Paysage marin peint

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde du XVIIIe siècle. Une composition presque en guirlande de fleurs panachées, qui occupent tout le champ pictural, sur un fond sombre d'où elles émergent toutes seules, sans aucun autre élément de mobilier. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre de style début 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Les deux tableaux, certainement jumeaux en termes de typologie de sujet et de méthodes picturales, offrent deux aperçus paysagers typiques de la production nordique des XVIIe-XVIIIe siècles, avec de grands espaces de campagne habités par des fermes près des cours d'eau, des figures de paysans et de roturiers attentifs à leur travail. , les montagnes bleues en arrière-plan, précédées de douces collines et surmontées d'un ciel bleu brodé de nuages blancs. Déjà rentoilés et restaurés, les deux tableaux présentent des taches de couleur et d'opacité. Ils sont présentés dans des cadres élégants.

Scène de Sacrifice à Vénus

Aquarelle sur papier. En bas à gauche le nom Giuseppe Cades, Bien qu'au dos, en plus de l'attribution, le titre "Le serment de la Vestale" soit proposé, la scène propose plutôt une jeune fille qui offre des guirlandes de fleurs à la statue de la déesse Vénus, traditionnellement représentée discrète, qui tient le voile d'une main pour couvrir les reins tandis que l'autre va couvrir la poitrine, et la tête aux cheveux froncés et ornés de fleurs. Derrière la jeune fille, un jeune homme regarde la scène, tandis qu'un troisième regarde derrière la colonne du temple : il semble donc une scène de supplication à la déesse, lui demandant de favoriser l'amour des deux jeunes hommes : selon les deux grecs et de tradition romaine, les jeunes avant les noces se consacraient à cette déesse, considérée comme protectrice du mariage et de la fidélité conjugale. L'œuvre semble proche de la production de Giuseppe Cades, qui dans la décennie 1780-90 devint l'une des personnalités les plus connues et les plus appréciées du monde artistique romain, et fut également dessinateur et graveur. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne. La scène pleine de personnages, propose la Sainte Famille en route pour l'Égypte, conduite par un Ange et assistée d'en haut par d'autres petits anges. Insérées dans un paysage italien classique, les personnages sont représentés dans une dimension très terrestre: l'Enfant, bien qu'auréolé, dort paisiblement dans les bras de sa Mère; Maria, che indossa un inconsueto copricapo da pellegrina, incrocia lo sguardo con il suo sposo Giuseppe, il quale mentre con un gesto tenero (le poggia una mano sul ginocchio) la sta rassicurando, dialoga intanto con l'Angelo da cui si fa indicare la route. Regarnissée, la peinture présente des pertes de couleur qui nécessitent une restauration. Il est dans un cadre adapté, de la fin des années 1800 au début des années 1900.

Scène galante et scène pastorale

Paire de peintures sur cuir, représentant une scène galante et une scène pastorale. Dans des cadres stylisés.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Une particularité de cette scène est la présentation des personnages concentrés dans la partie inférieure de la toile, tandis que dans la partie supérieure domine à gauche la grande structure architecturale, qui se veut la grotte, mais qui est une haute et imposante structure en bois structure, flanquée à droite par l'obscurité de la nuit, interrompue par la brèche de lumière ouverte dans le ciel, d'où sortent les anges. Les personnages sont disposés à converger, le long d'une ligne oblique montant vers la gauche, en direction de la Sainte Famille, en particulier vers Marie et l'Enfant, qui sont sur la même diagonale que le faisceau de lumière céleste. A droite de la Sainte Famille, les Mages, avec leur cortège de serviteurs et d'animaux, derrière lesquels s'ouvre un paysage qui évoque les terres lointaines dont ils sont issus. Le tableau est animé par le jeu des couleurs et des lumières, avec une alternance de lumières et d'ombres, de couleurs vives et de fonds sombres. Il s'agit d'une réplique avec des variantes (notamment l'ajout de l'imposante structure architecturale qui double la scène) de l'Adoration des Mages peinte à la fin du XVIIe siècle par Andrea Celesti dans l'église de Limone del Garda. Plusieurs exemplaires de cette œuvre ont été réalisés, dont l'un, tout à fait similaire dans sa composition et son arrière-plan à celui présenté ici, bien que plus nébuleux, se trouve dans la galerie Repossi à Chiari. Cela permet de placer l'œuvre dans la région de Brescia. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un beau cadre doré de la fin du XIXème siècle.

