Le Retour Tragique Huile sur Toile Fin'800

La confrontation

Peinture à l'huile sur toile. Ecole française du XIXème siècle. Dans la scène savoureuse, un épisode satirique lié à la Révolution française est présenté : sur un carrosse qui porte sur la portière les trois fleurs de lys de France avec les initiales LR, en référence à la dynastie royale (Louis roi ?), certains semblent vouloir partir précipitamment, tandis qu';un aubergiste tenant l'addition tente de se faire payer, pourtant retenu par un gardien. En haut à gauche, l'enseigne de la taverne indique ";L'agneau a moderé", ou "L'agneau s'est modéré", expression ironique signifiant que jusqu';alors il était toléré (le régime) grâce au sacrifice de quelqu'un, mais le le moment du jugement est maintenant venu. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Marie allaitant son petit fils, sous le regard amoureux de Sainte Anne : c'est le thème d'une nature sacrée mais proposé dans une tonalité très humaine, qui souligne la douceur de la relation mère-enfant et de la famille. Giuseppe Ghiringhelli était principalement paysagiste et portraitiste, mais dans sa production il y a aussi diverses représentations de la Maternité sacrée qui, comme celle-ci proposée ici, sont imprégnées d'intimité et de douceur et caractérisées par d'intenses effets luministiques : dans cette œuvre en particulier il est suggestif l'effet de la lumière qui rayonne de la petite tête de l'enfant placée au centre, sur les visages penchés sur lui des deux femmes, puis se répercute sur les vêtements et en arrière-plan, où l'on entrevoit les ombres créées . L'oeuvre est présentée dans un cadre de la première moitié des années 1900.

Huile sur toile. Ecole lombarde. Issu d'une importante famille milanaise, c'est le portrait d'un monsieur qui exhibe une chaîne avec un blason à la main. La peinture a quelques gouttes de couleur. Il est dans un cadre doré contemporain.

Le Voilier Astrea 1904

Gouache sur papier. Signé et daté 1904 en bas à droite. Sur la gauche le nom du navire. Antonio De Simone fait partie de la catégorie des maîtres marinistes, une catégorie qui est née depuis le XVIe siècle et a eu une grande ferveur dans les états de grandes traditions maritimes, de la Hollande à l'Angleterre, de la France à l'Espagne, en Italie et presque partout dans le reste de le continent européen, prenant comme sujet tout ce qui était lié à la vie maritime. La plus grande popularité de ce genre d'art a été atteinte au XIXe siècle et s'est poursuivie jusqu'aux années 1940, à la dernière période de la voile et de l'avènement des bateaux à vapeur. En Italie, les artistes des écoles de peinture et de la mer de Campanie et de la Ligurie ont produit de nombreux tableaux, dont certains sont des "portraits de navires": ce groupe comprend la production des frères napolitains De Simone, qui se sont spécialisés précisément dans les portraits de navires de luxe importants et célèbres, à la voile ou bateaux à vapeur. La gouache est présentée dans un cadre.

Composé de feuilles gravées sur bois, cousues ensemble et partiellement colorées, avec des chiffres et des textes assortis. Le groupe se compose de 23 fascicules, dont deux en trois exemplaires et un en quatre exemplaires ; un autre couple a la même couverture mais un contenu différent. Les livrets peuvent être considérés comme des « mangas » du XIXe siècle : le mot « manga » peut encore aujourd'hui désigner de nombreuses productions différentes, telles que des dessins animés uniques, des dessins épars, des illustrations plus élaborées, des bandes dessinées, des bandes dessinées, ainsi que des dessins animés. . Ainsi, partant du postulat qu'il n'y a pas de "forme manga" mais différentes manières de concevoir des objets et des formes graphiques tous dénommés par ce mot, le terme manga peut être attesté dans l'usage littéraire et essayiste au Japon dès le XVIIIe siècle pour désigner , comme mentionné ci-dessus, des dessins et des croquis. Mais c'est à partir de la première moitié du XIXe siècle que les 15 volumes d'illustrations, d'études, de divertissements graphiques et d'estampes bichromatiques détaillées de Katsushika Hokusai se sont imposés, grâce à la publication progressive, à partir de 1814. Si, d'autre part, nous voulons donner au mot le sens plus spécifique de "récits dessinés en séquence", alors le début doit être placé dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'instar de ce qui s'est passé en Europe et aux États-Unis. pour les bandes dessinées. Les livrets sont en bon état.

