Huile sur carton, appliquée sur bois. Signé en bas à droite Previati. La jeune femme représentée est représentée de dos, la tête tournée de côté, regardant au loin ; elle porte une robe de style ancien, qui laisse les épaules découvertes, et sur la tête une couronne de roses entrelacées de rubans, qui se détachent chromatiquement rappelant les couleurs blanches et roses du teint de la jeune femme. Le tableau est présenté dans un cadre du début des années 1900, adapté.

Vendeur d'oeufs

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Au dos, signature authentifiée plus loin, avec le titre et l'emplacement de l'atelier de l'artiste. Le visage affable et ridé d'un vieux paysan est représenté, offrant ses œufs d'un geste simple et digne. Campestrini, né et vécu à Milan où il a également enseigné à l'Académie de Brera, s'est surtout distingué comme peintre de figures, préférant représenter les visages des villageois, des villageois, des pêcheurs. Il a également créé des paysages, alpins ou de la campagne ligurienne, ainsi que des vues de Milan. Bien qu'il ait été l'élève de Bignami, il reste loin des clameurs des avant-gardes. Lui-même aimait à se définir comme un "peintre figuriste qui s'adonne notamment au sujet montagnard, au religieux et autres thèmes du paysage". Le travail est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. Signé Anibal et daté 1849 en bas à gauche. La scène laisse entrevoir un paysage fluvial, avec le cours d'eau large et paisible coulant au milieu d'une campagne verdoyante et à proximité d'un petit village, et animé par de nombreuses figures de pêcheurs et de lavandières avides des occupations quotidiennes. Le tableau présente une légère déchirure à gauche et un signe de réparation antérieure à droite. Il est présenté dans un cadre contemporain redoré.

Vase aux fleurs, 1957

Huile sur table. Signé et daté en bas à gauche. C'est l'œuvre du peintre milanais Piero Gauli, qui a rejoint le groupe actuel, créant une peinture caractérisée par un style fortement expressionniste, plein de couleurs et riche en rouges d'ascendance vénitienne, qui creuse la matière comme un sculpteur laborieux. Le tableau est présenté avec un profil en laiton, inséré dans un cadre en bois contemporain.

Italie XVIIIème Siècle

Groupe de trois paires de flambeaux en bois tourné et laqué.

Aquarelle sur papier. Signé Borrani et daté 1881 en bas à gauche. Aperçu minutieux et détaillé d'un intérieur d'église gothique, en particulier la chaire ornée de panneaux sculptés en bas-relief de scènes de la Passion ; en arrière-plan, les fenêtres en mosaïque lumineuses et colorées. Malgré la signature, elle n'est pas attribuable au peintre toscan Odoardo Borrani, un talentueux Macchiaiolo. Le tableau est présenté dans un cadre stylé.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.

Italie Milieu du XXe siècle

Lustre Pastoral à 5 lumières en verre de Murano, Italie milieu du XXe siècle. Pendentifs en verre coloré.

Huile sur toile. Un grand paysage de campagne vallonnée, avec la rivière qui coule à gauche, voit sur le chemin à droite quelques petits personnages populaires, voyageurs en conversation. La peinture a subi un nettoyage de couleur. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Barques colorées, Porticello, 1929

Huile sur table. Au verso, un cartouche avec la signature de l'auteur, le titre, le lieu et la date. Né en Sicile en 1882, mais formé artistiquement aux États-Unis où il avait déménagé alors qu'il était encore enfant avec sa famille, Guarino était un peintre et graveur, qui a peint les lieux de sa vie avec de grands coups de pinceau et des couleurs vives. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur table. Ecole espagnole du XVIIe siècle. Le regard de cette petite fille est intense et pénétrant, représentée à mi-corps dans une délicate robe rose agrémentée d'un col en dentelle, mais les cheveux retenus par un bonnet rouge vif et pelucheux, qui donne une touche espiègle au portrait. Au verso il y a une ancienne attribution au crayon à Jacopo Chimenti dit Empoli. Le tableau est présenté dans un cadre doré à l'ancienne.

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.