Repos pendant la fuite en Égypte

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

Huile sur table. Ecole italienne du nord (vénitienne ?) du XVIIIe siècle. La forme de la table suggère que le tableau faisait partie d'un ensemble d'ameublement, inséré dans une structure murale composite avec d'autres scènes mythologiques et allégoriques. Le tableau représente un épisode mythologique relaté dans les Métamorphoses d'Ovide : Mercure s'apprête à endormir Argus avec les mélodies persuasives de sa flûte, puis le tue sur ordre de Jupiter. Argos, le berger aux cent yeux et doté d'une grande force, avait été chargé par Junon de veiller sur la jeune Io, aimée de Jupiter et transformée par lui en génisse. Dans cette représentation, placée dans un paysage bucolique, Mercure peut être identifié avec son chapeau et ses chaussures ailées, tout en jouant de sa flûte, et Argus assis regardant la génisse blanche derrière lui : comme dans de nombreuses représentations de ce mythe, également dans des œuvres de grande renommée , Argo est dépeint comme un simple berger, sans cent yeux et sans dons particuliers. La dimension bucolique plutôt que dramatique souligne l'intention décorative du panneau, qui cherche à évoquer la légèreté plutôt que le pathos. L'ouvrage est en bon état.

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIe siècle. La scène de l'iconographie chrétienne traditionnelle est très vivante et mouvementé, très riche en figures, détails et couleurs : au centre les trois figures des Mages, qui rendent hommage à l'Enfant Jésus, se sont déplacées vers la gauche avec la Sainte Famille, tandis qu'au à droite, il y a toute la riche suite des trois rois, avec des cadeaux. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque, avec des manques.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : la famille du berger assise au centre, observant le compagnon qui tient l'enfant dans ses bras dans des langes; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux bêtes du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. Le grand naturalisme des figures animales se distingue, qui se réfère comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, connue sous le nom de Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintre d'animaux actifs en Italie au XVIIe siècle, caractérisé par la capacité particulière d'évoquer la toison et les regards des animaux. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre de style doré.

Huile sur toile. École vénitienne. La scène, qui se déroule dans un territoire désertique près de montagnes enneigées, voit une caravane itinérante, avec une figure féminine importante au centre sur le dos d'un chameau, s'adressant à un serviteur en dessous ; la classe sociale élevée des femmes est inférée, dominante sur toutes les autres, et la représentation de la reine de Saba, la reine biblique très riche venant d'Orient pour rencontrer le roi Salomon, est hypothétique. Les méthodes picturales rappellent la production de Francesco Fontebasso (1707-1769), l'un des principaux représentants de la peinture vénitienne de la période rococo. Le petit travail était probablement un croquis pour une toile ou une fresque plus grande. Au dos se trouve une étiquette de la collection historique Simonetti à Rome. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Peinture à l'huile sur toile. Une scène de séduction est décrite sur un chemin de campagne : une jeune femme debout montre son corps à l'homme assis pour se reposer avec son partenaire ; tandis qu'il détourne le regard, sa femme regarde tristement la jeune prostituée, tenant son partenaire par la main. D'autres voyageurs apparaissent sur le chemin. Peut-être d'une portée allégorique, le tableau souligne le contraste entre la fraîcheur, l'éclat et l'ardeur du jeune corps féminin, dont la beauté est affichée, et la forme mal définie, emmitouflée, presque cachée des deux corps âgés. Au dos du tableau, il y a une hypothèse d'attribution à Giuseppe Gambarini (1680-1725) au crayon. Malgré l'attribution douteuse, le tableau est bien fait dans la qualité picturale et dans le rendu du sujet. Restauré et regarnisé, il est présenté dans un cadre ancien réadapté.