cercano a la costa del mar; a la izquierda las casas, en el centro algunas estatuillas humanas, a la derecha dos cabras pastando: la atmósfera romántica, sostenida por el amplio cielo con nubes blanco rosáceas, es típica de una "postal" del Grand Tour. presentado en marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. De un autor anónimo, probablemente inglés (en el reverso del lienzo hay un sello de origen londinense del propio lienzo), el cuadro grande ofrece dos figuras, un hombre y una niña, alejándose del fondo de la ciudad con sus minaretes y domos; la niña sostiene una larga rama de palma en un hombro, mientras que con el otro hombro y mano sostiene al hombre, guiándolo por el camino. En la pintura destacan los colores, contrastando los colores oscuros en la ropa y la piel de las figuras, con los colores claros de la ciudad y el cielo claro y brillante. La pintura se presenta en un marco coetáneo decorado con conchas doradas.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales de 1600 y principios de 1700. La composición propone un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, por la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores de colores, que se extienden desde las ramas retorcidas de arriba, mientras un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procedía de una solución nacida en el ambiente flamenco y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurada y rebasada, la pintura tiene ligeras gotas de color. Se presenta en un marco antiguo.

El ratón

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia del célebre cuadro de Giacomo Favretto, presentado en la Exposición de Brera de 1878 y actualmente conservado en la Pinacoteca de la misma Academia milanesa. El veneciano Giacomo Favretto se consagró como el mejor narrador de la cotidianidad popular de la laguna, e Il sorcio es probablemente su obra más conocida y ejemplo típico de su arte. Le encantaba representar escenas de la vida cotidiana en un barrio popular de Venecia, barrios populares que Giacomo Favretto conocía muy bien ya que él también provenía de una familia de clase baja. En este cuadro, un niño persigue a un ratón mientras tres niñas, probablemente las hermanas, se han subido literalmente a las sillas y siguen la cacería a una distancia prudencial, dando indicaciones a su hermano menor: un sutil gusto por la ironía se mezcla con la vivacidad capacidad descriptiva y narrativa del pintor, que describe la escena con gran realismo y con una luminosidad típicamente lagunera, que bebe de la gran tradición veneciana. La copia que aquí se presenta reproduce fielmente la divertida escena, incluso en tamaño, aunque sin la calidad pictórica y luminística de Favretto. La obra se presenta en un marco de época.

Atribuido a Francesco Botti

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro ha sido atribuido a Francesco Botti, pintor florentino de finales del siglo XVII-principios del XVIII, por las afinidades estilísticas y la tipología del tema, cercano a algunas de las composiciones más conocidas de santos, heroínas o personificaciones alegóricas creadas por el maestro. La joven santa representada es reconocible por su atributo tradicional, la cesta llena de flores y frutos: Virgen y mártir, las antiguas escrituras refieren que nació en Cesarea de Capadocia hacia el año 290 después de Cristo y gozó de gran fama entre sus gentes, a las que consideraba ella "rebosante de pureza y de caridad". Debido a que se negó a abjurar sacrificando a los dioses paganos, Dorothea fue sentenciada a muerte. Mientras la conducían a la horca, se la escuchó invocar a Cristo su Esposo por Teófilo, un abogado pagano, quien se burló de ella: "Esposa de Cristo, mándame algunas manzanas y rosas del jardín de tu marido": Dorotea aceptó la propuesta de Teófilo. y cuando, poco antes de la decapitación, se le acercó un niño que llevaba tres rosas y tres manzanas, ella lo invitó a que se las llevara al abogado pagano que poco antes se había burlado de ella y que, ante el milagro de la fe, se convirtió. El cuadro presenta a la joven mártir en toda su belleza, tanto exterior como espiritual, subrayada por la luminosidad que resalta su rostro, perdido en actitud contemplativa. Los colores son delicados pero vivos, donde los rosas de la carne recuerdan a los de algunas flores en la cesta, así como el manto rojo que cubre un hombro, símbolo del martirio, hace referencia a la única flor roja. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Se retrata a una joven sonriente con un elegante vestido negro, adornado con encaje en el escote y un juego de cordones y lazos rojos y verdes en las mangas, a juego con la enagua roja bordada; lleva sus joyas al cuello, muñecas, orejas, en el peinado de su cabello, donde la austeridad de las perlas se aligera con cintas de colores; sostiene un ramo de flores en la mano, lo que enfatiza su gracia y gracia. Restaurada y revestida, en el segundo lienzo está escrito, probablemente una copia del original en el primer lienzo, que indica quién es la joven: "Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII ", seguido de un escudo de armas con las iniciales C FAS Este escrito, además de definir el nombre y la edad, destaca la pertenencia de la joven al Colegio de las Vírgenes de Jesús en Castiglione delle Stiviere, fundado en 1608 por la marquesa Guidonia Gonzaga junto con las dos hermanas Cinzia y Olimpia, todas sobrinas de San Luis Gonzaga. Este colegio tenía el propósito de impartir una educación a jóvenes nobles o jóvenes de buenas familias, quienes, con la dote donada al colegio, contribuían al sustento del mismo. El retrato tiene pequeños defectos. Se presenta en un marco antiguo, no coetáneo, con pequeñas deficiencias.