Sans titre Arman Technique mixte sur Toile 2003

Jeté

Technique mixte sur toile. Armand Fernandez, alias Arman, est né à Nice en 1928. Considère comme un des représentants les plus significatifs et les plus influents du mouvement artistique "Nouveau Réalisme", la déclinaison européenne du New Dada américain. Le Nouveau Réalisme s'est développé dans les années 1960 en France autour de la figure du critique Pierre Restany. C'est un moyen de créer un art anti-conventionnel, qui reprend de nombreux aspects de l'avant-garde du début du siècle, tels que la relégation de la peinture et de la sculpture aux techniques du second ordre. D'autre part, une valeur artistique est donnée aux objets du quotidien appartenant à la sphère du quotidien, présentés dans des œuvres exactement dans leur objectivité, sans l'action décontextualisante qui caractérisait le ready-made de Duchamp. L'après-guerre, caractérisé par des changements radicaux du point de vue social et économique, est représenté de manière provocante et critique par les représentants du Nouveau Réalisme à travers ses produits: objets en surabondance, déchets, déchets inconfortables, etc. Chaque artiste décline cette philosophie de manière personnelle et originale. Arman est connu pour ses accumulations à la limite de l'obsessionnel. Son travail commence dans la rue, où il collecte ce qui est jeté, oublié. Objets inutilisés, ce qui est considéré comme de la ferraille devient le protagoniste de ses "sculptures", amenant le public à réfléchir aux implications de la société de consommation. L'œuvre en question consiste en un violon coupé monté sur une toile sur un tableau avec des traces de couleurs mélangées. Le titre est Jeté, en italien "Gettato", la référence au monde des déchets est directe et immédiate. Il fait partie de la série "Colères" d'opérations de "dissemblage", c'est-à-dire de destruction d'instruments de musique de la tradition bourgeoise: violons, violoncelles, trompettes et pianos démembrés, brûlés ou disséqués. Dans ce cycle de travail, l'impulsion destructive est révélée. Le geste est important, au centre de la philosophie du Nouveau Réalisme. Comme le disait Arman lui-même: "Je crois que dans l'action de destruction, il y a une volonté d'arrêter le temps, de suspendre les événements en les collant, en les liant dans du polyester ..." L'œuvre provient de l'atelier de l'artiste à New York et est authentifiée par courrier électronique de la Fondation A.R.M.A.N. qui montre le numéro d'archive. La Fondation A.R.M.A.N. est actuellement la seule institution ayant le droit de délivrer des certifications pour les œuvres d’Arman. Une photographie de l'œuvre signée par l'artiste indiquant le numéro de l'archive, le titre, les dimensions et la technique est également jointe. Au verso de la photo se trouve le cachet de la galerie d'art Dante Vecchiato qui, au début des années 2000, était le point de référence pour la distribution des œuvres d'Arman en Italie.

Portrait féminin Alberto Salietti Huile sur Toile Italie Années 40-50

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Portrait de jeune femme en robe de soirée noire, égayé par le grand châle à fleurs qu’il porte drapé sur une épaule. Œuvre de l’artiste romagnol Alberto Salietti, qui, tout en ayant accompli la quasi-totalité de sa carrière artistique dans le domaine milanais et ligure, Alberto Salietti - peintre, graveur, mosaïste et fresque - resta un point de référence pour les peintres romagnols, surtout entre les deux guerres. Installé avec sa famille à Milan, Salietti fréquente l’Académie de Brera jusqu’en 1914. Après la Biennale de Venise de 1924, il entre dans le mouvement du Xxe siècle dont il devient le secrétaire en 1925. En 1926, il exposa à la "Première exposition du Xxe siècle italien" et en 1927 il fut parmi les fondateurs du "Groupe des sept peintres modernes avec Funi, Sironi, Tosi, Carrà, Marussig et Bernasconi. En tant que portraitiste et paysagiste, Salietti - qui puise patiemment aux influences post-impressionnistes, sécessionnistes et novecentistes - a donné une contribution originale à l’art italien entre les deux guerres en se distinguant par une adhésion joyeuse et optimiste au réel. La peinture est présentée dans le cadre.

Vitrail d'Aligi Sassu Carton original à l'Huile '900

Sant'ambrogio

Carton original, à l'huile, pour la préparation du vitrail de l'église de Viggiù (Varese), pour lequel le maître a créé diverses œuvres. Cet ouvrage est accompagné d'un avis d'expert sur les photos, signé par Alessandro Grassi, un maître verrier qui, dans son atelier de vitrail artistique (qui a collaboré avec de nombreux architectes et artistes italiens et étrangers) a ensuite créé les dernières fenêtres en collaboration avec le maître. S. Ambrogio, saint patron de Milan, est représenté en tant qu'archevêque, en train de refuser l'entrée à l'église à l'empereur Théodose Ier, coupable de crimes graves, même s'il se prétend chrétien. dans le cadre.