Huile sur toile. Non signé mais agréablement réalisé, le grand portrait présente une petite fille placée en plein air, sur un chemin à flanc de colline près d'un lac, entourée de fleurs printanières ; elle est vêtue de rose, tient une mandarine dans une main et un petit parasol dans l'autre assorti aux chaussettes et aux lys orange qui fleurissent le long du chemin, autour du cou elle porte un collier avec de grosses perles jaunes. Malgré la vivacité des couleurs et du décor, la petite fille est extrêmement sérieuse et posée, presque triste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur table. Ecole italienne de la seconde moitié du XIXe siècle. Le tableau, une guirlande de fleurs multicolores et panachées, reprend efficacement les voies picturales du XVIIe siècle. Le bois a de grandes ouvertures et des coupes aux joints des planches. Le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Vase, fouilles romaines, 1860

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Sur le cadre il y a un cachet d'une importante collection privée. L'œuvre propose une composition d'une amphore et d'une assiette en céramique peinte, entourées à droite de roses. Peintre et décorateur milanais, Luigi Scrosati fréquente d'abord l'Académie de Brera, qu'il abandonne bientôt pour se consacrer à de nombreux voyages à l'étranger, notamment à Paris. Dès le début de son activité, dans les années 1940, il travaille comme peintre de natures mortes fortement influencé par des exemples français, notamment de l'école lyonnaise. Parallèlement à la production de chevalets et d'aquarelles, dominée par la spécialisation de la nature morte de fleurs, Scrosati était très actif en tant que décorateur d'intérieur, souvent engagé dans un travail d'équipe aux côtés d'architectes et de maîtres d'œuvre, mais toujours avec une autonomie considérable et un style caractéristique , essentiellement éclectique et visant à une réinterprétation des styles du passé. Les débuts dans ce domaine, vers la fin de 1842, consistent en un cycle de fresques dans la résidence de San Fiorano (LO) appartenant à Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, pour lequel Scrosati a décoré une salle gothique, un salon rococo et une petite entrée compartiment. Ses fresques se retrouvent dans de nombreuses villas de Milan et des environs, des œuvres dans lesquelles Scrosati se réfère aux styles du passé, re-proposant des suggestions du XVIIIe siècle, mais aussi du baroque. Les décorations du cabinet de Dante d'abord, puis d'autres pièces du Palazzo Poldi Pezzoli de Milan (qui abrite aujourd'hui le musée du même nom) étaient plutôt de goût néo-médiéval, réalisées avec l'équipe Bertini dont faisait partie Scorsati. La maladie qui frappa Scrosati aux membres inférieurs en 1857, le rendant malade, l'empêcha probablement de poursuivre son activité de décorateur, l'obligeant à se rabattre sur la peinture florale de chevalet, ce qui l'amena à réaliser des natures mortes de fleurs, mais aussi des portraits. ou des faux bas-reliefs avec des guirlandes de fleurs ou encore des intérieurs et des scènes de genre, dans lesquels il a été influencé par la production allemande et viennoise de type Biedermeier et celle française de l'école lyonnaise. En 1862, Scrosati est chargé de diriger un nouveau cours Ornato à l'Académie de Brera, avec une référence particulière à la peinture de fleurs et aux relations avec l'industrie, un cours mis en place par l'institution Braidense pour développer l'école déjà florissante de peinture ornementale. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le paysage romantique offre une campagne verdoyante près d'une rivière, sous un ciel de plomb plein de nuages gris ; sur le chemin au premier plan quelques chasseurs, à peine débarqués du bateau amarré, suivent leurs chiens vers le maquis des arbres. Le tableau, en bon état, est présenté dans un cadre contemporain, orné de volutes feuillagées aux angles, avec quelques manques et traces de restauration.

Scène galante et scène pastorale

Paire de peintures sur cuir, représentant une scène galante et une scène pastorale. Dans des cadres stylisés.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord du XIXe siècle. Cette vue nocturne évocatrice avec la pleine lune éclairant un cimetière, dominé par le grand crucifix à gauche et avec une chauve-souris planant à droite, s'inscrit bien dans cette méditation profane sur le thème du culte des morts et de l'inhumation qui depuis le milieu -XVIIIe siècle, il a fasciné l'Europe, donnant lieu à l'élaboration d'un concept moderne de cimetière, avec la récupération d'une dignité - ainsi que d'une salubrité - de ce lieu. A cela s'ajoutent les réflexions romanesques sur le rapport homme-nature vu comme une affirmation de l'inéluctable finitude de l'être humain par opposition à l'infini qui l'entoure ; on arrive donc en peinture à représenter des tombes et des cimetières, symboles de finitude et d'éphémère, toujours enveloppés, presque entourés par la nature, signe d'infini, de vie qui continue. Comme dans cette œuvre, où le clair de lune, qui perce les nuages sombres, redonne clarté et donc vie au cimetière. L'oeuvre, rentoilée et restaurée, présente de petites gouttes de couleur. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.