You you Ugo Nespolo Art Contemporain 1967 - Toi toi 1967

Décor peint des portes d'armoires

Huile sur table. Signé sur la première porte en bas à droite. C'est la décoration picturale des huit portes d'une armoire, réalisée sur mesure pour la famille du client, qui composent une grande scène abstraite - presque une scénographie ! - dans des couleurs pastel très délicates, où s'entrevoient des figures déconstruites, rêveuses, flottantes. Giorgio Bellandi, né à Milan en 1931, était un peintre de décors très talentueux. Passionné d'art dès son plus jeune âge, il fréquente l'Académie de Brera et devient une partie active du milieu artistique milanais de ces années. Bellandi a travaillé comme scénographe au Teatro alla Scala de Milan et a fait ses débuts en tant que peintre dans les années 1950 en rejoignant le réalisme existentiel, un mouvement artistique très actif à Milan dans la seconde moitié des années 1950, devenant l'un des représentants de ce courant. Le réalisme existentiel était à l'origine basé sur la recherche de quelque chose de différent, une alternative à la fois à la peinture informelle et aux effets de l'existentialisme, notamment politique, qui s'était installé en raison des dégâts causés par la Seconde Guerre mondiale. Idéologiquement ces artistes avaient en commun le refus des autoritarismes et des conformismes sociaux et politiques, dans un milieu globalement orienté à gauche. Bellandi est un artiste doué de talent et de créativité, amoureux de la liberté d'expression et de la beauté, et interprète des œuvres d'une lecture intéressante avec des tons chromatiques intenses mais harmonieux. Passionné par le lac de Côme, il est souvent venu au Lario en quête de détente et d'inspiration. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et en 1965, il est invité à la IX Quadriennale de Rome. Peintre très actif, il réalise de nombreuses expositions sur le territoire national et international, jusqu'à sa maladie qui lui fut malheureusement fatale, en 1976. Il est possible d'effectuer l'intervention de détachement des portes du meuble de la structure et leur remontage sur un panneau unitaire.

Saint-Georges 1992

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, en cyrillique, il y a le titre, la date et le lieu à Bergame. L'artiste lituanien, qui vit et travaille actuellement entre Moscou, l'Italie et le Royaume-Uni, est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus importants. Dans sa grande production, il y a des paysages, des natures mortes, de nombreux portraits de personnes célèbres et ses compositions surréalistes, expression de sa "vision onirique" particulière de la réalité. Toujours dans ce tableau, bien que dans le style des icônes traditionnelles, la représentation du célèbre Saint-Georges est proposée dans une clé surréaliste qui fait référence à De Chirico, où une oie se substitue au dragon, la tête du saint est un œuf, en décrire là , ils sont les chiffres de magiciennes ..... une interprétation clairement peu orthodoxe! La planche a une fente verticale. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans titre

Technique mixte sur chutes de tissus, avec ajout d'éléments de divers matériaux. La toile carrée dessinée à l'huile présente une figure de femme à cheval ; la queue de cheval, à appliquer par dessus, est en poils synthétiques puis accompagnant le tableau, proposé à côté, une petite toile rectangulaire sur laquelle est inscrit un texte en anglais, comme un extrait de lettre, et un cendrier en céramique en forme de cheval. Jenny Watson est une artiste australienne (née et formée à Melbourne) qui a adopté différentes approches stylistiques de sa peinture, utilisant une gamme de matériaux et de tissus différents, tels que des éléments de velours et des collages, et combinant souvent des images et des mots. Les sujets qu'elle propose ont toujours eu tendance à être autobiographiques : à partir d'inspirations punk et féministes, Jenny Watson recrée un journal intime dans lequel chiffres et mots s'entremêlent pour composer de courts récits quotidiens. Son iconographie personnelle est composée d'autoportraits (la femme rousse n'est autre que l'artiste elle-même), de chevaux, de chats, d'intérieurs domestiques et de lettrages, rendus avec des coups de pinceaux très frais qui laissent beaucoup de place à l'imagination, voire si les chiffres sont rendus. d'une manière très rigide et fixe, comme pour dénoncer l'absence de mouvement social, en particulier envers les femmes. Ses œuvres sont souvent accompagnées de petites toiles colorées qui ramènent des descriptions poétiques de son travail, rendant le processus d'identification du spectateur immédiat. L'œuvre proposée ici a été présentée à une exposition personnelle de Jenny Watson qui s'est tenue en 2018 à Trente, au Raffaelli Art Studio, intitulée "Jenny autour du monde". Il est accompagné de photos montrant comment s'est déroulée sa présentation à cette exposition et le carton d'invitation à l'exposition des acquéreurs de l'œuvre est également joint. Ci-joint également un petit catalogue de l'exposition de l'artiste qui s'est tenue en 1993 à Côme.