Enrico Scippa

Sans titre

Technique mixte sur papier. Signé en bas à droite. Artiste éclectique, non seulement peintre mais aussi sculpteur et orfèvre, Enrico Scippa est né à Lecce le 6 février 1937. Il a commencé sa carrière artistique alors qu'il était encore étudiant à l'université. Un étudiant de vingt ans quitte la faculté d'économie pour s'inscrire à l'école libre de nu de Rome, ville où il passe une dizaine d'années. En 1966, il s'installe à Bruxelles, puis à La Haye et enfin à Paris. En 1969, il retourne en Italie, où de 1975 à 1977 il enseigne à Florence au Liceo Artistico. Il expose dans de nombreuses expositions personnelles, dans des expositions collectives et des expositions de prix. En 1976, il réalise une série de multiples en bronze et autres matériaux, travaillant simultanément sur la création de bijoux en or et pierres précieuses: autant d'œuvres qui le conduisent à voyager fréquemment en Europe et aux États-Unis. A l'occasion de la visite du Saint-Père à Lecce, il a réalisé, à l'invitation de la Province, une croix en or que le Pontife portait lors des fonctions sacrées. Il collabore depuis quelques années avec de nombreux cabinets d'architecture et de communication. Enrico Scippa a exposé dans des expositions personnelles en Italie et en Europe et, aux États-Unis, à New York. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Enrico Scippa

Sans titre

Technique mixte sur toile. Signé sur le côté gauche. Artiste éclectique, non seulement peintre mais aussi sculpteur et orfèvre, Enrico Scippa est né à Lecce le 6 février 1937. Il a commencé sa carrière artistique alors qu'il était encore étudiant à l'université. Un étudiant de vingt ans quitte la faculté d'économie pour s'inscrire à l'école libre de nu de Rome, ville où il passe une dizaine d'années. En 1966, il s'installe à Bruxelles, puis à La Haye et enfin à Paris. En 1969, il retourne en Italie, où de 1975 à 1977 il enseigne à Florence au Liceo Artistico. Il expose dans de nombreuses expositions personnelles, dans des expositions collectives et des expositions de prix. En 1976, il réalise une série de multiples en bronze et autres matériaux, travaillant simultanément sur la création de bijoux en or et pierres précieuses: autant d'œuvres qui le conduisent à voyager fréquemment en Europe et aux États-Unis. A l'occasion de la visite du Saint-Père à Lecce, il a réalisé, à l'invitation de la Province, une croix en or que le Pontife portait lors des fonctions sacrées. Il collabore depuis quelques années avec de nombreux cabinets d'architecture et de communication. Enrico Scippa a exposé dans des expositions personnelles en Italie et en Europe et, aux États-Unis, à New York. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Histoire du printemps 1961

Sérigraphie par Giuseppe Migneco

Sans titre

Sérigraphie sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve le numéro de série 114/200. Giuseppe Migneco, originaire de Messine mais ayant déménagé à Milan dans sa jeunesse, était l'un des principaux représentants, avec Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, du groupe Corrente ouvert aux avant-gardes artistiques européennes. En faveur d'une peinture de l'engagement social, il explore la réalité avec un regard critique, objectif et historique. Ses personnages aux visages durs et carrés, marqués par un travail acharné et rendus avec des tons vifs et forts, rappellent sa Sicile aux traits violents et nets, mais aussi le réalisme social des muralistes mexicains. Ses œuvres parcourent le monde. Cette sérigraphie, qui fait partie de la série de figurines de pêcheurs, largement re-proposée par Migneco dans de nombreuses variantes, est absolument conforme à sa production la plus célèbre. Dans ce cas, c'est un pêcheur à la retraite, qui offre à son partenaire le fruit de son travail. La sérigraphie montre des traces d'une très légère déchirure, détectable uniquement par la réparation au dos.