Buste de femme

Sculpture en argile. Signé en bas du dos. Otto Gutfreund était un sculpteur tchécoslovaque qui, après avoir étudié l'art à Prague et à Paris, est devenu célèbre dans les années 1910 pour ses sculptures de style cubiste. Après avoir servi activement pendant la Première Guerre mondiale, il est passé à un style plus réaliste, après la phase de «retour à l'ordre» d'après-guerre, qui caractérisait également les arts. Sa production sculpturale, principalement en bronze, utilise cependant également l'argile et la céramique.

Blanchisseuses

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Riche en lumières et en couleurs, le tableau offre un moment impressionniste de la vie quotidienne de deux lavandières, concentrées sur leur travail au bord d'un canal de la ville. L'œuvre fait référence aux influences impressionnistes que Flumiani, artiste de Trieste, a ramenées de son séjour d'étude à Munich et de sa rencontre avec son concitoyen Umberto Veruda (1868-1904) : le coup de pinceau court et rapide mais large semble impressionniste recherche le jeu de la lumière et des couleurs, tandis que la tonalité des couleurs reste dans la région de la Vénétie. La production d'Ugo Flumiani se caractérise précisément par une production paysagère de marine : ses sujets de prédilection sont les vues de la lagune vénitienne, les villages au bord de la mer ou les bateaux qui naviguent placidement, en tout cas toujours des sujets dans lesquels des surfaces aquatiques peuvent apparaître, dans lesquels l'artiste peut font résonner des vibrations chromatiques et lumineuses. Le paysage est toujours le protagoniste des œuvres de Flumiani, même là où des figures humaines sont insérées : même les deux lavandières du tableau présenté ici font partie du paysage, elles sont insérées de manière harmonieuse et continue, sans interruptions ni chromatiques ni lignes. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Don Quichotte de La Mancha 1962

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos il y a une autre signature avec la date et le titre de l'œuvre. Est également présent un cartouche de la Galerie Gussoni à Milan, relatif à une exposition personnelle consacrée à l'auteur, portant en plus des données de l'œuvre, le numéro de catalogue 41 et le nom du propriétaire collectionneur. Artiste milanais issu d'une branche cadette des nobles Gonzaga de Mantoue, Giovan Francesco a participé à la Seconde Guerre mondiale avec la cavalerie savoyarde alors qu'il n'avait encore que vingt ans, participant avec l'escadron « Fantasma » à des actions de patrouille dans la steppe russe. . Les mois passés au contact étroit du cheval pendant la guerre font naître en lui une véritable passion pour le cheval, qui devient le sujet privilégié de nombreuses peintures, sculptures et poèmes. Artiste autodidacte, il déclare "La nature est mon vrai maître", et fidèle à elle, après les chevaux, il se consacre principalement aux paysages et aux natures mortes, toujours représentées "en plein air". Vittorio Sgarbi a écrit à son sujet : "La sagesse de Giovan Francesco Gonzaga réside dans le design, qui est fort et décisif ..... Les images vibrent d'agitation, sous le signe de la lutte de l'homme contre lui-même, dans l'enfer d'une histoire qui semble toujours répéter le même drame.Mais si le dessin préparatoire est admirable, la couleur de cet artiste a une régularité et une sensibilité qui viennent d'une perception musicale de la couleur, où la palette s'exprime dans des touches soudaines, de variations et de rythmes ". Ses œuvres figurent dans divers musées, dont celui de la Cavalerie Pinerolo, le Musée Historique de la Guardia di Finanza à Rome, le Musée de Tel Aviv, le Musée d'Art de Los Angeles, dans des collections publiques et privées en Italie, France, Espagne, Luxembourg , Indonésie, Chine, Japon, Singapour et Amérique. Parmi les différentes figures à cheval représentées par l'artiste, pour dénoter sa passion pour cet animal, il y a notamment ce Don Quichotte de La Mancha, accompagné du fidèle Sancho qui monte son âne : le plan frontal crée un effet d'élan avec le mince mais figure dressée de Don Quichotte qui se détache dans le ciel, dont il porte les mêmes couleurs, tenant la lance également bleue ; les monts et Sancho, en revanche, dans les tons bruns, ramènent à la terre, à la matérialité. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sant'ambrogio

Carton original, à l'huile, pour la préparation du vitrail de l'église de Viggiù (Varese), pour lequel le maître a créé diverses œuvres. Cet ouvrage est accompagné d'un avis d'expert sur les photos, signé par Alessandro Grassi, un maître verrier qui, dans son atelier de vitrail artistique (qui a collaboré avec de nombreux architectes et artistes italiens et étrangers) a ensuite créé les dernières fenêtres en collaboration avec le maître. S. Ambrogio, saint patron de Milan, est représenté en tant qu'archevêque, en train de refuser l'entrée à l'église à l'empereur Théodose Ier, coupable de crimes graves, même s'il se prétend chrétien. dans le cadre.

Portrait de Femme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Portrait d'une jeune femme en robe de soirée noire, égayée par le grand châle fleuri qu'elle porte drapé sur une épaule. Workuvre de l'artiste romagnol Alberto Salietti, qui malgré avoir effectué la quasi-totalité de sa carrière artistique dans les domaines milanais et ligure, Alberto Salietti - peintre, graveur, mosaïste et peintre de fresques - est resté une référence pour les peintres romagnols, notamment entre les deux guerres. Déménagement avec sa famille à Milan, Salietti a assisté à l'Académie de Brera jusqu'en 1914. Après la Biennale de Venise en 1924 , il est devenu une partie du mouvement Novecento dont il est devenu secrétaire en 1925. En 1926 , il expose à la « Première exposition Novecento italienne » et En 1927, il fait partie des fondateurs du « Groupe des sept peintres modernes » avec Funi, Sironi, Tosi, Carrà, Marussig et Bernasconi. Peintre de portraits et de paysages, Salietti - qui a patiemment puisé dans les influences post-impressionnistes, sécessionnistes et du XXe siècle - a apporté une contribution originale à l'art italien de l'entre-deux-guerres, se distinguant par son adhésion joyeuse et optimiste à la réalité. Le tableau est présenté dans un cadre.

Paysage

Huile sur table. Signé et daté en bas à gauche. Au dos ce timbre "Domenico De Bernardi -Besozzo", pour authentification. La peinture de De Bernardi s'inscrit dans la tradition paysagère lombarde du XIXe-XXe siècle. Il a toujours vécu à Besozzo, sa ville natale dans la province de Varèse, mais il a beaucoup voyagé, en Italie et hors d'Italie, recueillant des impressions et cherchant, pour les revivre dans son travail, de nouveaux paysages ; il a notamment puisé de nouvelles suggestions d'un voyage en Libye dans les années trente, dont il est revenu avec une palette plus vivante et méditerranéenne. Le paysage était le genre qu'il préférait, mais il était aussi souvent attiré, avec des résultats tout aussi significatifs, par la « nature morte ». Le petit paysage présenté ici est un aperçu de collines sur lesquelles se détachent des sommets plus élevés en arrière-plan, peut-être précisément les zones préalpines d'origine de l'artiste ; un petit village remplit le centre de la scène, dans lequel se détachent particulièrement les vastes clôtures de culture. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Nu féminin

Sculpture en terre cuite vernissée. La sculpture représente une jeune femme assise, mais sans jambes et bras : on devine la position assise avec appui sur les bras, la tête tournée vers le haut, souriante, se laissant illuminer par la lumière. Ben fait partie de la riche production sculpturale de Virgilio Audagna, qui a donné une large place au nu féminin, proposé dans de multiples poses et expressions. Le sculpteur Virgilio Audagna a réalisé aussi bien de grands monuments que des œuvres de petit format. Actif non seulement en Italie mais aussi à l'étranger, où il séjourna souvent, il eut également l'occasion de réaliser des modèles de médailles, de sujets sacrés et profanes, pour commémorer de nombreux événements. En plus d'être sculpteur, il était dessinateur et peintre.

Tempera sur toile. Milieu '900. Les quatre grands panneaux décoratifs sont formés pour délimiter le trou central pour lustre. Ils sont décorés d’un motif en guirlande foliacée, avec des fruits et des rubans, qui dans les panneaux montés ensemble réalise une couronne; sur chaque panneau apparaît ensuite un putto, destiné à jouer sur la guirlande. Le motif est de goût néoclassique. Le décor global mesure 350 x 240 cm