Xavier Bueno

Garçon, 1966

Huile sur carton toile. Signé en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Après son enfance passée en Espagne, son pays natal, Genève et Paris, Xavier Bueno s'installe en Italie en 1940, à Fiesole, où il rejoint son frère Antonio, Pietro Annigoni et Gregorio Sciltian. au groupe des «Peintres modernes de la réalité», dont le manifeste proposait une observation «objective» de la vérité, de la nature et de sa reproduction fidèle que possible. L'expérience de la guerre civile espagnole d'abord, puis italienne, oriente de plus en plus l'artiste vers un réalisme lié à des raisons de fort contenu social. 1953 marque un tournant important pour la carrière de Xavier: c'est l'année de son adhésion explicite à la poétique du réalisme socialiste, adhésion qui fait suite à un parcours personnel qui le voit pratiquer la peinture «engagée» depuis l'avant-guerre, avec une claire avance sur l' art de la gauche italienne. Autre étape fondamentale de la carrière de Xavier, le voyage au Brésil en 1954: l'artiste revient de cette expérience plein d'enthousiasme et avec une série d'encres dont les principaux protagonistes sont des enfants, des adolescents, des ouvriers. A partir de ce moment, le thème de l'enfance est devenu de plus en plus récurrent, peu à peu les personnages ont été représentés immobiles, dans une sorte de brouillard irréel, dépourvu de profondeur uniforme, de rigueur de perspective, dans lequel ils émergent comme évoqués. Le travail présenté ici fait partie de cette production. Entre 1959 et 1964, Xavier crée le cycle des «Enfants», images souffrantes et œuvres symboliques mélancoliques d'une humanité humiliée et opprimée, que l'artiste présente à l'exposition «España libre». Sa technique a également subi une évolution, qui l'a conduit à rechercher un épaississement de la matière, épaissie par l'ajout de sable à la peinture; l'utilisation du collage, déjà expérimenté par lui dans les natures mortes, se fait également remarquer dans le domaine du portrait figuratif. La matière de ses peintures est devenue telle qu'elle en est venue à les définir «fresque sur toile». Œuvre présentée dans le cadre.

Sérigraphie par Luca Alinari

Billard 1990

Sérigraphie sur papier. Signé en bas à droite; numéro de série 57/125 en bas à gauche. L'artiste florentin Luca Alinari a développé sa production artistique, à la fois picturale et graphique, sur une recherche à proximité de la combinaison libre d'objets et de figures dans des atmosphères fantastiques et suspendues, sur la suggestion de Neo-Dada et Pop recherche Art. Techniques de peinture, dans laquelle il couleurs fluorescentes combinées, décalcomanie, collage, transpositions photographiques. Il a exposé dans toute l'Italie et dans le monde. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Xavier Bueno

Filles

Huile sur carton toile. Signé en bas à gauche. Après son enfance passée en Espagne, son pays natal, Genève et Paris, Xavier Bueno s'installe en Italie en 1940, à Fiesole, où il rejoint son frère Antonio, Pietro Annigoni et Gregorio Sciltian. au groupe des «Peintres modernes de la réalité», dont le manifeste proposait une observation «objective» de la vérité, de la nature et de sa reproduction fidèle que possible. L'expérience de la guerre civile espagnole d'abord, puis italienne, oriente de plus en plus l'artiste vers un réalisme lié à des raisons de fort contenu social. 1953 marque un tournant important pour la carrière de Xavier: c'est l'année de l'adhésion explicite à la poétique du réalisme socialiste, adhésion qui vient après un parcours personnel qui le voit pratiquer la peinture «engagée» depuis l'avant-guerre, avec une nette avancée art de la gauche italienne. Autre étape fondamentale de la carrière de Xavier, le voyage au Brésil en 1954: l'artiste revient de cette expérience plein d'enthousiasme et avec une série d'encres dont les principaux protagonistes sont des enfants, des adolescents, des ouvriers. A partir de ce moment, le thème de l'enfance est devenu de plus en plus récurrent, peu à peu les personnages ont été représentés immobiles, dans une sorte de brouillard irréel, dépourvu de profondeur uniforme, de rigueur de perspective, dans lequel ils émergent comme évoqués. Le travail présenté ici fait partie de cette production. Entre 1959 et 1964, Xavier crée le cycle des «Enfants», images souffrantes et œuvres symboliques mélancoliques d'une humanité humiliée et opprimée, que l'artiste présente à l'exposition «España libre». Sa technique a également subi une évolution, qui l'a conduit à rechercher un épaississement de la matière, épaissie par l'ajout de sable à la peinture; l'utilisation du collage, déjà expérimenté par lui dans les natures mortes, se fait également remarquer dans le domaine du portrait figuratif. La matière de ses peintures est devenue telle qu'elle en est venue à les définir «fresque sur toile». Œuvre présentée dans le cadre.